La Dimensión Alterna On-Line

Somewhere over the Rainbow... 70 años del estreno de El Mago de Oz

2009-08-13T09:46:00.001-07:00

Este clásico de la historia del cine cumplió 70 años de existencia el día de ayer. Las aventuras de Dorothy, su perrito Toto, el Espantapájaros, el Hombre de Hojalata y el León Cobarde siguen siendo la delicia de chicos y grandes, manteniendo todo su poder y magia intactos, mismos que la definen como digno representante de ese cine "de antes" ahora condenado a la extinción.

El Mago de Oz es fruto de la "época dorada de Hollywood" formando parte de un año irrepetible en la historia del cine, pues 1939 vio surgir filmes que hicieron historia como Lo que el viento se llevó, La diligencia, Cumbres borrascosas, Ninotchka, Tú y yo (Love Affair), Adiós Mr. Chips o Caballero sin espada y consolidó a actores como Clark Gable, James Stewart, Greta Garbo, Irene Dunne o Vivien Leigh.

Fue en aquella época, cuando los avances en el uso del Technicolor y la tecnología de las cámaras comenzaban a dar sus frutos, además de que el Star System y los estudios estaban en su completo apogeo.

Desde el pasado mes de mayo, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood comenzó a exhibir, con la intervención de ilustres invitados, las diez candidatas al Óscar en la categoría de mejor película de ese año, celebrando en todo su esplendor al cine de antaño, en un ciclo donde la magia del cine envolvió a todos los asistentes al Teatro Samuel Goldwyn de Los Ángeles y que cierra con la proyección de El Mago de Oz.

"En 1939 se llegó a una cima creativa en Hollywood", dijo a EFE el programador del ciclo, Randy Haberkamp. "Habían pasado unos diez años tras la llegada del sonido al cine, y como ocurre en otros avances tecnológicos, se precisa ese tiempo para que algo nuevo encuentre su sitio en el sistema", añadió.

Lo que mucha gente no sabe sobre El Mago de Oz es que el producto final pudo haber tenido un aspecto muy diferente si se hubieran llegado a cumplir ciertas exigencias de los estudios Metro-Goldwyn-Mayer, y como muestra basta un botón: En un principio se pensó que la Bruja Malvada del Oeste debía tener un aspecto glamoroso, que las zapatillas de Dorothy serían plateadas como en la novela o que el célebre tema 'Over the Rainbow' no aparecería en el corte final. ¿Se imaginan la cinta con esos cambios?

Por el proyecto pasaron cuatro directores (Victor Fleming, que filmó la mayor parte del metraje; Mervyn LeRoy, Richard Thorpe y King Vidor) y hasta 16 guionistas, la mayoría sin acreditar, encargados de pulir los diálogos.

La cinta tuvo también su cuota de accidentes y retrasos, como por ejemplo Margaret Hamilton, la bruja, se quemó la cara y las manos cuando su maquillaje se incendió en una de las apariciones del personaje entre humo y fuego y el primer actor que hizo de Hombre de Hojalata, Buddy Ebsen, acabó intoxicado y al borde la muerte en el hospital por culpa del maquillaje metálico que requería el personaje.

A pesar de todo el filme ganó dos Óscares (a la mejor banda sonora y a la mejor canción original, por 'Over the Rainbow'), y su emisión en las televisiones de EU se convirtió en una tradición que permanece a lo largo de las décadas, aunque su verdadera magia sólo se puede apreciar en la pantalla grande y es una historia que a pesar del paso de los años, sigue fresca y sin pasar de moda.

Así que festejemos 70 años de una de las mejores películas de la historia del cine y acompañemos a Dorothy en sus aventuras en la tierra de Oz.

¡Hasta el próximo post!

El verdadero Silent Hill

2009-08-06T17:00:00.001-07:00

Para los que nos gustan los videojuegos de Survival Horror, existe una saga que la mayoría recordamos con cierto cariño, la cual nos sacó muchos sustos y mantuvo noches enteras descifrando sus acertijos: Silent Hill. También hace unos añitos salió en la pantalla grande la versión cinematográfica basada en esta exitosa serie, una aceptable adaptación que nos hizo brincar del asiento a más de uno.

Tanto en los juegos como en la película el tranquilo pueblo de Silent Hill, Virginia del Oeste, es un personaje más y juega una parte importantísima en el desarrollo de la historia. Un pueblo fantasma a veces, una ciudad tranquila otras y un lugar de pesadillas cuando pasamos a su "otra dimensión". Con su perturbadora niebla, cenizas volando por doquier, su pasado sangriento, casas abandonadas y criaturas diabólicas, Silent Hill es un lugar que de plano sólo es visitado por los más valientes gamers.

Pero ¿Qué me dirían si les cuento que en el mundo real, existe un pueblo que podría ser llamado el verdadero Silent Hill? Un pueblo con un pasado no tan misterioso o sangriento pero que es precisamente la base e inspiración para el universo de este videojuego y como buena aventurera/gamer me dí a la tarea de investigar un poco sobre el lugar, su nombre es: Centralia.

¿Me acompañan?

Centralia es un municipio en el condado de Columbia, Pennsylvania, en los Estados Unidos. A pesar de que en 1981 había más de 1.000 habitantes, la población ha disminuido a 12 como resultado de un incendio que arde debajo de la ciudad desde hace más de 40 años, en una vieja mina de carbón.

Los orígenes

El pueblo fue registrado en 1866, pero ya existía desde el año de 1841. Fue cuna de activistas de la organización secreta de mineros llamada Molly Maguires, durante el período entre 1860 y 1870.Su fundador de la ciudad, Alexander Rea, fue una de las víctimas de esta orden clandestina, cuando fue asesinado en las afueras del municipio el 17 de Octubre de 1868. Otros asesinatos e incendios ocurrieron en aquel tiempo, dándole al lugar un aura de lugar maldito.

Los incendios

En el año de 1962, se inició lo que aparentemente era un incendio inofensivo en un basurero de la ciudad. No se sabe quién o por qué ocurrió pero el fuego se extendió repentinamente por el subsuelo y encendió una vieja veta de carbón que de casualidad se encuentra situada bajo la ciudad. Las llamas de la superficie fueron extinguidas por los bomberos, pero el carbón siguió ardiendo bajo las casas hasta convertirse en un monstruo incontrolable que obligó a desalojar la ciudad.

Varias veces se intentó aplacar el fuego sin resultado alguno. Siguió quemandóse entre los años 1960 y 1970 y durante este tiempo, varias personas se vieron afectadas en su salud a causa del monóxido de carbono que dejaba escapar el tremendo incendio.

En 1979 la gente se dio cuenta de la magnitud del problema cuando el propietario de una gasolinera, de casualidad, inserto una vara dentro de uno de los tanques subterraneos para verificar el nivel de combustible. Cuando la retiró estaba caliente, entonces bajó un termómetro amarrado a una cuerda y se sorprendió al descubrir que la temperatura de la gasolina en el tanque era de 78°C. Poco tiempo después de este incidente la atención pública hacia el fuego se incrementó.

En el año de 1981, Todd Domboski de 12 años, cayó dentro de un pozo que de pronto se abrió bajo sus pies. Cuando fue rescatado, se estimó que el pozo tenía decenas de metros de profundidad y el suceso atrajo la los ojos de todo el país hacia el tranquilo pueblito de Centralia. En 1984 el Congreso de los Estados Unidos asignó más de 40 millones de dólares para la reubicación de sus habitantes, quienes en su mayoría aceptaron la indemnización y se mudaron a los pueblos vecinos de Mount Carmel y Ashland. Unas cuantas familias optaron por quedarse, a pesar de las advertencias de los oficiales del estado.

En 1992 el estado de Pennsylvania expropió todos los inmuebles del municipio. Una subsecuente batalla legal en contra del gobierno fue iniciada por los residentes, sin éxito. En el 2002 el servicio postal estadounidense de plano canceló el código de área del pueblo, una movida que equivaldría a eliminarlo de los mapas.

Centralia en la actualidad

Hoy en día, Centralia es un lugar abandonado y fantasmal. El aspecto actual de Centralia es lo más parecido a una película de terror. De ahí que este lugar sirvió de inspiración para "Silent Hill". Aquí y allá, el monstruo ha levantado las calles o partido en dos las carreteras; pequeñas columnas de humo delatan los lugares por los que trata de respirar. Sólo un puñado de casas quedaron de pie. La mayoría de los edificios han sido arrasados y hoy el área parece una campiña con varias calles pavimentadas y algunas partes han sido reclamadas por nuevos brotes.

La única iglesia que quedó en el pueblo mantiene servicios semanalmente los sábados en la noche, y los cuatro cementerios están en buen estado. Irónicamente, los cementerios tienen más población, que el mismo pueblo.

Los únicos indicios de fuego, que se encuentra a 1600 metros bajo la superficie, son algunas chimeneas subterráneas que expelen humo en el sur del lugar.

La carretera estatal 61, que fue cerrada a mediados de los 90, es un lugar auténticamente espectral. Un enorme cartel nos advierte del peligro poco antes de llegar: "Incendio en mina subterránea. Adentrarse en este área puede ocasionar graves daños o la muerte. Gases peligrosos. Peligro de hundimiento". La fuerza del incendio ha rajado la carretera en dos; una gigantesca grieta que cruza de un lado a otro como si la tierra acabara de estallar.

Centralia se considera actualmente como un pueblo fantasma, aunque de vez en cuando algún grupo de despreocupados turistas se aventura en las inmediaciones de la mina y se fotografía junto a las humeantes chimeneas. Ignorando que, en cualquier momento, el monstruo puede despertar y devorarlos.

Pueden ver fotos de este lugar aquí.

¿Ustedes qué opinan? ¿Visitarían Centralia?

¡Hasta el próximo post!

La Academia va por 10...

2009-06-24T15:14:00.001-07:00

La nota cinéfila del día que está dejando mucho de qué hablar es la siguiente:

Resulta que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunció durante una conferencia de prensa en Beverly Hills, que la categoría de Mejor película duplicará sus nominados, y una decena de filmes competirá por el preciado hombrecito dorado, cosa que ocurrirá a partir de la ceremonia que se llevará a cabo el próximo 7 de marzo de 2010, en el Teatro Kodak.

"Después de seis décadas –afirmó su presidente, Sid Ganis –, la Academia decidió regresar a sus raíces, cuando más películas competían por el premio mayor".

Durante los años 1930 y 1940 la categoría de Mejor Película incluía más de cinco filmes, y por más de nueve años hubo 10 cintas candidatas. La décimo sexta ceremonia de entrega de los premios Oscar en 1943 fue la última que incluyó 10 cintas para competir por el premio mayor, que fue a parar entonces a Casablanca.

Ganis también mencionó que este aumento permitiría a documentales, películas extranjeras y cintas animadas entrar en la competencia por el Oscar más codiciado, ya que en varias ocasiones han quedado fuera de la categoría.

Expertos en este premio dijeron que esta ampliación seguramente obedece al interés por recuperar la atracción de la audiencia a estos premios, o sea todo sea por el condenado rating, el cual subió a 13% este año después de haber marcado su peor récord en la ceremonia del 2008. Esta noticia ha generado nutridas discusiones en redes sociales como Twitter o Facebook, foros de Cine y páginas web de publicaciones especializadas en el medio.

Para mí es una jugada para aumentar su rating y sus intereses comerciales es decir, mover mas dinero en la industria; del lado amable, tal vez al tener más opciones de dónde elegir ya no se quedarán fuera de la jugada películas como "Revolutionary Road" o "The Dark Knight".

¿Y Ustedes qué opinan sobre esta decisión? ¿Es mejor cantidad o calidad?

¡Nos vemos en el próximo post!

Datos Curiosos - Transformers 2: Revenge of the Fallen

2009-06-22T13:28:00.001-07:00

El día de mañana se estrena una de las secuelas más esperadas del verano y cortesía de Paramount Pictures les traigo algunos datos curiosos sobre esta cinta, para ir calentando motores, previo al estreno.

INDUSTRIAL LIGHT & MAGIC Y TRANSFORMERS - DATOS CURIOSOS

HECHOS INTERESANTES
● La cinta anterior hubieron 14 en esta ocasión hay 46 (sólo los de ILM)
● Si uniéramos todo el oro extraído en minas en la historia de la humanidad, podríamos construir un poco más de la mitad de un Devastator.
● Optimus Prime se verá de tamaño natural en las pantallas IMAX en muchas de las tomas del combate en los bosques (no se la pierdan en IMAX)
● La mando del Devastator se desplaza a 390 millas por hora cuando él golpea la pirámide.
● La simulación de la destrucción de la pirámide es 8 veces mayor que la simulación rígida previa más compleja de ILM.
● Si colocáramos todas las partes de los robots una al lado de otra, ocuparían alrededor de 180 millas (o lo que mide de un extremo al otro de California).
● Las partes del Devastator colocadas una encima de las otra tendrían la altura de 58 Empire State Buildings.
● Si todos los mapas de textura de la película se imprimieran en hojas de una yarda cuadrada, cubrirían 13 campos de fútbol americano.

ESPACIO EN EL DISCO DURO
● El primer filme de Transformers utilizó 20 terabytes de espacio en el disco duro. Transformers: La Venganza de los Caídos usó 145 terabytes. ¡Siete veces más!
● 145 terabytes llenarían 35,000 DVDs. Apilados uno sobre el otro sin sus cajas, tendrían 145 pies de altura.

TIEMPO DE RENDERIZACIÓN
● Para renderizar la cinta completa en una computadora moderna casera, hubiéramos tenido que comenzar la renderización hace 16,000 años (cuando las pinturas en las paredes de cuevas paleolíticas como La Gran Sala de Toros se dibujaron) si queríamos terminarla para la fecha de estreno este año.
● Una sola toma de la película en IMAX (df250) hubiera tomado casi 3 años de renderización consecutiva en una computadora personal.
● Tiempo de renderización de los fotogramas en IMAX: ¡Hasta 72 horas por fotograma!

IMAX
● Los fotogramas de IMAX toma un tiempo de renderización 6 veces mayor que los anamórficos.
● Los fotogramas de IMAX toma un tiempo de renderización 6 veces mayor que los anamórficos.
● Tiempo de renderización de los fotogramas en IMAX: ¡Hasta 72 horas por fotograma!

DURACIÓN DE LAS ESCENAS DE ILM
● Las escenas que ILM creó para la realización tienen una duración de alrededor de 51 minutos.

DEVASTATOR
● El Devastator tiene la altura de un edificio de 10 pisos.
● El Devastator tiene 10 veces más partes individuales que un auto promedio.
● Puestas una al lado de la otra, las partes del Devastator tendrían casi 14 millas de largo.
● Número de piezas geométricas: 52632.
● Número total de polígonos: 11,716,127.
● Longitud total de todas las piezas: 73090 pies.
● Longitud total de todas las piezas: 13.84 millas.

Mañana no se pierdan el estreno de esta cinta, que promete efectos especiales impresionantes y mucha acción.

¡Hasta el próximo post!

Mickey Mouse ha enmudecido..

2009-05-22T08:32:00.001-07:00

Si, leyeron bien, Mickey Mouse se ha quedado sin voz. El pasado martes, falleció el actor Wayne Allwine, quien dio su voz en inglés a Mickey Mousea los 62 años.

Wayne fue la voz del ratón más famoso del mundo durante más de tres décadas y su viuda, Russi Taylor, ha sido la voz de Minnie, la pareja de Mickey desde 1986.

Allwine ganó un premio Emmy por su trabajo de edición de efectos sonoros en la película Amazing Stories fue el tercer actor en hacer el doblaje de Mickey desde que la caricatura apareció en 1928. El primero fue el mismo Walt Disney y el segundo Jimmy MacDonald.

Allwine fue la voz de Mickey en películas como "Mickey's Christmas Carol" (1983), "Who Framed Roger Rabbit" (1988), y "The Prince and the Pauper" (1990). El también dio vida a Mickey en parques temáticos de Disney, programas de televisión, radiales, la serie de videojuegos Kingdom Hearts y en eventos en vivo.

"Mickey es la verdadera estrella", dijo Allwine alguna vez cuando lo cuestionaron sobre su trabajo. "Tu sabes que debes amar al pequeñín mientras lo tengas, porque no será tuyo para siempre". Una muestra de la humildad de este grande del doblaje.

"Wayne dedicó toda su carrera profesional a Disney, y durante los últimos 32 años, brindó gozo, felicidad y comodidad a muchos alrededor del mundo al dar voz a nuestro personaje más amado e icónico, Mickey Mouse", comentó el presidente ejecutivo de la compañía, Robert Iger.

Como diría Mickey See you real soon!.

Descanse en paz.

May the 4th be with you!

2009-05-04T09:54:00.001-07:00

A todos los fans de hueso colorado de la saga espacial más exitosa de todos los tiempos, les deseo un muy feliz Día de Star Wars.

Hoy, 4 de mayo, es considerado el día de Star Wars por un juego de palabras en inglés basado en la frase más famosa de la saga, pues si se pone uno a alanizar «May the Force be with you" y "May the fourth be with you" (haciendo referencia a la fecha) suenan muy parecido.

Así que hoy recordemos estas maravillosas películas y confiemos en que la Fuerza siempre nos acompañe :)

¡Hasta el próximo post!

El Libro de Piedra

2009-04-22T08:25:00.001-07:00

Ah los amigos imaginarios... ¿Quién no tuvo alguno durante su infancia? Ese ser con quien compartíamos horas de diversión y nuestros más preciados secretos.

Un fenómeno a veces incomprendido por los adultos, quienes escépticos desechan la idea como una etapa en el crecimiento de sus hijos, un capricho o una forma por demás inocente de llamar su atención.

Pero a veces, tener un amigo imaginario no es tan inocente como parece...

El pasado viernes se estrenó a nivel nacional una propuesta fímica que aborda este tema con el que abro este post, contándonos la extraña amistad entre una niña y una estatua de piedra.

La cinta en cuestión es El Libro de Piedra , remake del clásico de terror de 1968, llevada a la gran pantalla de la mano de Julio César Estrada y con un guión que corrió a cargo del mismo Estrada, Mario P. Székely, Enrique Rentería y Gustavo Moheno, todo un reto ya que la versión original ha logrado estatus de culto entre los cinéfilos del país.

La historia se centra en la extraña conducta de Silvia, una pequeña niña que afirma que Hugo - la estatua de piedra que adorna el jardín de la hacienda donde vive - es su amigo y compañero de juegos. Sus padres creen que hay algo mal con ella por lo que una psicóloga infantil viajará a donde vive Silvia para tratar de ayudar en este caso.

Lo que al principio parece un inocente juego infantil se convierte en una extraña obsesión que terminará por envolver a los inquilinos de la hacienda.

En esta nueva versión, la esencia de la trama original se mantiene y refresca, añadiéndole además un tono mucho más inquietante del que nos ofrecía la versión original.

Conforme se desarrolla la historia, la incomodidad que nos hace sentir la relación tormentosa entre Silvia y Hugo poco a poco se va transformando en una pesadilla. Es una de esas películas que vas a ver en el cine, valientemente y prometiéndote a ti mismo "No me voy a asustar" y en la que depronto notas que cada vez vas subiendo más los pies al asiento y te aferrras a tu acompañante, dejándote atrapar por el miedo y el suspenso.

Apoyada casi principalmente en las actuaciones de su elenco principal (la niña que interpreta a Silvia es la mejor), un excelente uso de las locaciones que el estado de Chiapas ofrece, la forma en que se contó la historia y dejando a un lado complicados efectos especiales a computadora o el típico susto en pantalla, El Libro de Piedra se convertirá en el nuevo clásico del cine de terror mexicano.

Si quieren sustos, les garantizo que los tendrán.

¿Y tu, jugarías con Hugo?

El libro de piedra

Género: Horror gótico

Productores: Estrella Medina Escamilla, Julio César Estrada, Raúl Trujillo Gazcón, Gilberto Trujillo Gazcón, Fidecine, Grupo Financiero Inbursa, Tristain Entertaiment

Director:Julio César Estrada

Argumento Original: Carlos Enrique Taboada

Guionistas: Gustavo Moheno Torralba, Enrique Rentaría, Mario P. Szekely, Julio César Estrada

Elenco: Plutarco Haza, Evangelina Sosa, Ludwika Paleta, Guillermo Larrea, Mariana Beyer, Martha Aura, Enoc Leaño, René Gatica, Miguel Couturier, Jorge Victoria.

¡Harry Potter adelanta su estreno!

2009-04-15T09:27:00.001-07:00

Para todos los fans de la franquicia del niño mago más famoso del mundo (yo incluida) esta es una excelente noticia.

Resulta que Warner Pictures decidió adelantar un par de días el estreno de Harry Potter and the Half Blood Prince del viernes 17 de julio al miércoles 15 de julio entre otras cosas por cuestiones monetarias y de estrategia.

Yo opino que es una decisión muy acertada de los estudios ya que este verano viene muy competido en cuanto a blockbusters y si se acorta la espera, aunque sea dos días mucho mejor.

¿Ustedes qué opinan? ¿Ya cuentan los días para verla? Para mí Half Blood Prince es uno de los mejores libros de la saga, espero le hagan justicia y mantengan la calidad a la que ya nos acostumbraron, para que la espera tan larga valga la pena.

La nota original la pueden leer aquí.

¡¡Nos vemos en el próximo post!!

I love the smell of napalm in the morning....Happy 70th Birthday Mr. Coppola!!

2009-04-07T18:04:00.001-07:00

Un día como hoy, hace 7 décadas nació el cineasta que regaló al mundo la trilogía de "The Godfather" y la monumental "Apocalypse Now", Francis Ford Coppola. Toda una leyenda de la industria con cinco Óscares a sus espaldas, 14 nominaciones y muchas ganas de seguir haciendo cine.

De su trabajo como cineasta prácticamente se ha dicho de todo. Gracias a él el cine de gángsters y el de guerra no han sido lo mismo y además de eso, es un gran empresario: vinos, restaurantes, hoteles y una revista literaria son evidencia de que Coppola no tiene miedo de reinventarse.

A sus hoy 70 años es el orgulloso dueño de dos bodegas, tres "resorts" en el Caribe y una revista literaria, una combinación que se debe a un hombre apasionado que persigue sus sueños, sin importar el costo ni los riesgos.

Esperamos nos siga sorprendiendo con sus filmes y empresas, deseándole que cumpla muchos años más.

¡Happy Birthday Francis Ford Coppola!

¡Hasta el próximo post!

Who watches the Watchmen?

2009-03-05T09:43:00.001-08:00

En los años 80, una novela gráfica titulada 'Watchmen' revolucionó el mundo del cómic. Su guionista, Alan Moore, inventó una propuesta que dió un giro de 360 grados al concepto del superhéroe tradicional. Este viernes, las viñetas dibujadas por Dave Gibbons, cobran vida en la pantalla de plata gracias a Zack Snyder, mente maestra detrás de '300' y 'El Amanecer de los muertos'.

La adaptación cinematográfica de la que es considerada el santo grial de las novelas gráficas tardó tiempo en llegar a la pantalla grande. Realizar la cinta fue considerado casi imposible, debido a la complejidad técnica, múltiples personajes, violencia, subtramas y abundantes diálogos que contiene la obra original, además de problemas con los derechos de la misma.

La historia transcurre en 1985 en Nueva York, en los plena Guerra Fría, cuando un enfrentamiento atómico entre soviéticos y estadounidenses parece inminente y podría llevar a la destrucción de la civilización.En medio de este clima, un antiguo y controvertido superhéroe retirado, The Comedian (Jeffrey Dean Morgan) es asesinado sin razón aparente, lo que lleva a uno de sus ex compañeros, el atormentado Rorschach (James Earle Haley) a iniciar una investigación para descubrir lo ocurrido, su teoría alguien está intentando acabar con los enmascarados y superhéroes de la ciudad. Sus antiguos compañeros Silk Spectre II (Malin Akerman) y Night Owl II (Patrick Wilson) se unirán en su cruzada y descubrirán un plan con peligrosas implicaciones para la humanidad.

Con una trama compleja, secuencias de acción llevadas al límite, efectos especiales espectaculares y un diseño de producción soberbio, esta cinta se revela como un hábil estudio del concepto de superhéroe, además de un reflejo de una sociedad en decadencia nada lejana a nuestra realidad actual donde el "Sueño Americano" se tambalea, como un ídolo de barro a punto de romperse.

Desde su trepidante inicio, la cinta nos sumerge en casi tres horas plagadas de acción, sangre, humor negro y dilemas existenciales. La música juega también un papel vital para el desarrollo de la trama y dentro de la misma se encuentran guiños y referencias a la novela gráfica original.

Claro que nadie es perfecto y al llevar al cine un cómic como Watchmen habrán omisiones o cambios en la trama que pueden enojar a los fans más puristas. Sin embargo, Watchmen es una cinta disfrutable tanto para los más fans como para el público en general.

Además, Watchmen se encuentra muy lejos del habitual concepto Hollywoodense del superhéroe, rompiendo con el patrón establecido en cintas del género en las que se libra una batalla entre el bien y el mal, profundizando en los problemas, miedos, traumas y deseos de sus protagonistas, más allá de las capas y los trajes ajustados.

Título original: Watchmen

Nacionalidad: Inglaterra / EE.UU. / Canadá

Año: 2009

Duración: 163 minutos

Género: Acción, Ciencia-Ficción, Drama, Thriller

Color: Color

Director: Zack Snyder

Guión: David Hayter y Alex Tse

Elenco: Malin Akerman, Carla Gugino, Jeffrey Dean Morgan, Patrick Wilson, Matthew Goode, Billy Crudup, Jackie Earle Haley, Stephen McHattie, Matt Frewer, Laura Mennell

El Cine en 3D

2009-02-17T14:15:00.001-08:00

Desde sus inicios el cine mismo era una innovación técnica que tiempo después se convirtió en un espectáculo y ahora es toda una industria. Consolidado como un arte con su autonomía e independencia, el cine ha estado lanzando todo tipo de innovaciones para atraer más público a las salas; desde el sonido, el color, el formato panorámico, los efectos especiales y un enorme etcétera.

Es curioso que lo que surgió cómo una de estas innovaciones técnicas se haya convertido en una forma muy efectiva de llamar la atención del público, invitándolo no solo a ver de una manera diferente una cinta sino a sentirse parte de ella. Hablo del cine en 3D, el cual, en años recientes ha regresado para quedarse, con películas como "Superman Returns", "Viaje al Centro de la Tierra", "Bolt", "Coraline y la Puerta Secreta", "Sangriento San Valentín 3D", "Monstruos Vs. Aliens", entre otras.

Conozcamos un poco más sobre la historia y orígenes de este tipo de cine que está invadiendo las salas de todo el mundo.

Pero primero lo primero, ¿Qué es el cine en 3D?
El cine en 3D (3 Dimensiones) es una ilusión óptica, llamada proyección biocromática, que se logra al proyectar una imagen biocromática, resultado de filmar o fotografiar un objeto o persona con dos cámaras en distinto ángulo y con lentes de distinto color (traidcionalmente rojo y azul). A la hora de proyectar lo filmado en la pantalla, el espectador utiliza unos lentes especiales que interpretan la imagen y hacen que experimente la ilusión de ver cierto reborde en las formas de los actores y elementos que ve en la pantalla) o incluso sentir que algunos elementos salen de la pantalla hacia el público.

La cintas en 3D actualmente se filman y procesa de manera especial, digitalmente para lograr esta ilusión.

¿Cuándo fue la primera presentación de una película 3D?
Algunos cinéfilos me contestarían que HOUSE OF WAX (Museo de Cera-1953) Pero nooooooo señor, nada de eso. El 10 de junio de 1915 se produjo la primera proyección de una película en 3D ante público particular: el lugar fue el Teatro Astor en Nueva York y lo que se proyectó fue:

1) Escenas rurales de los Estados Unidos.

2) Una selección de escenas de JIM THE PENMAN (El Rey de la Estafa-1915), con John Mason y Margerite Leslie, dirigida por Hugh Ford y Edwin S. Porter.

3) Y un documental sobre las cataratas del Niágara.

Para crear esta primera ilusión en 3D, se utilizó un proceso especial desarrollado por el pionero del cine Edwin S. Porter y W.E. Waddell. Este proceso consistía en usar dos lentes (rojo y verde), con el que creaban una imagen individual a través de dos proyecciones filmadas a una distancia de 2 y medio pulgadas. Sin embargo, este primer experimento estuvo destinado al fracaso, porque las imagenes se difuminaban bastante.

El 3D en la etapa Muda
Años después, la Perfect Pictures presentó el primer largometraje en 3D, POWER OF LOVE (El que Ella Quiere-1922), dirigido por Nat C. Deverich, un Drama con Elliott Sparling, Barbara Bedford y Noah Beery (padre), acerca de un capitán de barco en la California de 1840. Se estrenó en el Cine Ambassador Hotel, Los Angeles, el 27 de septiembre de 1922. En este caso, el proceso utilizado había sido desarrollado por Harry K. Fairall.

Ese mismo año, que pareció haber sido el boom del 3D durante el cine mudo, se estrenó RADIO-MANIA (Radiomanía-1922), de R. William Neill, con Grant Mitchell como un inventor que logra hacer contacto con el planeta rojo Marte a través de un sistema de television.

Luego de estos dos títulos, el público norteamericano tendría que esperar hasta el estreno de BWANA DEVIL (1952), para dejarse cautivar nuevamente por la ilusión del 3D con todo y un león que ataca al público.

3D + sonido
Contra lo que muchos piensan, la primer película sonora en 3D fue NOZZE VAGABONDE (1936), un filme italiano de Guido Brignone, con Leda Gloria, Maurizio D'Ancora y Ermes Zacconi

Más de diez años después llegó el primer largometraje en 3D, sonoro ¡y a color!, que ROBINZON KRUZO (1947), filme soviético de Aleksandr Andriyevsky para la Soyuzdetfilm, protagonizado por Pavel Kadochnikov como Crusoe y Y. Lyubimov en el rol de Viernes.

La película, de 74 minutos, utilizó un proceso denominado Stereokino, obra de S.P. Ivanov, y requirió el uso de una pantalla de metal corrugado con muescas, diseñadas para reflejar las dos imágenes en forma separada hacia el ojo derecho e izquierdo. La escena más difícil de esta película tenía que ver con un gato montés, al que se tenía que persuadir de caminar a lo largo de una delgada rama en dirección a la cámara. Bueno, luego de cinco noches de intentos, el camarógrafo logró la toma tan preciada, y en las salas cinematográficas la impresión era como que el animal caminaba sobre las cabezas de los espectadores.

Ahora sí, luego de casi cuatro décadas de investigación, la Warner Bros. estrenó HOUSE OF WAX (Museo de Cera-1953), que fue sí el primer largometraje en 3D con sonido estereofónico. La primera proyección de la película tuvo lugar en el Paramount Theater, New York, y se utilizaron 25 bocinas (hecho que provocó cierta cacofonía, con sonidos rebotando en todas las direcciones). El director, André de Toth (recientemente fallecido), pudo haber notado ese problema con el sonido, pero jamás llegó a ver el efecto 3D, dado que tenía un solo ojo.

El Boom del 3D
A partir de este momento se produjo el más grande boom del cine 3D que hizo que más de 5.000 salas cinematográficas en los EE.UU. se equiparan adecuadamente para exhibir este tipo de películas. Durante 1953 se estrenaron 27 películas en 3D, siendo seguidas por otras 16 al año siguiente. El ocaso de esta fiebre por el 3D se cerró en 1955, con una sola película con tal proceso. El resto del mundo hizo eco a esta moda, y Japón, Gran Bretaña, México, Alemania Occidental y Hong Kong produjeron sus propias películas en 3D.

Durante varios años este procedimiento quedó como un buen recuerdo, hasta que salió SEPTEMBER STORM (Un Septiembre Borrascoso-1960), dirigida por Byron Haskin, que fuera la primer película sonora en 3D exhibida en el fastuoso Cinemascope. A partir de esta hubo 54 películas más en tres dimensiones. En los últimos veinte años el proceso se reservó para el cine de animación, ciencia ficción y el de terror.

Así que ahora conocen un poco más sobre este cine, que esta dejando mucho de qué hablar.

¡Hasta el próximo post!

Sólo un sueño

2009-01-31T17:24:00.000-08:00

Revolutionary Road (Sólo un Sueño) es la nueva película de Sam Mendes, que reúne nuevamente en pantalla a Leonardo DiCaprio y Kate Winstlet interpretando a una pareja trágica 11 años después del trancazo de taquilla y fenómeno adolescente que fue Titanic.

Basada en la novela homónima de Richard Yates, Sólo un Sueño nos introduce en la vida de April y Frank Wheeler, una pareja de los suburbios de Connecticut, en los años 50.

Los Wheeler son un matrimonio joven con ilusiones de una vida fuera de lo común y excitante. Tan pronto como se mudan a su nueva casa en el 115 de Revolutionary Road, orgullosos declaran su independencia de la inercia suburbana que los rodea y deciden nunca dejarse atrapar por los límites sociales de su era, prometiéndose a sí mismos que nunca dejarán que el mundo que los rodea los detenga, es decir, estaban listos para comerse al mundo de un bocado.

¡Lo tenían todo! Eran un matrimonio modelo, respetados y admirados por todos sus vecinos, con dos hijos hermosos, una casa que podía pasar una inspección militar y buenos amigos. Pero detrás de esas inmaculadas paredes y cerca blanca, se estaba gestando una desgarradora lucha que podía romper para siempre la burbuja de aquella feliz ilusión.

La realidad cotidiana, el aburrimiento y los años hacen acto de presencia y April y Frank terminan cayendo en una rutina conformista, angustiante, convirtiéndose justamente en lo que más critican y detestan. Lo que parecía un retrato de la "familia ideal" se transforma en una cadena de esperanzas frustradas, vidas vacías y una tristeza implacable. Frank tiene un trabajo rutinario que odia y April se transformó en la viva imagen de un “ama de casa desesperada” de los suburbios.

Es entonces cuando April le propone a Frank una solución a su creciente hastío: mudarse a París. Pero, ¿tendrán el valor de dejar todo atrás y aventurarse a un nuevo lugar o preferirán la comodidad de la rutina?

A pesar de estar ambientada en los años 50, la trama es completamente actual,tocando temas como la frustración, el conformismo, el miedo al cambio, la infidelidad y la búsqueda de la felicidad, situaciones que cualquier pareja moderna ha experimentado en algún momento.

Las poderosas interpretaciones de Kate Winstlet y Leonardo DiCaprio nos transmiten ese sentido de desesperanza, inseguridad y vacío que enfrentan April y Frank en cada una de las situaciones que viven en la cinta, además de presentarnos una interrogante que ha sonado desde hace mucho tiempo en las relaciones de pareja: ¿Puede un matrimonio conseguir ser "diferente" sin caer en la rutina y sin separarse?

Sam Mendes nos muestra mediante un estilo más teatral que cinematográfico, fotografía dinámica, diálogos desgarradores y opresivas situaciones la decadencia de la clase media norteamericana de la posguerra a través de de este matrimonio que se precipita cuesta abajo.

Les recomiendo ampliamente esta cinta, merecedora de los premios que hasta ahora ha recibido, y en mi opinión debió entrar en los nominados a los Oscares al menos en las categorías de Mejor Guión Adaptado, Mejor Actor y Mejor Actriz, pero ya saben como es la Academia.

Sigan escuchando la Dimensión Alterna por Radio Creswin y no dejen de ver esta excelente película.

Título original: Revolutionary Road
Año: 2008
País: USA
Duración: min.
Estreno en España: 23-01-2009
Director: Sam Mendes,
Reparto: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Michael Shannon, Kathryn Hahn
Guión: Justin Haythe
Música: Thomas Newman
Productora: DreamWorks / BBC Films
Género: Drama

And the nominees are...

2009-01-22T08:10:00.001-08:00

Esta mañana fueron anunciados en la ciudad de Los Ángeles, los nominados que la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas premiará el próximo 22 de febrero en la edición 81 de la ya famosa entrega.

''El curioso caso de Benjamin Button'' encabeza la lista de nominados con 13 candidaturas que incluyen Mejor Película, Actor, Director y Actriz de Reparto.

Era de esperarse la nominación póstuma de Heath Ledger como Mejor Actor de Reparto, aunque la cinta "El Caballero de la Noche" no figuró en las categorías de Mejor Película y Mejor Director.

La cinta mexicana "Arráncame la vida" quedó fuera de las nominaciones de la categoría de Mejor película en lengua extranjera, una verdadera lástima porque en mi opinión era material para un premio.

El anuncio fue hecho por Sid Ganis y el ganador del Oscar a Mejor Actor, Forest Whitaker.

Mejor película

El curioso caso de Benjamin Buttton
Frost/Nixon
The Reader
Slumdog Millionaire
Milk

Mejor director

Danny Boyle por Slumdog Millionaire
Stephen Daldry por The Reader
Gus Van Sant por Milk
David Fincher por El curioso caso de Benjamin Button
Ron Howard por Frost/Nixon

Mejor actor

Richard Jenkins por The Visitor
Brad Pitt por El curioso caso de Benjamin Button
Mickey Rourke por The Wrestler
Sean Penn por Milk
Frank Langella por Frost/Nixon

Mejor actriz

Anne Hathaway por El casamiento de Raquel
Angelina Jolie por El sustituto
Meryl Streep por Doubt
Kate Winslet por The Reader
Melissa Leo por Frozen River

Mejor actor de reparto

Michael Shannon por Sólo un sueño
Robert Downey Jr. por Una guerra de película
Josh Brolin por Milk
Philip Seymour Hoffman por Doubt
Heath Ledger por El caballero de la noche

Mejor actriz de reparto

Amy Adams por Doubt
Penélope Cruz por Vicky Cristina Barcelona
Viola David por Doubt
Marisa Tomei por The Wrestler
Taraji P. Henson por El curioso caso de Benjamin Buttton

Mejor película animada

Bolt
Kung Fu Panda
Wall·E

Mejor Canción

Wall·E ("Down To Earth")
Slumdog Millionaire ("O Saya")
Slumdog Millionaire ("Jai Ho")

Mejor Score

Milk (Danny Elfman)
El curioso caso de Benjamin Button (Alexandre Desplat)
Defiance (James Newton Howard)
Wall·E (Thomas Newman)
Slumdog Millionaire (A.R. Rahman)

Mejor Maquillaje

El curioso caso de Benjamin Button
El caballero de la noche
Hellboy 2: El ejército dorado

Mejor Edición

El curioso caso de Benjamin Button
El caballero de la noche
Frost/Nixon
Milk
Slumdog Millionaire

Mejor Película Extranjera

Der Baader Meinhof Komplex (Alemania)
Revanche (Austria)
Departures (Japón)
The Class (Francia)
Waltz With Bashir (Israel)

Mejor Dirección de Arte

El sustituto
El curioso caso de Benjamin Button
El caballero de la noche
La duquesa
Sólo un sueño

Mejor Fotografía

El sustituto
El curioso caso de Benjamin Button
El caballero de la noche
The Reader
Slumdog Millionaire

Mejor Vestuario

Australia
El curioso caso de Benjamin Button
La duquesa
Milk
Sólo un sueño

Mejor Documental

The Betrayal (Dir. Ellen Kuras, Thavisouk Thrasavath)
Encounters at the End of the World (Dir. Verner Herzog, Henry Kaiser)
The Garden (Dir. Scott Hamilton Kennedy)
Man On Wire (Dir. James Marsh, Simon Chinn)
Trouble the Water (Dir. Tia Lessin, Carl Deal)

Mejor Edición de Sonido

El caballero de la noche
Iron Man
Slumdog Millionaire
Wall·E
Se busca

Mejor Mezcla de Sonido

El curioso caso de Benjamin Button
El caballero de la noche
Slumdog Millionaire
Wall·E
Se busca

Mejores Efectos Visuales

El curioso caso de Benjamin Button
El caballero de la noche
Iron Man

Mejor Guión Adaptado

El curioso caso de Benjamin Button
Doubt
Frost/Nixon
The Reader
Slumdog Millionaire

Mejor Guión Original

Frozen River
Happy-Go-Lucky
En Brujas
Milk
Wall·E

La ceremonia se llevará a cabo en el Kodak Theater el domingo 22 de febrero. Estaremos al pendiente. ¡Hasta el próximo post!

Los Nominados para el BAFTA

2009-01-15T13:03:00.001-08:00

El día de hoy, la Academia de Cine Británica anunció hoy los aspirantes a los premios Bafta, considerados los Óscares del Reino Unido, que se entregarán en Londres el próximo 8 de febrero.

Esta prestigiosa entrega de premios mucha veces sirve, junto con los Globos de Oro como termómetro para la competencia por el joven dorado.

Sorprende la doble nominación de Kate Winstlet en una misma categoría, la de Mejor Actriz. ¿Logrará llevarse el Bafta y agregarlo a su lista de premios de este año?

También hay que estar muy pendientes el 22 de este mes, pues se dan a conocer los nominados oficiales al Oscar.

Les presento a continuación la lista, y marcadas en color y negrillas mis predicciones.

Mejor película:
- "The Curious Case of Benjamin Button"
- "Frost/Nixon"
- "Milk"
- "The Reader"
- "Slumdog Millionaire"

Mejor película británica:
- "Hunger"
- "In Bruges"
- "Mamma Mia!"
- "Man on Wire"
- "Slumdog Millionaire"

Premio Carl Foreman (que reconoce la labor de un director, guionista o productor):
- Simon Chinn (productor de "Man on Wire")
- Judy Craymer (productor de "Mamma mia!")
- Garth Jennings (guionista de "Son of Rambow")
- Steve McQueen (director y guionista de "Hunger")
- Solon Papadopoulos/Roy Boulter (productores de "Of Time and the City")

Mejor director:
- Clint Eastwood ("Changeling")
- David Fincher ("The Curious Case of Benjamin Button")
- Ron Howard ("Frost/Nixon")
- Stephen Daldry ("The Reader")
- Danny Boyle ("Slumdog Millionaire")

Mejor guión original:
- "Burn After Reading"
- "Changeling"
- "I've loved you so long"
- "In Bruges"
- "Milk"

Mejor guión adaptado:
- "The Curious Case of Benjamin Button"
- "Frost/Nixon"
- "The Reader"
- "Revolutionary Road"
- "Slumdog Millionaire"

Mejor película en lengua extranjera
- "The Baader Meinhof Complex"
- "Gomorra"
- "I've loved you so long"
- "Perspepolis"
- "Waltz with Bashir"

Mejor película animada:
- "Persepolis"
- "Wall E"
- "Waltz with Bashir"

Mejor actor:
- Frank Langella ("Frost/Nixon")
- Dev Patel ("Slumdog Millionaire")
- Sean Penn ("Milk")
- Brad Pitt ("The Curious Case of Benjamin Button")
- Mickey Rourke ("The Wrestler)

Mejor actriz:
- Angelina Jolie ("Changeling")
- Kristin Scott Thomas ("I've loved you so long")
- Meryl Streep ("Doubt")
- Kate Winslet ("The Reader")
- Kate Winslet ("Revolutionary Road")

Mejor actor secundario:
- Robert Downey Jr. ("Tropic Thunder")
- Brendan Gleeson ("In Bruges")
- Philip Seymour Hoffman ("Doubt")
- Heath Ledger ("The Dark Knight")
- Brad Pitt ("Burn After Reading")

Mejor actriz secundaria:
- Amy Adams ("Doubt)
- Penélope Cruz ("Vicky Cristina Barcelona")
- Freida Pinto ("Slumdog Millionaire")
- Tilda Swinton ("Burn After Reading")
- Marisa Tomei ("The Wrestler")

Mejor música:
- "The Curious Case of Benjamin Button" - Alexandre Desplat
- "The Dark Knight" - Hans Zimmer/James Newton Howard
- "Mamma Mia!" - Benny Andersson/Björn Ulvaeus
- "Slumdog Millionaire" - A.R.Rohman
- "Wall E" - Thomas Newman

Mejor fotografía:
- "Changeling" - Tom Stern
- "The Curious Case of Benjamin Button" - Claudio Miranda
- "The Dark Knight" - Wally Pfister
- "The Reader" - Chris Menges/Roger Deakins
- "Slumdog Millionaire" - Anthony Dod Mantle

Mejor montaje:
- "Changeling" - Joe Cox/Gary Roach
- "The Curious Case of Benjamin Button" - Kirk Baxter-Angus Wall
- "The Dark Knight" - Lee Smith
- "Frost/Nixon" - Mike Hill/Dan Hanley
- "In Bruges" - Jon Gregory
- "Slumdog Millionaire" - Chris Dickens

Mejor diseño de producción
- "Changeling" - Jame Murakami/Gary Fettis
- "The Curious Case of Benjamin Button" - Donald Graham Burt/Victor Zolfo
- "The Dark Knight" - Nathan Crowley/Peter Lando
- "Revolutionary Road" - Kristi Zea/Debra Schutt
- "Slumdog Millionaire" - Mark Digby/Michelle Day

Mejor vestuario
- "Changeling" - Deborah Hopper
- "The Curious Case of Benjamin Button" - Jacqueline West
- "The Dark Knight" - Lindy Hemming
- "The Duchess" - Michael O'Connor
- "Revolutionary Road" - Albert Wolsky

Mejor sonido:
- "Changeling"
- "The Dark Knight"
- "Quantum of Solace"
- "Slumdog Millionaire"
- "Wall E"

Mejores efectos visuales:
- "The Curious Case of Benjamin Button"
- "The Dark Knight"
- "Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull"
- "Iron Man"
- "Quantum of Solace"

Mejor maquillaje:
- "The Curious Case of Benjamin Button"
- "The Dark Knight"
- "The Duchess"
- "Frost/Nixon"
- "Milk"

Mejor cortometraje animado:
- "Codswallop"
- "Varmints"
- "Wallace and Gromit"

Mejor cortometraje:
- "Kingsland"
- "Love you more"
- "Ralph"
- "September"
- "Voyages D'Affaires"

¡Hasta el próximo post!

Mel Gibson comprometido con la comunidad

2009-01-14T09:31:00.001-08:00

Compartimos esta nota que nos llenó de alegría con todos ustedes, ya que el día de ayer fueron entregadas 109 viviendas construidas nada más y nada menos que con un donativo que hiciera Mel Gibson.

Veracruz (México), 13 ene (EFE).-

Ciento nueve familias mexicanas afectadas por el paso del huracán Stan por el estado de Veracruz en 2005 recibieron hoy sus nuevas casas, construidas gracias a una donación del actor y director Mel Gibson.

El gobernador de Veracruz, Fidel Herrera, señaló que para edificar las viviendas en el municipio de San Andrés Tuxtla, una población selvática ubicada a unos 525 kilómetros de la capital mexicana, se utilizó la mitad del millón de dólares donado por Gibson en 2005 y algunos recursos adicionales del gobierno local, sin precisar una cifra total.

El resto de la donación realizada por el actor estadounidense fue entregada al estado de Chiapas, en el sureste de México, también afectado por las lluvias de Stan.

Ese huracán causó unos 70 muertos nada más en Chiapas y desperfectos en unas 43.000 viviendas, además de provocar grandes daños en carreteras, escuelas y hospitales, según cifras oficiales.

En octubre de 2005 Gibson, actor de cintas como Corazón valiente o la saga Mad Max, sostuvo un encuentro con el entonces presidente de México, Vicente Fox (2000-2006), a quien le anunció la donación de un millón de dólares para los mexicanos afectados por ese huracán.

Los recursos se canalizaron a través de la fundación Rotary International, que supervisó la utilización del dinero.

Durante 2005 y 2006 Gibson filmó en diversos escenarios de Veracruz la película Apocalypto, una historia en torno a la civilización maya, en vísperas de la llegada de los conquistadores españoles en el año 1519.

La cinta se filmó en zonas selváticas de los municipios de San Andrés Tuxtla, Catemaco, Nanciyaga, Paso de Ovejas y La Antigua, éste último donde vivió temporalmente el conquistador español Hernán Cortés.

EFE

jd/ar

Es un verdadero motivo de alegría que los recursos hayan llegado a las personas que los necesitaban y que realmente se utilizaran para lo que fueron donados.

Necesitamos más gente comprometida con la sociedad, nada cuesta ayudarnos los unos a los otros.

¡Hasta el próximo post!

5 películas para ver en Año Nuevo

2008-12-30T19:54:00.000-08:00

Si en estas fechas no saliste a ningún lado y decidiste quedarte en casa, te tenemos cortesía de La Dimensión Alterna 5 películas que puedes compartir con tus seres queridos o disfrutar a solas, en víspera del año que termina.

1.- When Harry Met Sally - Además de la gran escena y temática de Año Nuevo, esta película es la madre de todas las comedias románticas, un clásico que no hay que perderse.

2.- Bridget Jones' Diary - Otra comedia romántica donde conocemos la vida de Bridget Jones una ingeniosa inglesa que entre sus propósitos de Año Nuevo se encuentra el llevar un diario y hacer cambiar su vida.

3.- ¡Feliz año Nuevo Charlie Brown! - Todo un clásico de la época con los entrañables personajes creados por Charles M. Schulz.

4.- After the Thin Man - Misterio y romance juntos en la noche de Año Nuevo. Una pareja de detectives investigarán un asesinato que ocurre durante una fiesta de Fin de Año.

5.- Repeat Performance - Cinta de suspenso, donde recibes segundas oportunidades la noche de Año Nuevo. Después de disparar a su asesino esposo, Sheila Page descubre que enmendando sus errores del pasado cambiaría el futuro. ¿Lo lograra?

Y para finalizar los dejo con la escena de Año Nuevo de When Harry Met Sally. ¿Quién no quisiera un discurso asi?

¡¡Hasta el próximo post y Feliz Año!!!

Los nominados a los Globos de Oro

2008-12-12T16:21:00.001-08:00

Ya fue difundida la lista de los nominados para la Ceremonia de los Globos de Oro, en su edición 66. La premiación tendrá lugar el próximo domingo 11 de enero en el hotel Beverly Hilton, en Los Ángeles, California.

Para todos ustedes presentamos las categorías con sus nominados. Veremos si estas nominaciones y sus ganadores marcan tendencia para la próxima entrega de los Oscares. Hay que estar muy pendientes.

CINE

Mejor película drama

El curioso caso de Benjamin Buttton

Frost/Nixon

The Reader

Sólo un sueño

Slumdog Millionaire

Mejor película musical o comedia

En Brujas

Quémese después de leerse

Mamma Mia!

Happy-Go-Lucky

Vicky Cristina Barcelona

Mejor director

Danny Boyle por Slumdog Millionaire

Stephen Daldry por The Reader

Sam Mendes por Sólo un sueño

David Fincher por El curioso caso de Benjamin Button

Ron Howard por Frost/Nixon

Mejor actor drama

Leonardo DiCaprio por Sólo un sueño

Brad Pitt por El curioso caso de Benjamin Button

Mickey Rourke por The Wrestler

Sean Penn por Milk

Frank Langella por Frost/Nixon

Mejor actor musical o comedia

James Franco por Piña express

Javier Bardem por Vicky Cristina Barcelona

Colin Farrell por En Brujas

Brendan Gleeson por En Brujas

Dustin Hoffman por Last Chance Harvey

Mejor actriz drama

Anne Hathaway por El casamiento de Raquel

Angelina Jolie por El sustituto

Meryl Streep por Doubt

Kate Winslet por Sólo un sueño

Kristin Scott Thomas por Il y a longtemps que je t'aime

Mejor actriz musical o comedia

Meryl Streep por Mamma Mia!

Kristen Bell por Sobreviviendo a mi ex

Frances McDormand por Quémese después de leerse

Sally Hawkins por Happy-Go-Lucky

Emma Thompson por Last Chance Harvey

Mejor actor de reparto

Tom Cruise por Una guerra de película

Robert Downey Jr. por Una guerra de película

Ralph Fiennes por La duquesa

Philip Seymour Hoffman por Doubt

Heath Ledger por El caballero de la noche

Mejor actriz de reparto

Amy Adams por Doubt

Penélope Cruz por Vicky Cristina Barcelona

Viola David por Doubt

Marisa Tomei por The Wrestler

Kate Winslet por The Reader

Mejor película animada

Bolt

Kung Fu Panda

Wall·E

Mejor Canción

Bolt ("I Thougt I Lost You")

Cadillac Records ("Once In A Lifetime")

Gran Torino ("Gran Torino")

Wall·E ("Down To Earth")

The Wrestler ("The Wrestler")

Mejor Score

El sustituto (Clint Eastwood)

El curioso caso de Benjamin Button (Alexandre Desplat)

Defiance (James Newton Howard)

Frost/Nixon (Hans Zimmer)

Slumdog Millionaire (A.R. Rahman)

Mejor Película Extranjera

Der Baader Meinhof Komplex (Alemania - Dir. Uli Edel)

Maria Larssons Eviga Ögonblick (Dinamarca - Dir. Jan Troell)

Gomorra (Italia - Dir. Matteo Garrone)

Il Y A Longtemps Que Je T´aime (Francia - Dir. Philiippe Claudel)

Waltz With Bashir (Israel - Dir. Ari Folman)

TELEVISIÓN

Mejor serie de televisión drama

True Blood

Dexter

House M.D.

In Treatment

Mad Men

Mejor serie de televisión musical o comedia

30 Rock

The Office

Entourage

Weeds

Californication

Mejor actor en una serie de televisión, drama

Gabriel Byrne (In Treatment)

Michael C. Hall (Dexter)

Jon Hamm (Mad Men)

Hugh Laurie (House)

Jonathan Rhys Meyers (The Tudors)

Mejor actor en una serie de televisión, musical o comedia

Alec Baldwin (30 Rock)

Steve Carell (The Office)

Kevin Connolly (Entourage)

David Duchovny (Californication)

Tony Shalhoub (Monk)

Mejor actriz en una serie de televisión - musical o comedia

Christina Applegate (Samanta Who?)

America Ferrera (Ugly Betty)

Tina Fey (30 Rock)

Debra Messing (The Starter Wife)

Mary-Louise Parker (Weeds)

Mejor actriz en una serie de televisión - drama

Sally Field (Brothers & Sisters)

Mariska Hargitay (Law & Order: Special Victims Unit)

January Jones (Mad Men)

Anna Paquin (True Blood)

Kyra Sedgwick (The Closer)

¡Hagan sus quinielas!, las categorías de Mejor Actriz y Mejor Actor están bastante reñidas este año, porque cualquiera de los nominados podría ganar.

Nos vemos en el próximo post.

Recordando a Ed Wood a 30 años de su muerte

2008-12-10T15:06:00.001-08:00

Hoy 10 de diciembre se conmemora el 30 aniversario luctuoso de quien es considerado como el peor Director en la historia del Cine, Edward D. Wood Jr, mejor conocido como Ed Wood.

Ed Wood estuvo tan cerca de tener un Oscar al Mejor Director como Hitler de ganar el Premio Nobel de la Paz. He de decirles que sus películas pueden considerarse como método de tortura para los amantes del cine. Deben verse varias veces y con la paciencia de un santo, para asimilar al detalle su incompetencia en todas y cada una de las categorías que definen el séptimo arte, además de ser tomadas como referencia de cómo no hacer una película o de plano si quieren reírse a más no poder.

Entusiasta del sin sentido, Wood engendró verdaderos bodrios como 'Glen o Glenda' (en la que fue el protagonista) o 'Plan 9 del espacio exterior', aberración considerada una de las peores películas de la historia del cine.

Desde joven a Wood le interesaban dos cosas, el cine y la ropa interior femenina. Es bien sabido que el bizarro director gustaba de usar ropa interior de mujer aunque sus preferencias eran heterosexuales y que el trasvestismo era uno de los temas recurrentes en su obra.

Auténtico Rey Midas de la Calamidad, Wood escribía guiones que rayaban en lo espantoso y lo ridículo, repletos de diálogos sin sentido aunque según él, eran retóricos.

Las escenografías eran estrafalarias, de estética gótica y 'kitsch' y parecían haber sido ideados por un loco paranóico con tijeras y un poco de cartón que sacó de la basura. Los efectos especiales en sus filmes nada tenían de especiales y difícilmente se les puede calificar de efectos. Y ni hablar de la capacidad histriónica de sus actores... todo un caso.

Autos que cambiaban de marca en una persecución, naves espaciales que pendían de hilos y esqueletos de plástico barato simulando cadáveres.. Wood siempre estuvo esclavizado por la falta de presupuesto, pero aún así era capaz de rodar cada día las más escenas posibles, haciéndose de la vista gorda de las flagrantes torpezas que se cometían ante la cámara con tal de no frenar su vertiginoso ritmo de trabajo.

También fue legendaria su amistad con Bela Lugosi, actor favorito de Wood y quien protagonizara en sus últimos años de vida cintas de "horror" dirigidas por su amigo. Ambos eran un par de excéntricos y la muerte de Lugosi fue un golpe duro de superar para el director, quien años más tarde se dejaría llevar por una vorágine de alcohol que lo llevó a la muerte.

Su incoherente narrativa fílmica y su dirección sacrílega lograron que Ed Wood fuese espectacularmente ignorado en vida, pero le garantizaron un lugar privilegiado en el panteón de los héroes de la serie B después de muerto.

A pesar de todo esto, Ed Wood mantiene una amplia planilla de seguidores, que consideran sus películas de culto y organizan festivales en su honor, celebran su nacimiento e incluso fundaron su propia iglesia y religión. ¿No me creen? Entren aquí para ir al sitio web de la Iglesia dedicada a Ed Wood, algo parecido a la Iglesia de Maradona.

Como pueden ver, para algunas personas Ed Wood era un genio incomprendido y para otras un intento de director. Es muy simple o amas su trabajo o lo odias.

Para mí es el antiejemplo de buen director y lo que le reconozco es que a pesar de que fue el blanco de las burlas y críticas de todos, dentro y fuera de Hollywood, continuó su trabajo y lo disfrutó al máximo.

Descansa en paz, Ed Wood.

¡Hasta el Próximo post!

Primeras imágenes en del remake de Viernes 13 - En Exclusiva!!

2008-12-10T09:26:00.001-08:00

Cortesía de Paramount Pictures les tenemos en exclusiva las primeras imágenes de Viernes 13, remake dirigido por Marcus Nispel, que anteriormente dirigió otro remake, el de Texas Chainsaw Masacre. Técnicamente se podría decir que no es un remake, porque esta película continua los sucesos de la última aparición de Jason en Freddy vs Jason en 2003.

El reparto está conformado por Jared Padalecki, Derek Mears, Amanda Righetti, Danielle Panabaker y Travis Van Winkle, la mayoría veteranos de la pantalla chica.

Su fecha de estreno será el próximo 13 de febrero siendo simultaneo aquí y en EE.UU, así que hay que estar al pendiente porque promete bastante ver de nuevo a Jason Voorhees en pantalla.

También ya se liberó el teaser trailer y poster que más adelante publicaremos aquí.

No dejen de escuchar La Dimensión Alterna, con Karen Ortiz todos los miércoles a la 1:00 pm por Radio Creswin.

¡Hasta el próximo post!

¡¡Feliz cumpleaños Walt Disney!!

2008-12-05T20:06:00.000-08:00

Si el genio creador del gran imperio de entretenimiento llamado Walt Disney Company estuviera vivo, el pasado 5 de diciembre apagaría 107 velas en su pastel de cumpleaños. Este gran hombre de incomparable imaginación, corazón de niño que nos dio al ratón más famoso del mundo.Walt Disney vio la luz un 5 de diciembre de 1901 en Chicago, Illinois.

Creció en una granja en Missouri y se interesó en el dibujo desde temprana edad, vendiendo sus primeros bosquejos a vecinos cuando tenía solamente ¡siete años!

Trabajó desde muy chavito, repartiendo periódicos, incursionando en el teatro como imitador de Charlie Chaplin y hasta vendía caramelos en los trenes.

En Agosto de 1923, Walt Disney partió de Kansas City hacia Hollywood con nada más que algunos dibujos, $40 dólares en su bolsillo, y una animación de acción. ¿Quién diría que este joven lleno de sueños se convertiría en el padre del personaje más famoso de la historia de la animación y en el creador de la empresa más poderosa del mundo del entretenimiento?

El resto como ya saben es historia...es uno de los personajes norteamericanos que admiro más por su empeño, su gran imaginación y sobre todo su visión. La historia de su vida es muy interesante e inspiradora pues demuestra que cuando uno sueña algo y lucha por ello, puede convertirse en realidad.

¡Feliz Cumpleaños 107 Walt Disney, donde quiera que te encuentres!
¡Hasta el próximo post!

¡Estuvimos con el elenco de The Big Bang Theory!

2008-12-02T09:21:00.001-08:00

Les debíamos esta nota desde hace casi dos meses pero como dicen, más vale tarde que nunca.

El pasado 9 de Octubre diversos medios de comunicación nos dimos cita en el Hotel W para presenciar la presentación de lo que será la nueva programación de Warner Channel en el 2009, y como parte de este lanzamiento tuvimos la oportunidad de convivir con los protagonistas de la divertida serie "The Big Bang Theory", la cual ha conquistado al público Latinoamericano, posicionándose como la comedia #1.

Esta serie creada por Chuk Lorre (también creador de Two and a Half men) y Hill Prado, estrenaron su segunda temporada por Warner Channel el martes 4 de Noviembre a las 20hrs.

El elenco de la serie conformado por Leonard (Johnny Galecki), Sheldon (Jim Parsons), Penny (Kaley Cuoco), Rajesh (Kunal Nayyar) y Howard (Simon Helberg) estuvieron de visita en la Ciudad de México como parte de la presentación de la serie. En conferencia de prensa, los actores mencionaron sentirse emocionados y asombrados por la respuesta del público mexicano, pues por las calles de la Ciudad algunos fans los reconocieron, les pidieron autógrafos y se sintieron bienvenidos.

Aceptando que ellos también eran "diferentes" durante sus años de escuela, los protagonistas agradecieron la cordialidad de los mexicanos.

Hablando sobre esta segunda temporada y lo bien que la pasan filmando la serie, Jim Parson, mejor conocido como Sheldon señaló "A mi me gustaría que dure por lo menos cinco temporadas más".

En esta serie donde se combina ciencia con diversión y sarcasmo, podremos seguir de cerca las aventuras de estos cinco amigos, que aunque de diferentes ideas, son muestra de que en la amistad no hay límites científicos ni matemáticos, y esta clarísimo que el amor y las relaciones sentimentales no son una ciencia exacta.

La galería de fotos del evento pueden verla aquí.

No dejen de escuchar La Dimensión Alterna, los miércoles a partir de la 1:00 pm por Radio Creswin.

Happy Birthday Mickey Mouse!

2008-11-19T07:50:00.001-08:00

Hoy se festeja el cumpleaños número 80 del ratón más famoso del mundo: Mickey Mouse, quien surgiera de la fértil imaginación de Walt Disney y fue presentado oficialmente al mundo un 18 de noviembre de 1928 con el estreno del corto animado Steamboat Willie. Los años no pasan por Mickey Mouse, quien lleva toda una vida dedicada a robar sonrisas a lo largo y ancho del mundo y quien se ha mantenido vigente, refrescando su imagen para adecuarse a las nuevas generaciones.

Este ratoncito que se ha convertido en el deleite de chicos y grandes e imagen de una de las compañías de entretenimiento más grandes del mundo, nació casi por accidente cuando Walt Disney perdió los derechos de su primer personaje (un conejo llamado Oswald) en 1927 y tuvo que volver a la mesa de dibujo. Durante un viaje en tren le surgió la idea de usar un ratón, al que quiso llamar Mortimer. Pero de acuerdo a la leyenda, su esposa prefería el nombre Mickey y Walt Disney decidió complacerla. En muchos sentidos Mickey es el mismísimo Walt Disney, ya que él proporcionó la voz a Mickey por 17 años y su personalidad es muy similar a la suya.

Desde entonces Mickey Mouse ha sido el protagonista de más de 100 películas, siendo Fantasía (1940) su primer largometraje y mi favorito personal. El Aprendiz de Brujo es mi personificación favorita de Mickey Mouse (mas adelante les comparto unas foto que tengo con él), hasta tengo un llavero y un peluche grande que duerme conmigo de Mickey vestido de mago.

En 1932, la Academia de Hollywood premió a Disney con un Oscar honorífico por la creación del adorable ratón y como dicen el resto es historia. Su sola silueta es identificada por miles de personas en todo el mundo y es el primer dibujo animado en tener su propia estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. ¿Cómo ven?

Para festejar su 80 aniversario, les traigo unas cuantas curiosidades de este ratoncito que tantos queremos.

Su debut cinematográfico, Steamboat Willie, fue el primer dibujo animado sonoro completamente sincronizado, en el que silba y hace sonidos de disgusto ante el Capitán Pete. Este cortometraje era una parodia de Steamboat Bill Jr (El héroe del río), de Buster Keaton, estrenada el 12 de mayo de ese mismo año.
Steamboat Willie no fue el primer cortometraje donde apareció Mickey Mouse, antes se habían creado Plane Crazy y Gallopin Gaucho, ambos cortometrajes mudos, que no se estrenaron hasta más adelante.
Mickey Mouse fue el primer personaje animado que se comercializó de forma extensa en juguetes, ropa, libros, etc y el primer objeto que se comercializó con la imagen de Mickey fue un reloj.
Las primeras palabras de Mickey fueron.. "Hot dogs Hot dogs!" pronunciadas en el corto animado The Karnival Kid en 1929.
¿Se han preguntado por qué Mickey usa guantes? The Opry House, corto estrenado el 28 de marzo de 1929 fue cuando se introdujeron los famosos guantes blancos en Mickey, quien los llevaría en la mayoría de sus siguientes apariciones. Una de las razones más creíbles de que Mickey use guantes es el de poder distinguir a los personajes cuando sus cuerpos estaban pegados, ya que todos ellos eran de color negro.
Durante décadas, Mickey ha competido con la estrella de la Warner Bros. Bugs Bunny por el puesto de el dibujo animado más popular. Pero en 1988, uno de los momentos históricos de la animación, ambos compartieron una escena en la película de Robert Zemeckis ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. Warner y Disney firmaron un acuerdo en el que se especificaba que cada personaje saldría exactamente el mismo tiempo en pantalla, hasta el último microsegundo. ¿Qué tal?

Mickey Mouse le gusta tanto a chicos y grandes porque es un personaje simpático, a veces algo ingenuo, que nos conquista con su sonrisita y sus grandes ojos. Para mí es uno de los mejores personajes de Disney y lo tengo en alta estima, pues uno de mis primeros juguetes cuando era niña era un Mickey Mouse que repetía varias frases en inglés cuando jalabas una cuerda, además de que sus aventuras animadas me acompañaban en las tardes después de hacer la tarea y siempre me arranca una sonrisa.

¡Feliz Cumpleaños 80 Mickey!

¡Hasta el próximo post!

The Duchess

2008-11-10T20:17:00.000-08:00

El martes de la semana pasada acudimos a la función de prensa de The Duchess, la nueva cinta protagonizada por Keira Knightley y Ralph Fiennes, un drama de época basado en la biografía escrita por Amanda Foreman sobre uno de los personajes más controvertidos y fascinantes de la sociedad británica del siglo XVIII: Lady Georgiana Cavendish, Duquesa de Devonshire, que se estrena en nuestro país el próximo viernes.

Para todos ustedes les presentamos la reseña de esta cinta:

Cuando conocemos a Lady Georgiana (Kiera Knightley), nos encontramos con una joven brillante de 17 años, alegre, simpática y con grandes posiblidades en la sociedad. Ni siquiera lo piensa dos veces cuando su madre (Charlotte Rampling) le anuncia su compromiso con William Cavendish, Quinto Duque de Devonshire, porque es para lo que ella fue criada y se encuentra muy emocionada por el futuro al lado del Duque.

Carismática, bella e inteligente, Lady Georgiana parecía tenerlo todo: un matrimonio ventajoso - ya que el Duque estaba muy bien relacionado con príncipes y ministros - riquezas, juventud, glamour. Sobresalía por su extravagante gusto al vestir, su interés en la política y su encanto. Una celebridad en toda la extensión de la palabra.

Mientras que sus virtudes la hicieron pasar a la historia, el amor siempre estuvo fuera de su alcance. El Duque (Ralph Fiennes) encontraba más fácil hablar con sus perros de caza que con su propia esposa. Además su obsesión por tener un hijo varón a quién heredar su título, la completa indiferencia hacia los sentimientos de Georgiana y su brutal conducta en la cama, hicieron sufrir a la Duquesa, en una época donde las apariencias y el qué dirán imperaba.

Las interpretaciones de Knightley como la excéntrica Duquesa y Fiennes como el frío Duque de Devonshire son extraordinarias y llenas de matices.

La fotografía, el vestuario y la ambientación son lujosos, intoxicantes y tan opresivos como los corsés que usaban las damas en esa época de excesos e intrigas.

La cinta presenta al matrimonio Cavendish como la pareja más incompatible de la historia, con un matrimonio condenado al fracaso. Georgiana buscaba refugio en las interminables fiestas de la alta sociedad, haciéndose admirar por los políticos cuyos discursos aburrían a su esposo y encausando su energía hacia las clases más desprotegidas mientras que el Duque sostenía amoríos y deliberadamente la ignora.

El fondo de esta historia es la búsqueda desesperada de amor. También nos muestra el sacrificio y la soledad de una mujer que soportó el peso ser un ícono de la sociedad con entereza y valor. Una mujer que era amada por todos, menos por su marido. Es un tema fuerte, con el que muchas personas podemos relacionarnos ya que en algún momento de nuestras vidas hemos enfrentado la soledad o el desamor.

A pesar de ser un drama de época, su contenido es contemporáneo, porque podemos encontrar a muchas mujeres en todos los sectores de la sociedad que sufren por la indiferencia, el maltrato o el abandono de sus parejas y que continúan a su lado dejando atrás sus propias ambiciones y sueños, por guardar las apariencias o por amor a su familia.

En lo personal, me relacioné fácilmente con el personaje de Lady Georgiana, pues a pesar de ser una Duquesa, dama de sociedad e influyente política, es una mujer de carne y hueso, que siente, llora y sufre como todos nosotros; que lucha por su felicidad, a pesar de que la gente considera que "lo tiene todo" y contra una sociedad que la adora pero a la vez la oprime.

Pude percibir su dolor, impotencia y soledad y no deja de asombrarme su coraje para enfrentar las situaciones que se le fueron presentando.

Si tienen la oportunidad de verla, no se arrepentirán, Keira Knightley poco a poco se está convirtiendo en la reina de los dramas de época y esta actuación bien le podría valer uno que otro reconocimiento. ¡Una excelente película!

Director: Saul Dibb
Protagonistas: Keira Knightley, Ralph Fiennes, Charlotte Rampling
Reparto: Dominic Cooper, Hayley Atwell, Simon McBurney, Aidan McArdle
Duración: 110 min.
Año de Producción: 2008
Casa Productora: Paramount Vantage
País Productor: Reino Unido, Italia, Francia
Género: Drama

Y no dejen de escuchar La Dimensión Alterna en su nuevo horario los miércoles de 12 a 3 de la tarde por Radio Creswin, tu mejor opción de radio por internet.

Los muertos vivientes resucitaron hace ya 40 años...

2008-10-24T16:58:00.001-07:00

Aprovechando la cercanía del Halloween y las noches frías de otoño, el día de hoy les voy a platicar un poco sobre "La Noche de los Muertos Vivientes", cinta que este mes cumple 40 años de existencia, ya que fue estrenada un 1° de octubre de 1968.

Probablemente no existe película más responsable del nacimiento del género de horror moderno que "La Noche de los Muertos Vivientes" de George A. Romero, cinta que estableció las bases en las que el género se reconstruyó e impuso reglas y tendencias por las cuales hoy en día es juzgado."La Noche de los Muertos Vivientes" ayudó a cambiar el estilo de cómo se hace y se ve el cine de terror, rompiendo con los estilos de la llamada "era gótica del horror " donde los monstruos clásicos eran los que dominaban, trasladando el terror a la vida cotidiana y sacándolo del ambiente feudal que vivía.

"La Noche de los Muertos Vivientes" nos mostró la determinación y voluntad humana por sobrevivir, con o sin ayuda de sus compañeros de desgracia y es la pelicula de zombies por excelencia.

Estableció la mitología moderna del "Zombie caníbal" como monstruo en el cine, desde cómo se ve hasta cómo actúa. Antes de su aparición, casi todas las películas que tocaban el tema, presentaban a los zombies desde su origen vudú de cadáveres resucitados sin voluntad que servían a aquellos que los trajeron de vuelta pero sin el elemento monstruoso. Contrastando completamente con esta idea, llegó el planteamiento de George Romero, pues sus zombies eran verdaderos monstruos, criaturas de destrucción que actuaban por puro instinto, sin amos a quienes obedecer y para remate se alimentaban de los vivos.

Es impresionante como con un presupuesto casi nulo, un elenco prácticamente desconocido y un guión sencillo pero perfectamente bien aprovechado; se logró una cinta de culto, uno de los pilares del cine independiente de finales de los sesenta y un clásico infaltable en maratones de cine de Terror. Y es irónico que aunque no fue un éxito en taquilla como "El Bebé de Rosemary" o "El Exorcista", ha sido muy influyente en el género.

"La Noche de los Muertos Vivientes" representa el paradigma de la película de terror independiente: hecha por aficionados sin conocimientos previos de cine, sin el apoyo de ningún estudio. Esta condición deja su huella en la película, que al analizarla con ojo crítico se ve tosca y llena de errores técnicos dignos de un principiante. Aun así, su argumento novedoso y su fuerza conceptual elevan la cinta por encima de los obvios errores y falta de gran presupuesto.

La película comienza de una forma insólita, planteando la acción desde los primeros minutos, sin dar explicación alguna y golpeando al espectador al mismo tiempo que a los protagonistas, sin que en ningún momento sepamos más que ellos qué es lo que está sucediendo.

Además del creciente suspenso que nos atrapa desde su inicio, la cinta maneja una temática de crítica social muy bien fundamentada, mostrando a los protagonistas dentro de una sociedad en miniatura, con sus luchas de poder, una dura reprimenda a los medios de comunicación y la destrucción del núcleo familiar.

Es una de mis cintas de zombies favoritas y cada vez que la veo termino envuelta en un halo de nerviosismo y temor, con una sensación de creciente claustrofobia. Y en este post, no podía faltar que su servilleta, como buena friki cinéfila, les comparta unas cuantas curiosidades acerca de esta cinta:

A los extras que hicieron de zombis se les pagó un dolar y se les dió una camiseta que decía: "yo fui un zombie en La Noche de los Muertos Vivientes"
El padre de la niña del sótano (Karl Hardman) hizo también de maquillador, técnico de efectos sonoros y fotógrafo (hizo las fotos que aparcen junto los créditos y cierran la película).
El nombre de la película en un principio fue Monster Flick, luego pasó por Night of Anubis y casi finamente Night of the Flesheaters; el cambio a última hora por Night of the Living Dead propició la pérdida de los derechos de autor sobre la cinta.
Para mantener la continuidad en las ventanas tapiadas con maderos tenían que estar siempre en la misma posición, así que en los lados opuestos estaban marcados con números para indicar dónde debían ir y si vemos algunas escenas cuadro por cuadro podemos ver estos apuntes y la numeración.
Dos productores recibieron dos pequeños papeles, y un tercer productor que era carnicero, proporcionó sangre y vísceras reales para las tomas.
La sangre en este filme está representada por jarabe de chocolate, de la misma marca y consistencia del que usara Alfred Hitchcock en "Psicosis".
Fue la primera película de terror en tener un afroamericano como protagonista.
No podía faltar el cameo del director, guionista, editor y director de fotografía: George A. Romero, quien aparece como el reportero de Washington sin barba que sale en el televisor y pregunta en la calle a un general y a unos científicos antes de que se metan en un coche.

No dejen de ver este clásico del cine de terror, que a sus 40 años de existencia, sigue dando de qué hablar.

¡Hasta el próximo post!

Quiero mover el bote.. Curiosidades de Madagascar 2

2008-10-20T19:48:00.000-07:00

Cortesía de Paramount Pictures les traemos en exclusia para ustedes nuestros fieles lectores y radioescuchas unos cuantos datos curiosos de esta nueva aventura de Alex, Melman, Marty y Gloria que estará en cines mexicanos el próximo mes de diciembre.

* Incluyendo a los actores que dieron su voz a los personajes, 494 personas distintas trabajaron más de 21,417 semanas hombre en la película. Esas son 107,085 días hombre o 856,680 horas hombre.

* Un total de 379 artistas colaboró para crear Madagascar 2 y su producción tomó aproximadamente 3½ años (desde el verano de 2005 al otoño de 2008).

* El departamento de animación de Madagascar 2 está formado por animadores de varios países alrededor del mundo, incluyendo Argentina, Brasil, China, Francia, India, Israel, Japón, Líbano, Marruecos, Paraguay, Puerto Rico, Corea del Sur, España, Taiwán, el Reino Unido y Estados Unidos de América.

* Varios directores de cintas de DreamWorks Animation prestaron sus voces a algunos de los personajes del filme. Tom McGrath, el director de Madagascar 2 interpreta a Skipper, el pingüino principal; Conrad Vernon, el director de Monsters vs. Aliens, todavía en producción, quien interpretó al Gingerbread Man en la serie de películas de Shrek) presta su voz al mono Mason y Chris Miller, el director de Shrek Tercero (quien también fue la voz del Espejo Mágico en la serie de cintas de Shrek), presta su voz a Private, el simpático y encantador pingüino.

* Durante la pre-producción, miembros claves del equipo de producción tomaron un safari por África en busca del estilo de Madagascar 2.

* Apostamos que no sabían que el rugido de un león adulto se puede escuchar a 5 kilómetros (3 millas) de distancia pero en un medioambientes húmedo se escucha más lejos, hasta 8 kilómetros (5 millas).

* La idea de los pingüinos se originó de un filme que el director Eric Darnell estaba preparando con el título Rockumentary, sobre el cuarteto de música rock Los Beatles. Cuando el proyecto se archivó y Darnell se incorporó a la producción de la primera cinta de Madagascar, él agregó a los pingüinos al libreto, convirtiéndolos de músicos en comandos militares.

* El barco en la película (el cual los pingüinos secuestran en la primera realización) se inspiró en una embarcación atracada en el Puerto de la Ciudad de Redwood (cerca del campo de PDI/DreamWorks).

* La creación de una sola imagen de Madagascar 2 tomó hasta 12 horas de trabajo por la computadora.

* El catálogo de Madagascar 2 consiste de 4,635 personajes compuestos de 19 especies distintas de animals/personas.

* La mayor toma de muchedumbre tiene 7,183 personajes. La película tiene un total de 231,573 personajes en las tomas de muchedumbre.

* El Baobab o árbol del pan del mono en Madagascar 2 es el árbol más grande en la historia de imágenes gráficas computarizadas. El equipo de efectos especiales le puso el apodo Voltron.

* Los leones son la única especie de gatos verdaderamente sociales. Los tigres, los leopardos, las chitas, los linces, los jaguares, los pumas y los ocelotes llevan vidas solitarias. Las manadas consisten de hasta doce hembras, sus cachorros y seis machos.

* ¿Sabían que el lugar de nacimiento de la familia de Alex tiene la misma forma que el continente africano?

* Los leones pasan la mayor parte de su vida dormidos, hasta 20 horas diarias. Es más, los leones duermen más que cualquier otro animal en el Parque Nacional Serengueti en Tanzania, África.

* El nombre del hipopótamo viene de la palabra griega “caballo de río.” En realidad el hipopótamo está más estrechamente vinculado con el cerdo que con el caballo.

* A pesar de que los hipopótamos parecen criaturas dóciles que pasan la mayor parte del día acostados en la orilla y sectores poco profundos, realmente son animals muy agresivos. Muestran cicatrices antiguas y heridas recientes que son signos de peleas diarias que son acompañadas de bramidos, relinchos y resoplidos.

* Seguro que no sabían que “Moto Moto” en suahili significa “caliente caliente.”

* Las jirafas adultas pueden tener hasta 18 pies de altura y pesar hasta 3,000 libras. Viven un promedio de 25 años.

* Las cebras generalmente duermen profundamente pero por lo menos un miembro de la manada permanece erguido y alerta.

* Apostamos que no sabían que no hay dos cebras que tengan las rayas iguales.

* Si Marty parece más inteligente que las otras cebras ¡es porque lo es!. El equipo de la producción diseñó a Marty ligeramente menos oscuro que las otras cebras para que se destacara de la manada.

Madagascar: Escape 2 Africa™ & © 2008 DreamWorks Animation L.L.C.

¡¡Hasta el próximo post!!

Fallece un grande del cine, Descansa en Paz Paul Newman

2008-09-27T16:12:00.000-07:00

Ayer por la noche dejaron de brillar los ojos azules más hermosos del espectáculo (en opinión de su servilleta), pertenecientes a toda una leyenda del cine: Paul Newman, que a sus 83 años perdió la batalla contra el cáncer de pulmón.

Esos prodigiosos ojazos, su carisma y elegancia inigualables, un matrimonio intachable al lado de la también actriz Joanne Woodward, sus obras de caridad y los más de 60 roles que personificó en casi medio siglo de carrera, hicieron de Paul Newman uno de los mitos más duraderos del cine y una pérdida muy sentida.

Conocí el trabajo de Paul Newman gracias a mi madre, que siempre lo admiró y decía que es su amor platónico, compartiendo con ella las películas Butch Cassidy and The Sundance Kid y El Golpe. Me impactó mucho su forma de actuar tan natural, ese magnetismo que lo caracterizaba y también me enamoré de sus ojos azules que con una mirada decían tantas cosas...

Desde entonces además de considerarlo un galán en toda la extensión de la palabra, me convertí en admiradora de su trabajo. Me gustó mucho en Cortina Rasgada de Hitchcock, me hizo reír como Butch Cassidy, me conmovió como Doc Hudson en Cars y prácticamente lo adoré como villano en su última aparición en la pantalla grande en Camino a la Perdición.

Además de actor, padre de familia y apasionado de las carreras, Paul Newman era un filántropo a quien le gustaba apoyar diferentes causas, lo que lo hacía mucho más humano y no el simple ídolo de cine.

Ayer que nos enteramos de su fallecimiento mi mamá y yo no pudimos evitar ponernos tristes y desear que su muerte haya sido sin sufrimientos y que su familia encuentre consuelo. ¡Descansa en paz, Paul Newman, te vamos a extrañar! ¡Hasta el próximo post!

Control Total - Eagle Eye

2008-09-21T10:47:00.000-07:00

Un día más en la oficina ha terminado, apagas tu computadora y la red le informa a tu jefe exactamente a qué hora llegaste por la mañana y a qué hora te fuiste. Camino a tu casa en el auto, recibes un mensaje en tu celular, tu esposa te recuerda que hace falta comprar leche. Usas tu GPS para evadir el tráfico y encontrar la forma más rápida de llegar al super y hacer tus compras. Llegas a casa y te conectas a internet a bajar música y conversar con tu hija que vive en otro país.

Dondequiera que nos encontremos la tecnología está presente para facilitarnos la vida. En nuestro ir y venir cotidiano y casi sin que lo notemos nuestra existencia se almacena digitalmente: nuestras fotos, nombre, cuentas de banco, lo que compramos, a dónde nos gusta ir, qué nos gusta, qué nos desagrada, hasta nuestros secretos... Todo es parte de este entorno tecnológico, al grado que podemos ser medidos, localizados, monitoreados y guardados para un futuro seguimiento. ¿Pero qué pasaría si toda esta tecnología e información se volviera en nuestra contra?

Basada en esta premisa llegará a las salas de nuestro país el 25 de septiembre la cinta Control Total (Eagle Eye) protagonizada por Shia LaBeouf, Michelle Monaghan, Rosario Dawson y Billy Bob Thornton y dirigida por D.J. Caruso (Paranoia).

Esta película nos sumerge en una carrera contra el tiempo en la que dos completos extraños, Jerry Shaw y Rachel Holloman tendrán que unir fuerzas tras recibir una misteriosa llamada amenazando tanto sus vidas como a sus familias si no cumplen con todo lo que se les ordena. Convertidos en fugitivos e incriminados por delitos que no cometieron, tratarán de averiguar quién está detrás de todo para librarse de la amenaza de un enemigo anónimo, omnipresente, que posee poderes sin límites para manipular y monitorear todo lo que ellos hacen.

Conforme transcurría la historia, el suspenso iba en aumento y un sentimiento de paranoia se apoderaba de una servidora. Las secuencias de acción son excelentes, por la combinación de distintos planos para darles más realismo, además de mantener al mínimo el uso de efectos especiales digitales. Durante la primera mitad del filme me hicieron sentir como si me acabara de subir en una montaña rusa de la que no quería bajarme. Ya para la segunda mitad, toda esa energía baja un poco y la historia se torna un poco predecible, pero disfrutable.

Esta cinta es un thriller en toda la extensión de la palabra con actuaciones creíbles por parte de Shia LaBeouf, Michelle Monaghan y Billy Bob Thornton, además de escenas de persecución sumamente impactantes, muy al estilo de Contacto en Francia y una trama que tiene de todo: drama, acción, momentos cómicos y por supuesto suspenso.

Me gustó mucho el planteamiento de la historia, sobre todo por las situaciones en las que los personajes se ven envueltos y los dilemas que tendrán que enfrentar para salir de ellas.

Les recomiendo tener a mano sus palomitas, refrescos y hacer escala técnica antes de entrar a ver Control Total, porque no querrán perderse ni un segundo de lo que pasa en pantalla y si tienen la oportunidad, vayan a verla en IMAX.

¡Nos vemos en la próxima función de prensa y el próximo post!

Nuevas fotos de Harry Potter y el Misterio del Príncipe

2008-08-07T06:15:00.001-07:00

En exclusiva les tenemos nuevas fotos de Harrry Potter y el Misterio del Príncipe, sexta cinta de la saga que esperamos con ansia para noviembre de este año.

Estén pendientes del programa ya que les tendremos adelantos y noticias sobre este esperado estreno.

McGonagall y Harry Potter en el despacho de Dumbledore, Harry sostiene la Varita de Dumbledore en sus manos

Ron, Ginny, Harry y Hermione en el gran comedor

David Yates (Prof. Horace Slughorn) junto a Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Bonnie Wright

Aquí podemos ver que los años no pasan en vano. Harry ha crecido.

Primer Trailer de Harry Potter y Misterio del Príncipe

2008-08-03T19:20:00.000-07:00

En exclusiva, les presentamos el video del primer trailer de Harry Potter y el Príncipe Mestizo que llegará a las salas de cine en noviembre de este año.

Que lo disfruten!!

25 años sin Buñuel

2008-07-29T06:15:00.000-07:00

Un día como hoy, pero de 1983 y en nuestra Ciudad de México, dejó de existir un cineasta genial, padre del Surrealismo Cinematográfico y uno de los directores más originales que la historia del cine ha conocido: Luis Buñuel.

Nacido en la provincia de Aragón el 22 de febrero de 1900, Luis Buñuel pasó su infancia en Zaragoza, estudiando con jesuitas y en compañía de sus hermanos. Fue a la tierna edad de 8 años que descubrió el cine, que en esa época era apenas una mera curiosidad y espectáculo de feria.

Durante toda su infancia vio muchas películas, pues su prima tenía acceso desde la cocina a la pantalla de uno de los primeros cines de Zaragoza y cuando tenía trece años, sus padres le regalaron un teatro con personajes de cartón, con el cual él hacía sus propias obras, que presentaba durante semanas a los jóvenes de su pueblo. Desde entonces tenía la inquietud artística.

A los 17 años se fue a vivir a Madrid, para realizar sus estudios universitarios y trabó amistad con Salvador Dalí, Federico García Lorca, Rafael Alberti, Pepín Bello, Juan Ramón Jiménez, entre otros. Junto con ellos participó en diversas actividades e hizo sus primeros ensayos de puesta en escena, con versiones algo extrañas y delirantes del Don Juan Tenorio en las que actuaban Lorca, Dalí y otros compañeros.

Durante el tiempo que permaneció en Madrid, Luis Buñuel solía ir al cine, pero no fue sino hasta que se estableció en París cuando comenzó a verlo intensivamente. Imaginen esto, veía por lo menos tres películas al día, una por la mañana, otra por la tarde en un cine de barrio y otra por la noche y colaboró como crítico en varias publicaciones. ¿Cómo ven?

Su entrada al mundo del cine, detrás de las cámaras, se produjo después de ver la película Las tres luces (Der müde Tod) del genial Fritz Lang. Varias semanas después se presentó en un rodaje y fue con el director de cine francés Jean Epstein y se ofreció a trabajar de lo que fuera a cambio de que le enseñaran todo lo que pudiera aprender acerca del cine y Epstein finalmente le permitió desempeñar el cargo de asistente de dirección en el rodaje de sus película mudas Mauprat y La caída de la casa Usher (La chute de la maison Usher), de 1928.

Después de eso, participó como actor en algunas cintas como Carmen, de los estudios Albatros, con Raquel Meller y en La Sirène des Tropiques con Josephine Baker, experiencias que le ayudarían a conocer mejor el medio y a hacer contactos, tan importantes en esta industria.

Poco después se interesó por el movimiento surrealista de André Breton, llevándose consigo a sus amigos de la Residencia de Madrid, principalmente a Salvador Dalí y fue precisamente con el pintor español con quien realizó su primera película: "Un perro andaluz" en 1929. Esta cinta fue todo un manifiesto del surrealismo, llena de imágenes procedentes de un mundo de sueños, que a pesar de sus evidentes fallos técnicos, sigue siendo en la actualidad todo un alarde de imaginación y originalidad.

Un Perro Andaluz, que sólamente dura 18 minutos, tiene dos secuencias que impactan, y que son molestas y perturbadoras, una clara muestra de la influencia de lo onírico en sus primeras obras: la del ojo cortado por una navaja, procedente de un sueño del propio Buñuel, y la de las hormigas que salen de una herida en una mano del protagonista, salida de la imaginación de Dalí.

Junto con "La edad de Oro" (1930), son los dos ejemplos más claros del surrealismo en cine.

Tras ese radical inicio, Buñuel saltó después a un genero completamente diferente, el documental, pero eligió un tema no por realista menos surrealista: la situación en la región española de "Las Hurdes", un crudo documental de 27 minutos que muestra la desoladora situación de esa zona en la España de 1932 y que ofrece secuencias terribles como la del entierro de un niño en su ataúd blanco descendiendo por el río.

Aunque Buñuel se centró después en la ficción, sus películas siempre estuvieron cargadas de una fuerte crítica social, denunciando la situación de los sectores más marginados, como ocurrió con "Los Olvidados", una obra maestra por la que obtuvo el premio a la mejor dirección y el de la crítica internacional en el Festival de Cannes de 1951 y que fue filmada en nuestro país, donde Buñuel se refugió después de la Guerra Civil Española y una ruptura con Salvador Dalí.

Fue en México donde rodó algunas de sus películas más significativas, como "Nazarín" (1959) -palma de Oro en Cannes- o "El ángel exterminador" (1962), con una regreso temporal a su natal España para realizar "Viridiana" (1961), una dura crítica a la falsa caridad que también obtuvo la palma de Oro de Cannes, en 1962 y generó un gran escándalo cuando el periódico vaticano "L'Osservatore Romano" la tachó de blasfema y sacrílega, provocando que la censura española la prohibiera.

Tras su etapa mexicana, Buñuel regresó a Francia, donde rodaría las películas que más prestigio le dieron y con las que alcanzó una enorme sutileza en sus críticas sociales, además de una mayor libertad creadora debido a los más y mejores medios de que dispuso.

La trilogía formada por "La vía láctea" (1968), "El discreto encanto de la burguesía" (1972) -que ganó un Óscar a la mejor película extranjera-, y "El fantasma de la libertad" (1974) es probablemente la cumbre de su carrera.

Lo absurdo se convierte en protagonista de estas historias con las que Buñuel atacó sin piedad la vida burguesa, en especial con la secuencia de la reunión de amigos en "El discreto encanto de la burguesía" en la que nunca pasa nada.

Su última película, "Ese oscuro objeto del deseo" (1977), fue menor en comparación con las genialidades realizadas anteriormente, pero, al igual que con toda su obra, es una muestra más de que Buñuel hizo siempre lo que quiso y contó lo que sentía, sin importarle los convencionalismos y que sigue siendo referencia obligada para todos aquellos que amamos el cine.

Si quieren conocer más sobre este director y su obra, entren aquí.

¡Hasta el próximo post!

The Dark Knight

2008-07-20T20:58:00.001-07:00

Tras una larga espera, una exhaustiva campaña de marketing y mucha expectación llega a nosotros The Dark Knight, la más oscura adaptación del cómic (sí, mucho más que la de Tim Burton), en la que el caos reina por casi 3 horas mostrándonos un realismo turbio y muy crudo, donde los personajes van más allá del bien y del mal para lograr sus propósitos, en un mundo sin reglas y sin moral.

La cruzada contra el crimen emprendida por Bruce Wayne (Christian Bale) poco a poco ha ido dando resultados y el trabajo de Batman junto con la Unidad de Crímenes Mayores bajo el mando de Jim Gordon (Gary Oldman) tiene prácticamente acorralados a los Capos de la Mafia de Ciudad Gótica, aunque siguen sin lograr darle el tiro de gracia al Crimen Organizado.

Justo cuando las cosas llegan a un punto muerto, el nuevo fiscal de distrito, Harvey Dent (Aaron Eckhart), surge como la figura heróica que la ciudad necesita, el ciudadano modelo con la integridad y la valentía para enjuiciar a todas las familias de la mafia de la ciudad y poner fin a la larga guerra iniciada por Batman y Gordon. Dent se convierte en el integrante que faltaba para formar el triunvirato que finalmente limpie Ciudad Gótica, que se ha convertido en un oasis para la corrupción y la impunidad.

El hampa se encuentra en una situación desesperada y en su desesperación recurren a The Joker (Heath Ledger), quien les propone hacerse cargo de Batman, a cambio de una jugosa tajada.

A partir de aquí, The Joker literalmente toma el mando de la cinta y su presencia va adquiriendo proporciones grotescas a medida que avanza el desarrollo de la historia. The Joker se transforma una fuerza de la naturaleza, un individuo sin reglas, miedos o inhibiciones, la anarquía encarnada, el caos por el placer del caos y con una mente en la que sin método ni objetivos todo es posible, en resúmen: un personaje fascinante.

Heath Ledger asusta desde su risa hasta su forma de moverse, haciendo de este villano lo más memorable de la cinta.

Aplaudo los temas filosoficos que se tratan en The Dark Knight: la etica, la doble moral, las reglas establecidas, la forma en que cambia la idea del bien y el mal dependiendo de la situación y la verdadera importancia de las decisiones que tomas y cuánto pesan frente a eventos mas alla de tu control... en un mundo como el nuestro, donde desgraciadamente las cosas están así o peor.

Una de las cosas que a su servidora no le agradó y por lo cual no pondría un 10 a la cinta fue el personaje de Rachel, le faltó fuerza interpretativa y lucía algo tiesa y forzada en algunas escenas. Otro personaje que siento no despegó fue el del Alcalde, interpretado por un Anthony García que aparecía demasiado nervioso y en el poco tiempo que tiene en pantalla es difícil que logre sacarle partido a su personaje.

Algo que les puedo decir es que si les gustó Batman Begins, amarán The Dark Knight, una cinta no apta para los débiles de corazón, llena de emociones, dilemas morales y mucha acción.

¡Hasta el próximo post!

2008-07-06T20:13:00.001-07:00

Hola a todos, su cinéfila de cabecera se lanzó este fin de semana a ver la nueva aventura de Disney-Pixar: Wall-E y aquí les traigo mis impresions.

Wall-E nos presenta el punto de vista de un pequeño robot, cuyo diario quehacer es recoger los desperdicios que dejó nuestra civilización en la tierra. Acompañado por su única amiga, una cucaracha y la música de un viejo Betamax de Hello Dolly! Wall-E va desarrollando una conciencia propia, con el asombro y la imaginación de un niño, por lo que las cosas sencillas como un tapacubos deja de serlo para tornarse en un sombrero de copa.

Un día nuestro héroe conoce a Eva, una robot cuya misión es encontrar si hay vida sustentable en la Tierra y ahí es donde inicia su más grande aventura: enamorarse.

Es una película que deja huella, no solamente por la animación que te deja boquiabierto, ni por el uso de la música que te envuelve o por los protagonistas que son simplemente entrañables, sino por el mensaje que nos da a toda la humanidad...Cuidemos nuestro planeta.

Es impresionante como un personaje tan pequeño y sencillo con una mirada te hace sentir tantas cosas, sobre todo ternura y unas ganas inmensas de abrazarlo.

Así que no dejen de perderse esta joya de la animación, que como cereza en el pastel cuenta con un tema compuesto nada más y nada menos que por Peter Gabriel.

Por cierto no dejen de escuchar a Karen Ortiz los miércoles en La Dimensión Alterna, habrán muchas sorpresas a partir del próximo miércoles 9 de julio así que estén pendientes.

¡Nos vemos en el próximo post!

Descansa en paz, Stan Winston

2008-06-16T20:42:00.000-07:00

El día de hoy les tengo una noticia algo triste para muchos cinéfilos, un grande de los efectos especiales, Stan Winston, murió el anoche en su residencia del sur de California, después de luchar 7 años contra el cáncer a los 62 años de edad.

Stan Winston, era uno de los artistas más conocidos en el medio y padre de algunas de las criaturas más fantásticas del cine como los monstruos de Aliens, el T1000 de Terminator 2 y los dinosaurios de Parque Jurásico, entre otros. Por estos trabajos ganó el Oscar en la categoría de Mejores Efectos Especiales en 3 ocasiones, en 1986, 1992 y 1993. Su trabajo en este campo le hizo acreedor a 11 nominaciones al Oscar y un sinfín de premios.

En el área del maquillaje trabajó con el director Tim Burton para caracterizar a Johnny Deep como el estrafalario personaje de Edward Scissorhands y convirtió a Danny de Vito en el personaje de El Pingüino en Batman Returns.

Su trabajo será siempre recordado y su legado, los estudios Stan Winston, seguirá innovando en el campo de los Efectos Especiales. Su último trabajo fue en IronMan en la que sus estudios crearon la armadura del personaje entre otros efectos que se pueden ver en esta taquillerísima cinta.

¡Descansa en paz Stan Winston!

Pandamonium!! - Función de Prensa de Kung Fu Panda

2008-06-13T19:39:00.000-07:00

EL día de ayer se realizó la función de prensa de la esperadísima Kung Fu Panda, la cita fue en Cinemark Polanco en punto de las 8 de la noche. A continuación les presento la reseña de esta película que se estrenará el próximo viernes en los cines de nuestro país y que está rompiendo récords de taquilla en Estados Unidos.

Kung Fu Panda, cinta de animación de la casa Dreamworks dirigida por John Stevenson y Mark Osborne , nos cuenta la historia de Po, un entusiasta y algo perezoso panda fanático del Kung Fu que vende fideos con su padre pero que secretamente sueña con ser un gran guerrero. Inesperadamente elegido para cumplir una antigua profecía, Po logrará entrar al mundo místico que tanto admira y estudiar junto a sus héroes, los legendarios 5 Furiosos: Tigresa, Grulla, Mantis, Víbora y Mono bajo la guía experta del gran maestro Shifu y defender su hogar del malvado Tai Lung.

Desde que inicia hasta que termina, Kung Fu Panda nos lleva de la mano de Po en un viaje de autoconocimiento y aprendizaje, con personajes entrañables, situaciones divertidas y mucha acción.

La animación de esta cinta cuenta con un estilo visual único e impactante desde la secuencia de inicio de vívidos colores y dibujada a mano que nos recuerda los títeres de sombras chinescas hasta pasar al moderno estilo de animación por computadora en el que los colores brillantes y naturales evocan los paisajes y bellezas de China, además de la excelente iluminación, diseño de producción y texturas tan realistas que podríamos estar parados en el mismísimo Palacio de Jade.

Las escenas de acción hacen guiños a cintas de artes marciales como Hero, House of Flying Daggers y Crouching Tiger, Hidden Dragon, entre otras. En lo personal me recordaron también las viejas las cintas de Bruce Lee, la serie Kung Fu y las películas de Jackie Chan, quien da vida al personaje del Maestro Mono.

Hay claras referencias a la cultura china, sobre todo por el uso de animales que integran el zodiaco chino y fauna característica de este país.

La versión doblada, realizada por Omar Chaparro y Pedro Armendáriz (entre otros actores) es excelente y fue una sorpresa muy agradable ya que mantiene la esencia de los personajes, les aporta un estilo característico y para nada trata de imitar la interpretación de Jack Black o Dustin Hoffman poniendo el doblaje mexicano por todo lo alto.

Esta cinta tiene un sabor épico, muy distinto al de otras producciones de Dreamworks en las que los guiños a celebridades pop son clara influencia y el tono cómico (sin llegar a la burla), con el que tratan el tema de las artes marciales, hace de Kung Fu Panda una experiencia divertida, fresca y con un mensaje para chicos y grandes: encuentra tu potencial sin imitar a nadie, aprovecha tus recursos y cree en ti mismo.

¡Hasta el próximo post!

Kung Fu Panda
Director: Mark Osborne y John Stevenson
Reparto: Jack Black, Jackie Chan, Dustin Hoffman, Lucy Liu, Ian McShane, Angelina Jolie, Michael Clarke Duncan, David Cross.
Doblado en español por: Omar Chaparro y Pedro Armendáriz entre otros.
Guión: Jonathan Aibel y Glenn Berger
Productores: Melissa Cobb Fotografía: Yong Duk Jhun

Género: Comedia / Animación

Duración: 145 min.

Descansa en Paz Sidney Pollack

2008-06-13T06:06:00.000-07:00

Sydney Pollack, actor, director y productor, murió hace unos días de cáncer, en su casa de Pacific Palisades.

Para los que no son tan cinéfilos, este gran cineasta es recordado por ser el ganador del Oscar a Mejor Director por "Out of Africa" (Memorias de Africa, 1985) donde dirigió a Meryl Streep, además de dirigir entre otras cintas"Tootsie" (1982) con Dustin Hoffman y "Los tres días del cóndor" (1975).

Pollack inició su carrera en Hollywood en la década de los años 50 como actor y como maestro de actuación en Nueva York, y después en los 60 se cambió al Oeste de Estados Unidos en donde empezó a dirigir episodios de televisión antes de meterse de lleno en el cine. Sus pininos como director fueron con cintas como "The slender thread,"(1965), estelarizado por el gran Sidney Poitier y "They shoot horses, don"t they?," (1969) protagonizada por Jane Fonda y que lo llevó a tener su primera nominación al Oscar en la categoría de Mejor Director.

Pollack hizo equipo con Robert Redford al que dirigió nadamás y nada menos que en 7 ocasiones empezando con "This property is condemned", al lado de Natalie Wood en 1966, y después le siguieron "The way we were", con Barbra Streisand y "Jeremiah Johnson". También dirigió "Three days of the condor", con Faye Dunaway; "The electric horseman", con Jane Fonda y la ya mencionada "Out of Africa", con Meryl Streep, por el que se llevó a casita el Oscar como Mejor Director y Productor, así como también en "Havana."

Por "Tootsie", una de sus cintas mejor recordadas y estelarizada por Dustin Hoffman y Jessica Lange, Pollack recibió en 1982 una nominación al Oscar a Mejor Director.

Como histrión apareció en películas como "Husbands and wives", dirigido por Woody Allen; "The player" bajo la dirección de Robert Altman; "Eyes wide shut" filmada por Stanley Kubrick; y más recientemente en "Michael Clayton" realizada por Tony Gilroy.

Las películas de Sydney Pollack, como realizador o productor ejecutivo, fueron nominadas la nada despreciable cantidad de 46 veces por la Academia, tres de ellas al Oscar como Mejor Director y dos de Mejor Película.

Muy prolífico y excelente director, actor y productor. Les puedo decir que mi película favorita de Pollack es "The Way we Were" con Barbra Streisand, cinta que siempre me hace llorar.

Descanse en paz un grande del cine, te extrañaremos.

Función de Prensa - Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal

2008-06-13T05:56:00.000-07:00

19 años después….
Después de una espera de 19 años para ver a mi héroe de la infancia en una nueva aventura, el 19 de junio su servidora asisti a la función de prensa de la esperadísima Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal.

El nerviosismo estaba a flor de piel y todos los asistentes estábamos ansiosos de volver a ver a Indy en acción. ¿Lograría salirse con la suya? ¿Cubriría nuestras expectativas como fans?

La cita fue en un complejo en Polanco y después de pasar por tremendo operativo de seguridad en el que nos quitaron celulares y cualquier aparato que pudiera grabar o fotografiar la película, tomamos nuestros lugares, palomitas en mano para disfrutar la película.

Sólo con ver el logo de Lucasfilm, dos lágrimas de alegría y nostalgia acudieron a mis ojos, pues la última vez que lo vi en la pantalla de plata sentada en una butaca de cine, contaba con la tierna edad de 9 años. La trama se desarrolla en plena Guerra Fría, donde el temor por los nazis y Hitler dio paso a la batalla de poderes entre Rusia y Estados Unidos junto con el pánico generalizado de una inminente guerra nuclear.

Los malos del mundo ahora son los rusos y nuestro héroe los enfrentará mientras ayuda a un joven mecánico (Shia LaBeouf) a rescatar a su madre y encontrar una mítica calavera de cristal antes de que caiga en las manos equivocadas.

Esta nueva aventura mantiene la esencia de Indiana respetando su edad y hasta bromeando un poco con ella; además de introducir nuevos enemigos a la lista de Indy y uno que otro peligro que enfrentar con el ingenio y humor que siempre lo han caracterizado.

La química en pantalla entre Harrison Ford y Shia LaBeouf hace de sus personajes humanos y creíbles, haciendo de las escenas que comparten de lo mejor en esta cuarta entrega. La fotografía es muy buena, muy similar a la usada en la trilogía original, haciendo parecer que fue filmada 5 años después que su predecesora.

Las secuencias de acción son algo largas pero bien coreografiadas y a pesar de sus años, Indy todavía pelea y pelea bien. Way to go Indy! Mis felicitaciones a Harrison Ford porque a pesar de sus años, sigue siendo un buen héroe de acción, realizando muchas de sus secuencias peligrosas y luciendo un físico que muchos hombres a su edad desearían.

George Lucas cumplió su promesa de que solamente se usaría un mínimo de efectos especiales digitales, los cuales se ven solamente en algunas secuencias y que agradezco pues me tenía muy preocupada que se viera demasiado computarizada y perdiera esa esencia de película de aventuras al estilo matinée del sábado a la que ya nos habían acostumbrado.

Con un guión cargado de nostalgia que se notó desde el primer trailer donde nos presentaban imágenes de la trilogía anterior, Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal mantiene un estilo que se basa en mantener aquello que hizo la serie tan popular: el entretenimiento.

Otro que regresa a la fórmula es John Williams quien vuelve a musicalizar esta aventura y como ya es su costumbre últimamente toma prestados algunos motivos musicales de las anteriores películas, haciendo sonar tonadas reconocibles como el tema del Arca de Raiders o la música del grial de Last Crusade.

Es una cinta divertida y que como fan y cinéfila recomiendo para una tarde familiar, siendo digno colofón para las andanzas del héroe de aventuras por excelencia: Indiana Jones.

Feliz Cumpleaños George Lucas!!!

2008-05-14T19:58:00.000-07:00

Un día como hoy pero de hace 64 años vio la luz George Walton Lucas Jr. en Modesto California y para festejar qué mejor que estrenar la cuarta saga de Indiana Jones, en el prestigioso festival de Cannes.

Este gran director, guionista y empresario, asistió a la Escuela de Cine de la Universidad de Southern, California, donde hizo varios cortometrajes, como "Electronic Labyrinth: THX-1138: 4EB", el cual le dio su primer premio en el Festival Nacional de Estudiantes de Cine 1967-68.

En 1967, la Warner Brothers le otorgó una beca que le permitió trabajar el siguiente año como asistente del cineasta Francis Ford Coppola en "The rain people" y rodar un corto sobre la realización de esta película, "Film maker".

Para 1969, Lucas y Coppola como buenos amigos y grandes hombres de negocios fundaron la compañía American Zoetrope, cuyo primer proyecto fue la versión completa del corto de Lucas, "THX:1138". Sin embargo, dos años después, Coppola apostó por la producción de "El padrino", que le abrió la puerta a la historia de la cinematografía mundial, y Lucas formó su propia empresa, Lucasfilm Ltd.

De esta manera, en 1973 co escribió y dirigió "American graffiti", una película sobre autos y jóvenes que le valió el Globo de Oro y los galardones New York Film Critics y National Society of Film Critics, además de que obtuvo cinco nominaciones al Oscar y en la que usó como villano nadamás y nadamenos que a un desconocido Harrison Ford, quien luego saltar a la fama gracias a otras dos producciones de Lucas: Star Wars e Indiana Jones.

En 1977 escribió y dirigió "La guerra de las galaxias" (Episodio IV: una nueva esperanza), película que rompió todos los récords de taquilla y ganadora de siete premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de su país.

Debido al éxito obtenido, se dedicó a escribir las historias de "El imperio contraataca" (Episodio V) y "El retorno del Jedi" (Episodio VI), de cuyos filmes también fue productor ejecutivo.

Este cargo lo repitió en 1980 con "Cazadores del Arca Perdida", dirigida por Steven Spielberg, la cual ganó cinco estatuillas Oscar. Asimismo, fue co productor ejecutivo y creador de la historia "Indiana Jones y el templo de la maldición" (1984), nominada a dos Oscares y ganadora de uno por Mejores Efectos Especiales.

Durante la primera mitad de la década de los 80, se dedicó a la construcción de su 2pequeño" Rancho Skywalker, bautizado como el personaje principal de "La guerra de las galaxias", con el fin de acoger la creatividad, tecnología y administración necesarias para su compañía.

La propiedad fue terminada en 1985 e incluía una gran extensión dedicada a la postproducción y grabación de música, así como instalaciones para la investigación y desarrollo de nuevas tecnologías en edición, audio y multimedia. Un año más tarde, fue el productor ejecutivo de la aventura espacial en tercera dimensión "Captain Eo", dirigida por Coppola y protagonizada por el astro de pop Michael Jackson que pudo verse en el parque temático de Epcot Center y que yo recuerdo haber visto cuando era apenas una niña.

Además, fue el creador de Star Tours, que al combinar la tecnología de un simulador de vuelo con los efectos especiales de Industrial Light & Magic, se convirtió en la más popular atracción de Disneylandia.

En 1988, realizó la película de aventuras fantásticas "Willow", basada en una historia original de su autoría y que fue dirigida por Ron Howard; ese año, fue el productor ejecutivo del documental "Tucker: the man and his dream", dirigida por Coppola.

La compañía que Lucas fundara en 1971 evolucionó a tres empresas: Lucas Digital Ltd., que comprende Industrial Light & Magic (ILM) y Skywalker Sound, y Lucas Arts Entertainment Company, líder internacional en el desarrollo y edición de programas de entretenimiento.
Asimismo, Lucas Film Ltd. incluye todos los aspectos de las películas y producciones televisivas de George Lucas y sus actividades comerciales, así como el Grupo THX. Además, es el presidente de The George Lucas Educational Foundation, organización caritativa dedicada al enriquecimiento de la tecnología en el sistema educacional del futuro y fue honrado en 1992 con el premio Irving G. Thalberg por la AMPAS.

Su gran capacidad para narrar y crear mitos, su afán por la innovación y su liderazgo para forjar una nueva relación entre el entretenimiento y la tecnología, revolucionaron la forma de crear películas.

En 2005, estrenó su más reciente película, "La venganza de los Sith" (Episodio III), con la cual cerró la exitosa saga de "La guerra de las galaxias". (Con información de Notimex/MCB)

Todo el staff de la Dimensión Alterna nos ponemos de pie y le deseamos a este grande del cine un muy ¡¡Feliz Cumpleaños George!!!

Premiere Las Crónicas de Narnia: El Príncipe Caspian

2008-05-13T21:12:00.000-07:00

El pasado domingo 11 de mayo asistí a la premiere de la cinta Las Crónicas de Narnia: El Príncipe Caspian. El lugar estaba lleno de gente y niños disfrazados de los personajes de la cinta y había mucha expectación puesto que habría una alfombra roja en la que desfilarían algunas personalidades del medio del espectáculo y dos de las estrellas del filme, uno de ellos orgullosamente mexicano: Damián Alcázar quien interpreta al villano Lord Sopespian y a William Moseley quien interpreta a Peter Pevensie, el mayor de los hermanos.

La entrada de Cinemark Polanco se convirtió en la estación del metro Strand de Inglaterra, que luego nos transportaría al mágico mundo de Narnia y al bosque de Beruna. Entre árboles y ruinas nos recibió un amigable elfo narniano, dándonos la bienvenida.

Basada en el cuarto libro de la famosa saga de C.S. Lewis. Un año después de los increíbles acontecimientos de la primera parte, los hermanos Pevensie vuelven a reunirse en ese remoto y maravilloso mundo donde descubrirán que han pasado más de 1.300 años, calculados en tiempo narniano. Durante su ausencia, la Edad de Oro de Narnia ha terminado, y los Telmarinos han conquistado Narnia que ahora está dominado por el malvado Rey Miraz, que gobierna sin piedad.

Los cuatro niños no tardarán en conocer un nuevo y extraño personaje: el joven Príncipe Caspian, heredero legítimo al trono que se ha visto obligado a esconderse ya que su tío Miraz trama su asesinato para colocar a su hijo recién nacido en el trono.

Con la ayuda del bondadoso duende, un valiente ratón parlante llamado Reepicheep, de un tejón llamado Trufflehunter y de un Duende Negro, Nikabrik, los Narnianos, liderados por los poderosos caballeros Peter y Caspian, se embarcan en un extraordinario viaje para encontrar a Aslan, liberar Narnia del yugo tiránico de Miraz y restaurar la magia y la paz en el territorio.

Extraordinaria adaptación del libro, fiel a la visión de C.S. Lewis y con más acción que su predecesora, grandes efectos visuales y una fotografía impecable. Los personajes se vuelven más complejos conforme avanza la cinta y su trama nos va envolviendo a cada momento.

Fue filmada en locaciones en Nueva Zelanda, Eslovenia y Praga, además de estudios en Europa del Este.

Cabe destacar la participación de nuestro compatriota, Damián Alcázar, quien realiza una muy buena interpretación del villano egoísta Lord Sopespian.

Muy recomendable para verla en familia, apta para chicos y grandes. No es requisito haber visto la primer cinta para entenderla por completo pero les sugiero la vean para refrescar la memoria y disfrutar mejor esta cinta.

Meteoro la Película

2008-05-13T21:07:00.001-07:00

Hola a todos, el martes de la semana pasada fui invitada a la premiere de esta cinta y a continuación les traigo la reseña y recomendación.

Esta trepidante cinta, dirigida por los hermanos Wachowsky (creadores de Matrix), nos lleva a la ciudad ficticia de Cosmópolis en donde las carreras de autos no son un deporte… son un estilo de vida.

Ahí conoceremos a Meteoro Racer, un joven y brillante as del volante que ayudado por su familia quiere convertirse en el mejor piloto, luchando contra la memoria de su hermano mayor Rex, uno de los mejores pilotos y quien falleciera unos años antes durante una carrera.

Cuando Meteoro rechaza una lucrativa y tentadora oferta de Industrias Royalton, no sólo enfurece al dueño de la compañía sino que descubre que algunas de las más grandes carreras están siendo arregladas para aumentar las ganancias.

Con el apoyo de su novia, Trixie, Meteoro hace equipo con el que una vez fue su rival -Racer X- para ganar la carrera que le arrebató la vida a su hermano.

Esta cinta está basada en la serie japonesa de los años 60 que llegó a nuestro país con el mismo nombre. Por si no lo sabían, Meteoro fue la primera franquicia animada realmente exitosa en recorrer los Estados Unidos.

Creada por Tatsuo Yoshida y producida por la legendaria Tatsunoko Productions de Japón en 1967, Meteoro comenzó como una serie de televisión de 52 episodios que fue originalmente titulada “Mach Go Go Go”. Justo seis meses después de que el programa se convirtió en un hit en Japón, fue doblado y se convirtió en un hit en los Estados Unidos.

Divertida, visualmente impresionante, con secuencias alucinantes y una estética futurista la versión cinematográfica de Meteoro es recomendable para chicos y grandes, ya que mantiene la esencia del Anime japonés y le aporta frescura al género. No se pierdan las escenas del rally, los Wachowsky las hicieron con una técnica llamada "realidad hiperestilizada" y con cámaras de alta definición.

Ficha técnica:
Título Original: Speed Racer
Título en Español: Meteoro. La Película
Director: Andy Wachowski, Larry Wachowski
Protagonistas: Emile Hirsch, Christina Ricci, Matthew Fox
Reparto: Susan Sarandon, John Goodman, Paulie Litt
Año de Producción: 2008
Formato: 35mm
Estreno Mundial: 5/9/2008
Casa Productora: Warner Bros. Pictures, Silver Pictures
Clasificación Méx: A
Clasificación USA: PG
País Productor: Estados Unidos
Género: Acción

No dejen de escuchar la Dimensión Alterna donde próximamente les tendremos grandes sorpresas ¡Hasta el próximo post!

Descansa en Paz Heath Ledger

2008-01-23T11:58:00.000-08:00

El mundo del cine está de luto. Flores, cartas y una vela a las puertas de su casa en el exclusivo barrio neoyorquino del Soho recuerdan hoy al protagonista de Brokeback Mountain, Heath Ledger, que falleció en circunstancias que aún están por aclarar.

Las autoridades declararon hoy que encontraron frascos de pastillas para dormir con receta y medicamentos contra la ansiedad en su cuarto y en el baño, y que aún había pastillas en los envases.

Previamente, la policía dijo que la muerte pudo haber sido ocasionada por una sobredosis de fármacos y que al parecer habría sido accidental. Esta noticia consternó tanto a compañeros de trabajo, directores, guionistas y al público en general.

El actor australiano fue encontrado sin vida en su apartamento por su ama de llaves, quien tras llamar a la puerta de su habitación para anunciarle la visita de su masajista y no obtener respuesta entró y encontró al actor inconsciente tumbado en el suelo, delante de su cama. Cuando los servicios de emergencia llegaron al lugar sólo pudieron certificar la muerte de Ledger, ya era demasiado tarde.

La autopsia realizada esta misma mañana al actor no ha sido concluyente y hasta dentro de aproximadamente dos semanas no se podrá conocer cual fue la principal causa de su muerte. Por el momento, los únicos datos ofrecidos por la policía apuntan a una sobredosis accidental de somníferos y ansiolíticos como causa del fatal desenlace.

El padre del actor, Kim Ledger, confirmaba en su casa de Perth, en Australia Occidental, la muerte trágica y "en último término accidental" de su hijo. Ledger describía ante la prensa a Heath como "un hombre con los pies en el suelo, generoso, de buen corazón, amaba la vida, sin egoísmos, individual y extremadamente inspirador para muchos". Asismismo, agradecía las muestras de apoyo recibidas y pedía respeto para poder llorar la pérdida del joven actor en la más estricta intimidad.

Ledger tenía una hija con la también actriz Michelle Williams, a quien conoció en el rodaje de Brokeback Mountain, donde interpretaban a un matrimonio y con la que estuvo unido sentimentalmente, sin casarse, tres años, hasta septiembre de 2007. Según el Daily News el motivo de la ruptura de la pareja fue "un problema de drogas" del actor, que al parecer empeoró después.

La actriz, que se encontraba junto a la hija de ambos en Suecia rodando su última película ha abandonado ya el país escandinavo y se encuentra de regreso a los Estados Unidos. El padre de Williams ha mostrado su pesar y el de toda su familia por tan triste pérdida y ha asegurado que lo peor es que su hija Matilda "a la que Heath quería profundamente crecerá sin conocer a su padre".

En 2006 Ledger optó al primer Oscar de su carrera en la categoría de mejor actor por su trabajo en Brokeback Mountain. En terreno vedado, una película con una transgresora visión del Oeste americano y en la que interpretaba a un vaquero taciturno envuelto en una trágica historia de amor con otro cowboy, interpretado por Jake Gyllenhaal, en las montañas de Wyoming.

Su biografía, a continuación por si no saben de quién estoy hablando.
Heathcliff Andrew Ledger, que nació el 4 de abril de 1979 en la ciudad australiana de Perth y era descendiente de escoceses e irlandeses, vivió en el oeste de Australia hasta los 16 años, cuando abandonó la escuela a un año de graduarse para mudarse a Sydney.

En Australia trabajó en series de televisión, como Clowning Around, Bush Patrol, Corrigan, Ship to Shore y Home and Away, para dar en 1997 el salto a Hollywood al coprotagonizar la serie norteamericana Roar, que se rodó en Queensland.

El joven actor saltó a la fama tras protagonizar películas como Corazón de caballero (2001), El patriota (2001), al lado de Mel Gibson, Candy (2006), Casanova (2005) o Los hermanos Grimm (2005). Ledger tenía pendiente el estreno de The Dark Knight, la esperada nueva entrega de Batman, en la que encarna al Guasón.

Esperemos que se sepan pronto las razones de su muerte y que descanse en paz este joven actor.
¡Hasta el próximo post y descansa en Paz Heath Ledger!

Despedidas...

2008-01-06T16:42:00.000-08:00

Nunca me han gustado las despedidas, pero en este momento es algo que tenía que hacer.

El lunes empiezo una nueva aventura, en el lado laboral, al fin después de mucho estira y afloja, de esperar y esperar comienzo un nuevo empleo. No sé lo que me depara, sólo sé que voy a echarle los kilos para hacer mi trabajo de la mejor manera posible.

Por ello voy a tener que hacer algunos cambios en mi estilo de vida y uno que otro sacrificio pues dejaré de hacer algo que me gusta mucho y que me trajo muchas satisfacciones: dejaré de participar en el programa de radio, Curiosidades Fílmicas.

Es algo que ya sabía ocurriría y no puedo evitar sentirme un poco triste, pues es algo que amo hacer, me divierte y me mantenía ocupada...pero bueno, a veces hay que sacrificar algunas cosas por otras que vienen y que serán diferentes, como dijera una Rosa en el Principito "Será necesario que soporte dos o tres orugas si quiero conocer a las mariposas", así que emprendo un nuevo camino esperando y deseando que todo salga bien y que las decisiones que tome sean las mejores y las correctas.

Espero poder seguir participando con el programa en un futuro no muy lejano, pues ya es parte de mí y no me gustaría que se perdiera. Fue algo increíble descubrir la locutora que llevo dentro, el aprender tantas cosas sobre el radio, el público, el cine y todo lo demás.

Fue año y medio que disfruté mucho, del que estoy orgullosa y que agradezco la oportunidad que se me dio de participar y quiero aprovechar para dar públicamente las gracias a mi compañera Karen por la oportunidad y por aguantar mis locuras, al buen Mike por las porras, a la Producer Jazmín y a Daniel por echarme la mano siempre y claro a todos ustedes, nuestro auditorio que lunes con lunes nos escuchó y acompañó en esta aventura.

Solamente quiero decirles que los extrañaré mucho y espero les haya gustado el programa, espero poder regresar más adelante, porque de mí no se van a librar tan fácil, por favor no me olviden y recuerden Curiosidades Fílmicas con cariño.

Me despido contenta y a la vez triste, pero satisfecha de que siempre les brindé mis mejores curiosidades y cada programa fue hecho con mucho cariño para entretenerlos, aprendimos juntos mucho del mundo del cine y les dejo una partecita de mi corazón, a cada uno de ustedes.

No es un adios sino un hasta pronto, les deseo mucha suerte y espero que sigan escuchando a Karen en La Dimensión Alterna.

¡Mil gracias por todo y Hasta Pronto!

P.D. Los dejo con este video con imágenes de Lord of the Rings y música de Andrea Bocelli.

Feliz Año

2008-01-05T13:12:00.000-08:00

El Staff de la Dimensión Alterna les desea que este 2008 esté lleno de buenas películas, muchas curiosidades y bendiciones para todos y cada uno de ustedes.

Que la Armonía, la Salud y la Unión, formen parte de este nuevo año en sus hogares, que se cumplan todos sus deseos y sus propósitos también.

¡¡ FELIZ 2008!!

Con cariño, Ale y Karen

Los dejamos con este video de las mejores películas del año que se despidió, que lo disfruten.

Feliz Navidad y Próspero 2008

2007-12-26T09:54:00.000-08:00

El equipo de la Dimensión Alterna les desea en estas fechas, que la Paz, la Armonía y los Buenos Deseos llenen sus corazones y sus hogares.

¡FELIZ NAVIDAD Y PRÓSPERO 2008!

Star Wars hasta en las calles

2007-12-21T16:28:00.000-08:00

Navegando por la red, en la página de Wookiepedia, un wiki para los fans de Star Wars, pudimos encontrar que existen algunas calles en la ciudad de Las Vegas, Nevada que llevan los nombres de algunos personajes de la famosa saga de George Lucas.

Este mapa es cortesía de Google Maps

Esta área se conoce como Paradise Valley y el grupo de calles nombradas como personajes de Star Wars está localizado entre Rawhide Street e East Russell Road. El pequeño vecindario está localizado al sur donde la calle 515 topa con East Tropicana Avenue.

Los nombres de calles incluyen:

Skywalker Avenue (este a oeste)
Tarkin Avenue (este a oeste)
Vader Avenue (este a oeste)
Kinobe Avenue [sic] (este a oeste)
Leia Street (norte a sur)

La calle llamada Lucas Avenue existe tabién al norte de Rawhide Street, y puede estar o no nombrada así en honor a George Lucas.

Así que en su próxima visita a la ciudad del pecado, no dejen de pasar por el vecindario para tomarse foto en la calle de su personaje favorito.

¡Hasta el próximo post!

Feliz Cumpleaños!!!

2007-12-18T19:23:00.000-08:00

Una felicitación con todo cariño de parte del equipo de La Dimensión Alterna a Steven Spielberg y a Brad Pitt que hoy cumplen años, al igual que una servidora.

HAPPY BIRTHDAY!!!

¡¡FELIZ CUMPLEAÑOS!!

Que cumplan muchos años más y continúen haciendo grandes cosas en el cine. ¡Hasta el próximo post!

El poster inicial de Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull

2007-12-13T16:36:00.000-08:00

Cortesía de la Dimensión Alterna y para todos los fans de Indiana Jones, ya salió el teaser poster de la nueva aventura cinematográfica de Indy.

Indiana Jones regresará en mayo a las pantallas, tras dos décadas de ausencia con 'The Kingdom of the Crystal Skull', una cinta que deparará muchas 'sorpresas', según prometió su productor, Frank Marshall, quien junto con George Lucas y Steven Spielberg nos trajeran la trilogía original.

La esperaremos con mucho gusto y emoción. ¡Hasta el próximo post!

Curiosidades Fílmicas - El Grinch

2007-12-10T15:05:00.000-08:00

Como todos los lunes les tenemos las curiosidades más divertidas del mundo del cine, en esta ocasión hablaremos de ese monstruo verde, amargado y envidioso que detesta la Navidad, el Grinch.

Este personaje verde y peludo nació de la imaginación del escritor estadounidense conocido como el Dr. Seuss. Apareció por primera vez en un libro para niños de 1957 titulado Cómo el Grinch se robó la Navidad. Al poco tiempo, en 1966 se creó una cinta de animación, un especial navideño producido por la Metro-Goldwyn-Mayer y su Estudio de Animación, dirigida por Chuck Jones.

En 1977, El Dr. Seuss respondió a la petición de un fan de más historias del Grinch escribiendo Halloween Es la noche del Grinch, un especial de Halloween estrenado en la cadena CBS. Como su predecesora, la secuela fue ganadora de un premio Emmy.

En 1982, Marvel Cómics lanzó la historieta The Grinch Grinches the Cat in the Hat, que también fue producida por el Dr. Seuss, bajo su nombre real Ted Geisel. Se hizo un especial televisivo que también ganó 2 Emmys e hizo su aparición en la pantalla grande en la cinta del 2000 dirigida por Ron Howard y estelarizada por Jim Carrey.

El Grinch en la cultura norteamericana es considerado ya parte de la Navidad y muchas veces parodiado fuera de la marca del Dr. Seuss sobre todo en estas fechas. Este personaje también se usa como referencia en momentos cuando un adorno navideño es arruinado por vándalos o se cometen robos navideños.

Fuera de la Navidad, el término "Grinch" se considera sinónimo de "gruñón".

Y para que vean como es el Grinch, les tenemos el video de la canción original "You're a Mean One, Mr. Grinch" de la cinta de 1968, cantada por Thurl Ravenscroft, quien solía ser la voz de El Tigre Toño de las Zucaritas en Estados Unidos.

Y también les tenemos los momentos clásicos del Grinch, pertenecientes a la cinta filmada en 2000 y estelarizada por Jim Carrey cortesía de YouTube.

¡Hasta la próxima!

Beowulf - El origen del héroe

2007-12-05T15:19:00.000-08:00

Últimamente este héroe mitológico invadió la pantalla grande en la cinta de animación protagonizada por Ray Winstone, Anthony Hopkins, John Malkovich y Angelina Jolie; estrenada hace unos días, en formato normal, Imax y 3D pero... ¿ustedes saben quién fue en realidad Beowulf?

El Origen de un Mito

Beowulf es el héroe del poema épico anglosajón homónimo, que fue escrito en inglés antiguo en verso aliterativo. Con 3.182 versos, contiene mucho más material que cualquier obra similar en su mismo idioma.

El único manuscrito que se ha conservado data del siglo IX o X. Aunque el poema no tiene título en el manuscrito, se le ha llamado Beowulf desde principios del siglo XIX.

Su importancia es comparable a la del Cantar de mío Cid en España o el Cantar de Roldán para los Galos. Se cree que el poema se redactó en la primera mitad del siglo VI, aunque este tema es objeto de debate. La acción que narra se sitúa en los siglos V-VI

Manuscrito original de Beowulf

El único manuscrito que se ha conservado data del siglo IX o X. Aunque el poema no tiene título en el manuscrito, se le ha llamado Beowulf desde principios del siglo XIX.

Su importancia es equiparable a la del Cantar de Mío Cid o el Cantar de Roldán. Se estima que el poema se redactó en la primera mitad del siglo VI, aunque este tema es objeto de debate. La acción que narra se sitúa en los siglos V-VI

¿De qué trata el poema?

Tiene dos grandes partes: La primera sucede durante la juventud de Beowulf, y narra cómo acude en ayuda de los daneses o jutos, que sufrían los ataques de un gigante (Grendel), y tras matar a éste, se enfrenta a su madre; en la segunda parte Beowulf ya es el rey de los gautas y pelea hasta la muerte con un dragón.

La historia se desarrolla en Dinamarca, donde el espléndido palacio de Heorot se ve asolado por los mortales asaltos del gigante-troll Grendel, que se ensaña con los criados y guerreros del rey Hrothgar, devorándolos.

Inesperadamente, se presenta en el palacio el joven Beowulf, príncipe de los gautas de Gëatlantt (la actual Suecia meridional), con un grupo de sus partidarios y ofrece al monarca destruir al monstruo. La primera impresión de Hrothgar es de escepticismo frente a las pretensiones del desconocido héroe, pero lo recibe gentilmente y al cabo de un espléndido banquete, le encomienda la tarea al recién llegado.

Grendel regresa esa misma noche a Heorot, derriba sus sólidas puertas y devora a uno de los guerreros gauta. Beowulf es despertado por el alboroto y acude en ayuda de la guardia, trabándose en lucha cuerpo a cuerpo con el engendro, que solo puede liberarse de su presa perdiendo a cambio uno de sus brazos y huyendo mortalmente herido.

A la mañana siguiente, todo es regocijo en Heorot, pero por la noche, Woktja, la madre de Grendel, mucho más monstruosa que su hijo, se presenta para vengarlo. Mata a varios hombres de Hrothgar y hiere gravemente a cien de ellos. Al día siguiente, Beowulf sigue su rastro a través de la pradera hasta su cueva, donde la encuentra. La mata y corta su cabeza y la del cadáver de Grendel, retornando a Heorot con sus trofeos. Tras un nuevo regocijo y ante la partida de Beowulf a su patria, Hrothgar le dedica un discurso de despedida, gratificándolo con honores y presentes.

Transcurre en el reino de Gëatlantt, donde un anciano Beowulf ha reinado por cincuenta años luego de suceder a Hygelac, quien ha muerto en batalla. En la última etapa de su vida, Beowulf se dispone a enfrentar a un temible dragón, con la sola ayuda de su sobrino Wiglaf.

Un hábil y osado ladrón logra penetrar en la cueva del dragón y roba una copa de plata incrustada de oro y piedras preciosas, parte del inmenso tesoro que guarda la bestia. Enfurecido, el dragón asalta y destruye el pueblo del ladrón, matando a todos sus habitantes.

Beowulf sale a su encuentro para vengar a su gente, pero la reacción del dragón ha aterrado tanto a sus súbditos, que solamente Wiglaf se apresta para acompañarle. Después de una cruenta batalla, ambos logran acabar con la bestia, pero Beowulf, gravemente herido, encomienda a su sobrino apoderarse del tesoro y utilizarlo para reconstruir el reino.

Pasa su torque de oro a Wiglaf, heredándole el mando del reino y finalmente, Wiglaf le da un funeral vikingo: el cuerpo de Beowulf es colocado en una pira funeraria flotante de maderos de roble e impulsado hacia mar abierto, mientras el mismo Wiglaf arroja una lanza en llamas a la balsa, incendiando los troncos, en tanto el cadáver del monarca se pierde en la lejanía.

Otras versiones afirman que fue enterrado según su voluntad, en un montículo, desde el que podía verse el mar y que llevaría su nombre.

¿Qué hay en un nombre?

Una serie de orígenes se han propuesto el nombre de Beowulf. En antiguas leyendas noruegas, es un héroe llamado Böðvarr Bjarki cuya identidad con Beowulf ha sido el motivo de mucho debate. Según el cronista Saxo Grammaticus el héroe mató a un oso, pero, de acuerdo con Hrólfs saga de kraka, él mató a un dragón, mientras que En Bjarkarímur, que mató a dos bestias como Beowulf mató a Grendel y a su madre. Un estudioso llamado Sarrazin también sugirió que el nombre de Beowulf se derivó de un error de traducción de Böðvarr donde - varr se interpretó como vargr que significa "lobo".

Según Henry Sweet, un filólogo y lingüista especializado en principios de las lenguas germánicas, que se propone que el nombre significa literalmente Beowulf en el Viejo Inglés "abeja de lobo" (bee + wolf) y que se trata de la palabra en lenguaje kenning para "oso". Esta etimología se refleja en nombres similares como: Biuuuwulf que se registra como un nombre en el 1031 CE Liber Vitae. El nombre se le atribuye a un monje de Durham y literalmente significa lobo abeja en la lengua del norte de Umbría. En el siglo 11 el libro Inglés Domesday Book contiene un caso registrado del nombre Beulf.

Y para probar su conocimiento en la materia, les vamos a hacer una trivia de Beowulf, accesen dando click aquí y platíquennos sus resultados.

¡Hasta el próximo post!

Top 10 Películas independientes

2007-11-26T14:16:00.000-08:00

Como ya es costumbre, les tenemos el Top 10 de cintas independientes, que no pueden perderse.

En la casilla número 10 tenemos a Mean Streets (1973) de Martin Scorsese, con las actuaciones de Harvey Kietel y Robert DeNiro. Cuatro jóvenes de Nueva York se reúnen todos los días en el club de Tony para charlar y tomar unas copas. Uno de los chicos, llamado Michael, tiene algunos negocios sucios, y con él colaboran Johnny y Charlie.

En el lugar número 9 tenemos Sideways (2004) de Alexander Payne, con Paul Giamatti, Sandra Oh (la recordarán por la serie Grey’s Anatomy), Thomas Hayden Church y Virginia Madsen. La trama gira alrededor de Miles (Paul Giamatti), un divorciado traumatizado con su experiencia sentimental, al que le gustaría ser novelista y que presenta una fijación por el vino, que decide agasajar a Jack (Thomas Haden Church), su viejo colega de la universidad y actor fracasado, con un viaje festivo a los viñedos del valle de Santa Ynez la semana antes de que Jack contraiga matrimonio.

En el lugar número 8 tenemos The Usual Suspects de 1995, dirigida por Bryan Singer y con Stephen Baldwin, Kevin Spacey y Gabriel Byrne, thriller efervescente y vanguardista, estupendamente bien escrito y dirigido, retrata las acciones de cinco sospechosos arrestados por el robo de un camión blindado. El arresto, aparentemente rutinario, desata una telaraña de intrigas donde cada uno de los personajes parece ser culpable de algo más que un simple robo.

En séptimo lugar tenemos Sexo,Mentiras y Video de Steven Soderbergh, su primera cinta que narra, con singular ritmo y puesta en escena, las relaciones personales y sexuales de cuatro treintañeros (dos antiguos amigos de la universidad y dos hermanas muy diferentes). Escrita en 8 días, rodada en un mes y montada en otro, con un presupuesto de apenas 1,2 millones de dólares... toda una exhibición de talento recompensada con una inesperada Palma de Oro en Cannes y que cuenta con las actuaciones de Andie McDowell, Peter Gallagher y James Spader.

La quinta mejor cinta de cine independiente en nuestro top 10 es Monty Python’s Life of Bryan de 1979, cinta británica dirigida por Terry Jones, con actuaciones de John Cleese, Terry Gilliam y Michael Palin, Delirante y divertidísima comedia que relata, a golpe de carcajada, la vida de un desastre de hombre, contemporáneo de Jesucristo, que es confundido por el pueblo con un Mesías. Que nadie se confunda: "Life of Brian" no es una amalgama de escenas absurdas que hacen reír, es una brillante sátira que desborda con un humor maravillosamente inteligente. Obra capital de los geniales Monty Python, su gozosa visión está llena de memorables gags que la encumbran como una de las mejores parodias de la historia del cine y que fue financiada nada más y nada menos que por el ex Beatle, George Harrison.

En cuarto lugar tenemos Clerks de 1994, de la mano de Kevin Smith, quien "conectó" con millones de jóvenes en esta ingeniosa comedia de diálogos explícitos, políticamente incorrecta, deslenguada, espontánea, baratísima (su presupuesto: 27.000 dólares), tan divertida como vulgar y con mucho ritmo. Todo un descubrimiento de los circuitos independientes que permitió a su director dar el salto al cine comercial -donde afortunadamente no perdió su irreverencia y que ganó en Cannes el premio de la juventud a la mejor película extranjera y en el Sundance el premio de los realizadores.

El tercer lugar de este conteo lo ocupa Terminator del año 1984, la cinta futurista de James Cameron, que luego lo catapultó para hacer cine más comercial (Titanic), con las inolvidables actuaciones de Arnold Schwarzenegger y Linda Hamilton, en la que se ofrece una espectacular película de aventuras con tintes catastrofistas donde hace su entrada en la sociedad del famoso un Schwarzenegger en el mejor papel de su discutida carrera: un androide malvado, venido del futuro, en busca de alguien que será la clave del futuro de toda la humanidad. Esta primera parte se considera independiente porque no contó con gran presupuesto y se filmó fuera de los sistemas de los estudios, ya para sus secuelas se contó con el cine más comercial que todos conocemos.

En el segundo lugar del top 10, está Donnie Darko dirigida en el 2001 por Richard Kelly, estelarizada por Drew BArrymore, Patrick Swayze y Jake Gyllenhaal, en la que Donnie es el perfecto chico norteamericano, dotado de gran inteligencia e imaginación. Tras escapar milagrosamente de una muerte casi segura, comienza a experimentar alucinaciones que le llevarán a actuar como no lo había hecho jamás, y a descubrir un mundo insólito a su alrededor. Una interesante cinta fantástica con toques de drama psicológico, premiada en numerosos festivales y que obtuvo el respaldo de gran parte de la crítica. Supuso la confirmación (tras despuntar en "October Sky") del hoy famoso Jake Gyllenhaal, además de contar con una estupenda banda sonora.

En primer lugar está Perros de Reserva, dirigida por Quentin Tarantino en 1992, que es para muchos la mejor ópera prima de los noventa y una de las mejores películas independientes del cine americano de las últimas décadas. Un desconocido Quentin Tarantino sorprendió con un violento thriller sin apenas acción, de trama apasionante, ingeniosos diálogos, contundente banda sonora, puesta en escena calculada y un montaje espacio-temporal diferente. Un film genial que rebosa talento que contó con las actuaciones de Tim Roth, Harvey Keitel, Eddie Bunker y el mismo director y que narra la historia de una banda organizada formada por seis individuos, algunos desconocidos entre sí y con nombres supuestos, atracan una empresa para llevarse unos diamantes. Pero, antes de que suene la alarma, la policía ya está allí.

Mención aparte merecen cintas de realizadores mexicanos como El Mariachi (1992) de Robert Rodríguez, ganadora del Premio del Público en el Festival Sundance, Rodada en dos semanas con poquísimos medios y un presupuesto de sólo 7.000 dólares. Gran éxito de taquilla y de crítica, que inspiró otras cintas como Pistolero y Érase una vez en México.

Amores Perros, la ópera prima de Alejandro González Iñárritu, estrenada en el 2000, que muestra un excelente collage urbano de México D.F., un brillantísimo y poderoso drama, dirigido con pulso firme pero con nervio, de deslumbrante factura y ritmo a pesar de su duración. Tres historias se entremezclan en tiempo y lugar en una sorprendente cinta que denuncia distintos aspectos de la sociedad mexicana -y occidental- de hoy en día. Candidata al Oscar a mejor película extranjera y en Cannes ganadora del Gran Premio Semana de la Crítica.

Otra cinta que cabe mencionar es “Pequeña Miss Sunshine”, cinta independiente del 2006 que llegó a estar nominada a la categoría de Mejor Película en los Oscares y que ganó en las categorías de Mejor Guión Original y Mejor Actor de Reparto, en la que nos narran la vida de una familia disfuncional que viaja para llevar a la más pequeña del clan a un concurso infantil de belleza y que fue filmada con un presupuesto de 8 millones de dólares y que aun así resultó triunfadora en los grandes circuitos del cine.

¡Hasta el próximo Post!

Cine Independiente

2007-11-26T14:07:00.000-08:00

Hoy nos adentraremos en los terrenos del cine menos comercial, no siempre apreciado por los el público en general pero que ha dado verdaderas joyas y excelentes directores: el cine independiente.

Una película independiente es una película que ha sido producida fuera de los grandes estudios cinematográficos y, en Estados Unidos, principalmente con personal no afiliado al sindicato. Por lo general es una producción de bajo presupuesto de una productora pequeña.

La nueva generación de cámaras digitales contribuye a que sea más fácil realizar películas y, por tanto, a una popularización del cine independiente a nivel internacional en la actualidad.

El cine independiente ha sido un constante esfuerzo por desligarse de la industria del cine. Pero ahora pasemos a hablarles sobre su historia y de dónde salió. A fines de la primera década del siglo veinte, la producción cinematográfica estaba dominada por la Motion Pictures Patents Company (M.P.P.C.); encabezada por Edison y que incluía a la Biograph, la Vitagraph, la Essanay y a los franceses Pathé y Mélies, entre otros.

A través de la MPPC, el "mago de Menlo Park" tenía el monopolio del naciente negocio cinematográfico: los productores tenían que pagar un impuesto de medio centavo por cada centímetro de película impresa, los distribuidores necesitaban contar con una licencia por la cual tenían que abonar 5000 dólares al año, entre muchas otras imposiciones. Aquellos que no cumplían, eran perseguidos de manera intensa, para lo cual Edison contaba con un grupo numeroso de investigadores privados, abogados y funcionarios.

Imaginen eso, era una situación algo difícil para los realizadores, por lo que un grupo de exhibidores y productores decidieron no acatar las duras condiciones impuestas por la MPPC y se agruparon creando sus propias organizaciones: la Independent Motion Picture Distributing and Sales y la Greater New York Film Company. Se denominaban a sí mismos Independientes (Edison los llamaba despectivamente "outlaws" – ilegales -).

Entre los integrantes de este grupo se encontraban Adolph Zukor (quien fundará la Paramount); Carl Laemmle (quien hará lo propio con la Universal); Wilhelm Fuchs, más conocido como William Fox (fundador de la Fox); los hermanos Warner (Warner Bros.); y Marcus Loew quien se unirá con Samuel Goldfish (Samuel Goldwyn) para dar nacimiento a la Metro-Goldwyn-Mayer.

Con el transcurso de los años, los ahora conocidos como cineastas independientes se enfrentan a las esquematizadas condiciones de producción que establecieron los independientes de antaño. Todo lo que se filma fuera del ámbito de los estudios, entonces es referido como independiente.

Esta definición potenció hasta límites impensables su utilización, sobrepasando las fronteras de Norteamérica hasta ser aplicados a determinados filmes producidos en países donde no existe una industria cinematográfica propiamente dicha.

Es muy probable que los cineastas se animaran a realizar sus producciones al surgir las películas de Cine clase B. Un tipo de cintas que apareció en los tiempos del sistema de estudios de Hollywood, entre los años 1930 y 1960.

Una cinta Clase B era una película realizada con bajo presupuesto y actores principiantes no reconocidos o en decadencia. La clasificación se siguió usando luego de la caída de dicho sistema y se asocia comúnmente a producciones de baja calidad. Las cintas de Ed Wood, son un claro ejemplo de la cinta de clase B típica.

La gran depresión de 1929 hizo que disminuyera el número de personas que iba al cine, por lo que los estudios comenzaron a presentar un doble programa, en el que incluían una cinta comercial y una clase B.

Para los estudios hacer estas películas les significaba una inversión menor, lo que hizo que muchos realizadores y productores desafiaran e innovaran en muchos aspectos cuestiones que eran imposibles de desarrollar en una producción clase A desde cuestiones estrictamente estilísticas hasta el desarrollo de diversos temas "prohibidos" o "moralmente ambiguos", impensables en un producto clase A. Esta "libertad creativa " llevó a que muchos vieran los orígenes del cine independiente en aquellas producciones. Porque si bien eran filmes que se realizaban dentro del sistema de estudios, los bajos presupuestos y la poca importancia que le daban los ejecutivos del estudio, hacían posible la experimentación, el riesgo, la osadía y la referencia a temas "tabú", cuestiones que escaseaban en las mayores producciones de los estudios. Algunos de los realizadores que se destacaron en este tipo de filmes son Joseph H. Lewis, Edgar Ulmer, Jacques Tourner y el genial Samuel Fuller.

Posteriormente, las compañías fundadas por los cineastas independientes crecieron y se transformaron en la industria del cine actual que ha creado todo un sistema comercial y un esquematizado sistema de producción del cual intenta apartarse el actual cine independiente.

Sin embargo, el término cine independiente ha sido explotado como un "género" por las distribuidoras a fin de comercializar sus productos. Son incontables los festivales de cine independiente, como el Festival de Cine de Sundance o los Independent Spirit Awards.

Uno de los precursores en el terreno del cine independiente, sin lugar a dudas, es Orson Welles. Más allá de su primer trabajo, llevado a cabo en unas condiciones únicas e irrepetibles dentro de la industria cinematográfica hollywoodense, Welles a lo largo de su extensa trayectoria, nunca claudicó ante las condiciones que quisieron imponerle a su labor creativa. Aunque, el costo que haya tenido que pagar haya sido tan alto. Como sostiene Jonathan Rosenbaum "Welles fue un independiente que financió sus propias películas cuando y cómo pudo".

Pero cuando se habla de cineastas independientes, uno de los primeros nombres en aparecer es el de John Cassavetes. Este director buscó financiamiento de las formas más variadas: Shadows fue "producida" por dos mil oyentes del programa de radio Night People Story (cada radioescucha aportó un dólar). "La obra de John Cassavetes alcanzaría para demoler cualquier suposición de que las restricciones, en el cine americano, terminan imponiéndose a la visión personal.

Pasando a hablar de las características del cine independiente, una de las más importantes está representada por sus fuentes de financiación. De ahí parte su independencia: poder filmar sin caer dentro de los rígidos esquemas del sistema de estudios.

El concepto de cine independiente está ligado al de cine de autor, aunque no son lo mismo. En este último, el director tiene un papel preponderante, casi siempre utiliza sus propios guiones y se encarga de otros aspectos como el sonido, la fotografía, etc., en la medida que lo desee y pueda. Esta libertad permite al cineasta expresar de forma personal la creatividad y plasmar sus sentimientos e inquietudes en la película.

Sin embargo, existen claros ejemplos de directores de renombre que lograron realizar películas de autor dentro de la industria: Scorsese, Woody Allen, los hermanos Coen y otros.

Otra característica del cine independiente es la temática, pues se ha caracterizado por abordar una serie de temas que el cine mainstream no tuvo en miras: los homosexuales, las drogas, la prostitución, la mentira del sueño americano, la decadencia de la familia, etc.

En cuanto a la estética del cine independiente, abarca diferentes formatos e ideas. Desde el blanco y negro, fotografía sucia, colores brillantes, etc.; forman parte de este abanico tan extenso.

No es posible dar una regla general para determinar que podemos denominar como un film independiente y cual no. Pero más allá de las características anteriormente mencionadas, el cineasta independiente tiene que poseer una visión artística propia, que le lleve a ser libre en el proceso creativo.

Otras características clásicas del cine independiente son: En cuanto a las situaciones: Son realmente extremas, sobre todo en el caso de la "La Delgada Línea roja" o "Happiness".

Con los actores: Todos están muy medidos, ninguno sobresale por encima del otro. En la película independiente se cuida mucho que el conjunto resulte homogéneo, para que sea un todo. En el cine de estudio se cuida más, por ejemplo, los efectos especiales, los protagonistas, etc... En el cine independiente todos los actores tienen una historia detrás, y muy bien no sabes a veces quien es el protagonista y quien el secundario.

El presupuesto es otra característica que ya les habíamos comentado y vamos a profundizar, salvo la "Delgada linea Roja", todas las demás cintas independientes son producciones de menos de 10 millones de dólares. El presupuesto promedio de una película de estudio son 25 millones. Como se puede ver, la diferencia es notable.

La escenografía de una cinta independiente, normalmente son ambientes intimistas, en los que los exteriores no asumen un papel destacado. "Celebrity" si usa los exteriores, pero como si fuesen interiores. Para Woody Allen, filmar en Manhattan es como rodar en el salón de su casa.

La Finalidad de una cinta independiente es muy curiosa, ninguna de estas películas pretende desbordar la taquilla. Todas buscan llegar a un público amplio, pero aun bastante selecto. No buscan ser comerciales ni tener muchas ganancias.

En cuanto a la Música: Uso de música también independiente, o de plano usan la recuperación de viejos hits. La ideología e estas cintas son progresistas, contra el sistema establecido, pero a veces, se esconde un cierto mensaje fascista si no se sabe distinguir a tiempo, así que hay que verlas con cierta reserva.

Ahora pasemos a los cineastas que han destacado en este difícil “género”, pues muchos directores consiguieron prestigio y reconocimiento trabajando en los circuitos independientes primero.

Las principales figuras de este tipo de cine se dieron a conocer en la década de 1980, Jim Jarmusch por ejemplo, después de sus cintas Extraños en el Paraíso y Bajo el peso de la ley, continuó cosechando buenos resultados con Noche en la Tierra y Dead Man.

Otro destacado en esta área fue Alan Rudolph, que se hizo famoso por obras como La Señora Parker y el Círculo Vicioso y Afterglow, además de cintas que se consideran clásicas como Elígeme y los Modernos.

Los guionistas John Sayles, Paul Schradeer y David Mamet progresaron en un camino lleno de altibajos en los circuitos independientes, aunque los reyes del guión independiente han sido los hermanos Coen, Ethan y Joel, con brillantes cintas Sangre Fácil, Fargo, El Gran Lebowski y O’Brother.

Otro cineasta independiente que ya les habíamos mencionado es John Cassavetes y por su puesto Orson Welles, quien utilizó todo lo que Hollywood le ofreció para crear Ciudadano Kane, su obra maestra.; además de George Lucas, John Sayles, Hal Hartley, Steve Buscemi, Quentin Tarantino, Woody Allen y Tom DiCillo

En esta década los nuevos cineastas que surgieron del circuito independiente son Paul Thomas con Boogey Nights y Magnolia, Larry Clark que escandalizó a la sociedad con sus cintas provocadoras Kids y al final del Edén; Kevin Smith con Clerks, Mallrats y Persiguiendo a Amy demostró que las comedias juveniles no tenían porque ser tontas.

Vincenzo Natali fue un director que sorprendió gratamente al público con Cube, una apasionante cinta fantástica de bajo presupuesto pero de propuesta fresca y mucho ingenio que presenta a una serie de personajes encerrados en un habitáculo con forma de cubo y que ya ha tenido sus secuelas.

Merecedor de mención es Darren Arofnowsky, un joven estudiante de matemáticas que gracias al festival Sundance se consagró al ganar el premio al mejor director por su ópera prima Pi, una original producción que costó solamente 60, 000 dólares.

Al igual que existen directores de prestigio, las producciones independientes cuentan con sus propias estrellas, que en muchos casos servirán de plataforma de lanzamiento para nuevos intérpretes. Entre los actores más queridos y más buscados en el cine independiente hay que señalar, por encima de cualquier otro a Harvey Keitel.

Este neoyorquino, nacido en 1947, inició sus pasos de la mano de Martin Scorcesse. En cuanto tuvo oportunidad viajó a Europa para conocer de primera mano el tipo de producciones que se realizaban allí en poco tiempo ganó notable prestigio entre sus compañeros, se mostró abierto a participar en cualquier tipo de proyecto que resultara interesante y esta política tan inteligente le permitió estelarizar cintas como Reservoir Dogs de Quentin Tarantino; El Teniente Corrupto de Abel Ferrara; El Piano de Jane Campion; La mirada de Ulises de Théo Angelopolous; Smoke de Wayne Wang o Clockers de Spike Lee.

Además el cine independiente nos dejó a lo largo de los 80’s sobre todo, muchas otras cintas muy estimulantes, como In the Soup de Alexandre Rockwell; Un paso en Falso, de Carl Franklin; Fresh, de Boaz Yakin; Una historia verdadera, de David Lynch; La última seducción, de John Dahl y ¿Quieres ser John Malkovich? de Spike Jonze.

Gracias a este circuito de cine, hemos podido acercarnos al cine de otros países, como por ejemplo el trabajo del iraní Abbas Kiarostami, con A través de los Olivos y El sabor de las Cerezas; o del director chino Zhang Yimou con trabajos como Semilla de Crisantemo, La Linterna Roja, Qui Ju y ¡Vivir!. El taiwanés Ang Lee llamó la atención con El Banquete de Boda y Comer, beber y amar; después dirigió Sensatez y Sentimientos y La tormenta de hielo; pero regresó a sus orígenes orientales con su cinta el Tigre y el Dragón que lo coronaron con un Oscar a Mejor Película Extranjera.

Desde Hong Kong llego hasta nosotros Won Kar Wai, quien nos ofreció el ritmo vibrante de Chungking Express y más tarde Deseando amar; y no podemos olvidar al realizador vietnamita Tran Anh Hung también dejaría precedente con cintas como El Olor de la Papaya verde y Cyclo. Y de la madre patria hay que mencionar a Pedro Almodóvar, con cintas como ¡Átame!, y Todo sobre mi madre, entre muchas otras.

Como pueden ver el cine independiente tiene su auge en muchos países y hay para todos los gustos, así que cuando escuchen que una película es independiente, ya saben por qué lo dicen.

¡Hasta el próximo post!

Cine Ochentero - Top 10, Videos y Más...

2007-11-12T10:44:00.000-08:00

Les tenemos aquí en su blog de La Dimensión Alterna, nuestro Top 10 de las películas ochenteras más representativas. Claro, cada quién tiene su propia lista, así que a lo mejor algunos no estarán de acuerdo con nosotras.

En el décimo lugar tenemos a Pelotón, esta cinta de 1986, dirigida por Oliver Stone, que nos narra la historia de el joven e inexperto soldado Chris Taylor (Charlie Sheen) que durante la Guerra de Vietnam conoce de cerca el horror, no sólo en la lucha de su pelotón contra el Vietcong sino también en el miedo, el cansancio físico y la angustia intensa. Mientras sus dos comandantes (Tom Berenger y Williem Dafoe) trazan la fina línea entre la guerra que sostienen contra el enemigo y la que mantienen entre ellos. La mejor película bélica sin lugar a dudas.

Los Cazafantasmas, de 1984 y dirigida por Ivan Reitman, ocupa el noveno lugar en nuestro conteo y nos presenta a los Drs. Venkman, Stantz y Spengler, doctores en parapsicología que se quedan sin empleo tras perder su beca universitaria de investigación. Entonces deciden formar la empresa "Los Cazafantasmas", dedicada a limpiar Nueva York de seres del más allá. Una de las comedias más taquilleras de todos los tiempos.

Del género de Terror adolescente tenemos en el octavo lugar a la cinta Los Muchachos Perdidos (1987), dirigida por Joel Schumacher y protagonizada por un joven Kiefer Sutherland, Corey Feldman, Corey Haim y Jason Patrick, con una banda sonora pegadiza y que nos narra como Sam y su hermano mayor Michael son los típicos jóvenes americanos con intereses normales pero después del divorcio de sus padres, y tras instalarse en la tranquila ciudad de Santa Carla, las cosas misteriosamente empiezan a cambiar. La personalidad de Michael se transforma. Y a su madre no le gustaría ver en lo que se está convirtiendo.

Pasemos ahora a la comedia romántica, en el séptimo lugar con el título que proyectó a Julia Roberts. Por supuesto que estoy hablando de la cinta Pretty Woman que cerró la década y que nos narra la historia de Vivian, una prostituta de Los Ángeles que es contratada por un apuesto y rico hombre de negocios (interpretado por Richard Gere) a acompañarlo por una semana y las situaciones que se van dando con el paso de los días. Esta cinta con su emblemática banda sonora y la fabulosa escena de las compras en Rodeo Drive es un clásico y fue dirigida por Gerry Marshall.

En la sexta posición tenemos Top Gun, Pasión y Gloria del año 1986, que popularizó el cine de pilotos, dirigida por Tony Scout y con brillantes actuaciones de Tom Cruise, Val Kilmer y Kelly McGillis nos lleva por la Marina de los Estados Unidos, donde se ha creado una escuela de élite para pilotos con el fin de sacar a lo mejor de lo mejor en expertos de técnicas de combate. A esta escuela, mejor conocida como Top Gun, llega el joven Maverick, famoso por su temeraria aunque brillante forma de pilotear. Consagró a Tom Cruise y con sus excelentes escenas con aviones, fue todo un ícono de la época.

En el quinto lugar están Los Goonies, cinta de aventuras y fantasía de 1985, dirigida por Richard Donner, que nos cuenta la historia de Mikey, un muchacho de trece años que junto con su hermano mayor y sus amigos, tiene una pandilla llamada "Los Goonies" quienes deciden subir a jugar al desván de su casa, donde su padre guarda antigüedades. Allí encuentran el mapa de un tesoro...Esta simpática película de aventura para adolescentes, partió de una historia de Steven Spielberg, y contó con el debut de actores infantiles como Corey Feldman, Sean Astin y Josh Brolin, además de una banda sonora compuesta por John Williams y un tema interpretado por Cindy Lauper.

En la cuarta posición está el entrañable y tierno extraterrestre E.T, que nos fue presentado por Steven Spielberg en 1981, cuenta la cinta la historia de un pequeño visitante de otro planeta que se queda en la Tierra cuando su nave se marcha olvidándose de él. Aquí se hará amigo de un niño, que lo esconde y lo protege en su casa. Juntos intentarán encontrar la forma de que el pequeño extraterrestre regrese a su planeta... antes de que los científicos y la policía de la Tierra lo encuentre. Esta peculiar historia de amistad entre un pequeño ser extraterrestre y un simpático niño sigue siendo, dos décadas después, una de las películas más tiernas y conmovedoras del cine americano moderno y fue el debut de Drew Barrymore.

En la casilla número dos tenemos al héroe de aventuras por excelencia, Indiana Jones, que con su debut cinematográfico en Cazadores del Arca Perdida, fue la delicia de chicos y grandes, entre ellos una servidora, donde Indiana Jones, un profesor universitario de arqueología, aventurero en pos de conseguir valiosas reliquias históricas que tras regresar de una infructuosa misión en Sudamérica, tiene una misión esperándolo por parte del gobierno estadounidense: la búsqueda del Arca de la Alianza, lugar en donde se cree que los hebreos depositaron los mandamientos que Dios había otorgado a Moisés, y cuya leyenda atribuye un invencible poder a quien lo posea. Por tal motivo, los nazis también van detrás de ella. Dirigida por Steven Spielberg y con las excelentes actuaciones de Harrison Ford, Karen Allen y con una historia escrita por George Lucas y Philip Kauffman, esta cinta presenta reinvención del cine de aventuras y el salto al estrellato del Harrison Ford, todo en un irresistible paquete.

Para cerrar este top 10, en el primer lugar tenemos Volver al Futuro estrenada en 1985 y que consideramos la más representatíva de la década, esta obra maestra del cine adolescente, dirigida por Robert Zemeckis nos presentó a Marty McFly, un adolescente amigo del Doc, un científico a los que todos menos él toman por chiflado. Cuando Doc crea una máquina para viajar en el tiempo en forma de un automóvil deportivo, Marty viaja accidentalmente al año 1955. Allí se encontrará con sus padres cuando eran jóvenes, pero impide su primer encuentro. A partir de entonces, y con el tiempo en su contra, McFly deberá conseguir que se enamoren para que se casen y él no deje de existir. Tuvo dos secuelas super divertidas y contó con las actuaciones de Michael J. Fox, Christopher Lloyd y Lea Thompson.

Y para completar este especial, les tenemos una trivia de cine ochentero, asi que midan sus conocimientos aqui.

Claro que no podía faltar un video, con las mejores escenasy diálogos del cine ochentero, que lo disfruten.

¡Sigan sintonizando la Dimensión Alterna por Radio Creswin, tu mejor opción de Radio por Internet.

de ustedes

Noticias - Guerra de Consolas

2007-11-07T14:55:00.000-08:00

Si tus eres de los que se preocupa porque cada vez las consolas tienen una vigencia muy corta en el mercado y necesitas estar continuamente actualizándote para poder disfrutar de títulos de buena calidad.

Entonces igual puedes adquirir un Nintendo, ¿Por qué?

Satoru Iwata, presidente de la compañía. La empresa de Japón no tiene planes de lanzar nuevos

sistemas de entretenimiento por el momento, aunque continúa trabajando en investigar nuevas posibilidades dentro del ocio electrónico

"El tiempo de lanzar un nuevo sistema llegará cuando veamos que ya lo hemos hecho todo con la máquina actual", asegura Iwata, que ejemplifica en tono bélico: "Sólo necesitaremos una nueva arma cuando no podamos luchar más con lo que tenemos a día de hoy. La situación actual indica que no estamos desesperados para buscar nuevo arsenal".

El presidente de Nintendo ha centrado su visión en asegurar que el habitual curso vital de las consolas -estimado en cuatro años, aproximadamente- ya no es válido con las condiciones del mercado actual. Con todo, Iwata descartó el lanzamiento de nuevas versiones de Nintendo DS.
Así que si deseas dejar de sufrir por los altos costos de las nuevas consolas, o la falta de juegos para tus otros sistemas, bueno Nintendo parece ser una buena opción a largo plazo.

Y mientras Nintendo asegura un largo tiempo de vida para sus consolas, Microsoft también hace sus propias declaraciones al respecto.

Microsoft estima un tiempo de vida mayor de 5 años para su X-box360
La vida comercial útil de Xbox 360 aspira a superar el tradicional ciclo de cinco años habitual en el sector. La segunda plataforma comercializada por Microsoft pretende contar con una trayectoria similar a Playstation 2, que mantiene su presencia en el sector siete años después de su lanzamiento.

Según informa Reuters, Mindy Mount, de Microsoft, ha declarado en un encuentro comercial que la compañía espera mantener la plataforma viva durante más de cinco años. "Mira Playstation 2; cuenta con una extensa trayectoria y parece tener una excelente base", asegura Mount. Microsoft lanzó Xbox 360 a finales de 2005, justo cuatro años después de comercializar la primera Xbox.

Los nuevos formatos de vídeo en alta definición, las capacidades multimedia de las videoconsolas y la oferta técnica de su potencial garantizarían, según Mount, esta amplitud de años en el ciclo vital de las consolas de nueva generación. Durante esta misma semana, el presidente de Nintendo Satoru Iwata declaró, al igual que Mount, que el ciclo vital de las consolas ya no es tan cerrado como antaño, sino que depende de nuevos factores.

Sony por su parte confirma el lanzamiento de una nueva versión del PS2
La llegada a Japón del nuevo modelo de Playstation 2 se hará efectiva el próximo 22 de noviembre, según ha anunciado Sony.

El modelo SCPH-90000 ofrecerá el mismo diseño y tamaño que la actual Playstation 2 Slim, aunque incorporará de serie en el interior de la máquina la fuente de alimentación, hasta el momento externa en el último diseño de la consola. De este modo, el peso de la máquina aumenta hasta los 720 gramos, cien gramos más que la consola actual, aproximadamente. La compañía lanzará la consola en diversos colores por 16.000 yenes, actual precio de la plataforma en Japón, por lo que se descarta de momento una rebaja en su precio. Del mismo modo confirma que la producción de títulos para la misma seguira adelante, a pesar de tener a su PS3 ya en el mercado.

Así que para los que somos usuarios de esta consola son buenas noticias que nos indican que aún hay tiempo de vida para esta. Mientras disfrutamos de los nuevos lanzamientos que las casas desarrolladoras tengan para nosotros.

Trivia - Películas de Deportes ¿qué tan fan eres?

2007-11-05T14:01:00.000-08:00

Si te gustan las peliculas de deportes, esta trivia es para tí, accésala haciendo click aquí y checa qué tanto sabes de cine deportivo.

Y además les presentamos un video, cortesía de Curiosidades Fílmicas con los héroes deportivos del cine:

Top 50 de películas deportivas

2007-11-05T10:33:00.000-08:00

A los cineastas siempre les inspiró representar los retos y el entusiasmo deportivos y las proezas de los deportistas. La lista de las películas deportivas es extensa.

En el post del día de hoy, haremos un recorrido por las 50 mejores películas deportivas, según la revista Sports Illustrated, si tienen alguna sugerencia o notan que falta alguna, no dejen de comentar.

1. Bull Durham (1988) Kevin Costner, Tim Robbins: beisbol
2. Rocky (1976)Sylvester Stallone, Carl Weathers: box
3. Raging Bull (1980) Robert De Niro, Cathy Moriarty: box
4. Hoop Dreams (1994)basquetbol
5. Slap Shot (1977) Paul Newman, Michael Ontkean: hockey
6. Hoosiers (1986) Gene Hackman, Dennis Hopper: basquetbol
7. Olympia (1936) juegos olímpicos
8. Breaking Away (1979) Dennis Christopher, Paul Dooley: ciclismo
9. Chariots of Fire (1981) Ben Cross, Ian Charleson: atletismo
10. When We Were Kings (1996) boxeo

11. Bang The Drum Slowly (1973) Robert De Niro, Michael Moriarty: beisbol
12. Dogtown and Z-Boys (2002) patineta
13. A League Of Their Own (1992) Tom Hanks, Geena Davis: beisbol
14. The Freshman (1925) Harold Lloyd, Jobyna Ralston: futbol americano
15. The Endless Summer (1966) surfeo
16. North Dallas Forty (1979)Nick Nolte, Mac Davis: futbol americano
17. Brian's Song (1971) James Caan, Billy Dee Williams: futbol americano
18. Caddyshack (1980)Bill Murray, Chevy Chase: golf
19. Downhill Racer (1969) Robert Redford, Gene Hackman: esquí
20. Requiem for a Heavyweight (1962) Anthony Quinn, Jackie Gleason: boxeo

21. Pumping Iron (1977) fisiculturismo
22. The Set-Up (1949)Robert Ryan, George Tobias: boxeo
23. The Hustler (1961) Paul Newman, Jackie Gleason: billar
24. Searching for Bobby Fischer (1993) Max Pomeranc, Ben Kingsley: ajedrez
25. Horse Feathers (1932)Los hermanos Marx : futbol americano
26. The Bad News Bears (1976) Tatum O'Neal, Walter Matthau: beisbol
27. National Velvet (1944) Elizabeth Taylor, Mickey Rooney: carreras de caballos
28. Eight Men Out (1988) John Cusack, David Strathairn: beisbol
29. Rollerball (1975) James Caan, John Houseman: deportes futuristas
30. The Rookie (2002) Dennis Quaid, Rachel Griffiths: beisbol

31. Baseball - A film by Ken Burns (1994) Documentary: beisbol
32. Vision Quest (1985) Matthew Modine, Linda Fiorentino: lucha libre
33. Fat City (1972) Stacy Keach, Jeff Bridges: box
34. Everybody's All-American (1988) Dennis Quaid, Jessica Lange: futbol americano
35. Million Dollar Legs (1932) W.C. Fields, Jack Oakie: olimpiadas
36. Jerry Maguire (1996) Tom Cruise, Cuba Gooding Jr.: futbol americano
37. The Goalie's Anxiety at the Penalty Kick (1971) Arthur Brauss, Erika Pluhar: soccer
38. Field of Dreams (1989)Kevin Costner, James Earl Jones: beisbol
39. The Harder They Fall (1956) Humphrey Bogart, Rod Steiger: box
40. The Longest Yard (1974) Burt Reynolds, Eddie Albert: futbol americano

41. Remember The Titans (2000) Denzel Washington, Will Patton: football
42. The Pride of the Yankees (1942) Gary Cooper, Teresa Wright: beisbol
43. Fists of Fury (1971) Bruce Lee, Maria Yi: artes marciales
44. The Deadliest Season (1977) Michael Moriarty, Kevin Conway: hockey
45. Grand Prix (1966)James Garner, Eva Marie Saint: carreras de autos
46. Any Given Sunday (1999) Al Pacino, Cameron Diaz: futbol americano
47. It Happens Every Spring (1949) Ray Milland, Jean Peters: beisbol
48. The Bingo Long Traveling All-Stars & Motor Kings (1976) Billy Dee Williams, Richard Pryor: beisbol
49. Phar Lap (1983) Tom Burlinson, Ron Liebman: carreras de caballos
50. Best In Show (2000) Christopher Guest, Eugene Levy: competencias caninas

Esperamos les haya gustado este recorrido por el deporte en el cine, no dejen de sintonizar el programa y solicitarnos temas tan divertidos como este.

Unidos apoyemos a Tabasco!!!

2007-11-02T10:16:00.000-07:00

A todo nuestro auditorio les queremos enviar este mensaje:

La situación en el estado de Tabasco es crítica, las inundaciones y las lluvias han dejado a muchos damnificados, gente que se ha quedado sin casa, sin comida y sin ayuda, pero si nos unimos todos podemos aportar nuestro granito de arena y apoyarlos.

Las formas en que podemos ayudar son muchas y muy variadas: se necesitan alimentos enlatados, leche en polvo, agua embotellada, pilas, medicamentos vigentes, colchonetas, jabones, abrelatas, pastillas potabilizadoras de agua, pañales, mantas y cobijas, despensa básica, ropa y también donativos monetarios.

Para las donaciones monetarias pueden donar en:
BANAMEX
Fomento Social Banamex
Realiza tu aportación a la
Cuenta: 23
Sucursal: 100
a nombre de Fomento Social Banamex

CRUZ ROJA
A nombre de Cruz Roja Mexicana, Institución de Asistencia Pública, en la cuenta 0401010115, de BBVA Bancomer.

La Secretaría de Administración y Finanzas.
BANAMEX
2001695137
HSBC
4000943274
Ambas cuentas a nombre de la Secretaría de Administración y Finanzas del Gobierno del Estado de Tabasco.

Centros de Acopio en el D.F.
Calle Berlín número 33 esquina Marsella, colonia Juárez, delegación Cuauhtémoc (cerca de los Metros Insurgentes y Cuauhtémoc), desde las 08:00 hasta las 21:00 horas, de lunes a viernes.

La Cruz Roja Mexicana también recibe apoyo para damnificados en Juan Luis Vives 200, colonia Los Morales-Polanco, entre Homero y Ejército Nacional, (cerca del Metro Polanco, a espaldas de hospital central de la Cruz Roja) en un horario de 08:00 a 18:00 horas, de lunes a viernes.

Las tiendas Elektra de toda la República van a funcionar también como centros de acopio y estarán abiertas de 9 a 9 todos los días.

Números 01 900 para cargos automáticos (HABILITADOS DESDE EL 1 DE NOVIEMBRE )- 01-900-849-0020 para donar $20.00- 01-900-849-3100 para donar $100.00- 01-900-849-9200 para donar $200.00- 01-900-849-3500 para donar $500.00* En las sucursales de BANCO AZTECA en la cuenta "Ayuda a Tabasco"* Con cargo a tarjeta de crédito 01 800 66 79 441* Teléfono para habilitar los 01 900: 01 800 123 49 00También puedes apoyar llevando a las instalaciones de TV Azteca del todo el país, a las tiendas Elektra y delegaciones de la Cruz Roja en la zona sur y centro lo siguiente: Alimentos enlatados, agua embotellada, cobertores, toallas femeninas, papel higiénico, abre latas, pañales desechables, pilas, medicamentos y desinfectantes.Número de información para MOVIMIENTO AZTECA01 800 66 79 441

Albergues en Villahermosa, Tabasco
Este es el nombre de todos los albergues disponibles en la ciudad de Villahermosa, donde se brinda atención médica, alimentos, ropa y cuidados, así como también la búsqueda de familiares, por si tienen alguien por alla y puedan saber algo:

Cebetis 32.
La polvora.
Iglesia San Joaquin.
Cebetis 163.
Gym Ateneo.
Cendi Zaragoza.
Casino Tabasqueño
Bodega chesura(frente al arji)
Secundaria Tecnica 1
Escuela 1ro de Mayo
Tecnica 11
Catedral
Escuela Normal Terceradel Aguila
Escuela Primaria José Morgan
Estacionamiento de Plaza Tabasco 2000.
Centro de Convensiones Tabasco 2000.

Exhortamos a toda la población a que nos ayude a apoyar a nuestros hermanos del estado de Tabasco, para que juntos afrontemos esta tragedia y los ayudemos a salir adelante.

Fatal Frame - el juego más terrorífico de la historia

2007-10-31T10:23:00.000-07:00

En Japón es conocido Proyecto Zero, Fatal Frame en America. Esta serie de videojuegos se compone de 3 partes, dentro de las cuales destacan los elementos de suspenso más reconocidos en a historia del género. Así como se hace mención de leyendas reales y rituales.

Narra la historia de Miku Hinasaki, una chica que se adentra en al mansión Himuro en busca de su hermano Mafuyu, que a su vez fue en busca de Junsei Takamine, un escritor de novela negra. Pero allí Miku descubrirá que la mansión está maldita por Kirie, una chica que realizó el ritual de estrangulamiento y sus habitantes fantasmales, a los que deberá enfrentarse con ayuda de la cámara oscura. Allí descubrirá cosas de su pasado, el por qué de que pueda ver a los fantasmas y más...

Personajes:
Miku Hinasaki: Protagonista de la historia, desde pequeña puede ver fantasmas, al igual que todos los de su familia. Por ello le costaba mucho hacer amigos. Acude a la mansión himuro en busca de su hermano mayor.

Mafuyu Hinasaki: Hermano de Miku. Fue en busca de Junsei Takamine a la mansión Himuro y desapareció. Al parecer fue capturado por Kirie, porque se parecía mucho a su antiguo amor.
Miyuki Hinasaki: Madre de Miku y Mafuyu, poseía el mismo poder que sus hijos. Murió en extrañas cirscuntancias, pero antes de morir le entregó la cámara a Miku, que ella a su vez heredó de su madre, Mikoto. Se parecía mucho a su abuela, Yae.

Junsei Takamine: Escritor de novela negra, atravesaba un momento dificil, por lo que decidió que su próximo libro sería un auténtico bestseller acerca de los rituales de la familia Himuro, pero desapareció cuando fue a la mansión Himuro a investigar con su editor y asistente. Logró averiguar el paradero del primer trozo del espejo sagrado, pero cuando estaba a punto de hacerse con él Kirie le mató en una grotesca crucifixión y luego los fantasmas arrojaron su cuerpo desde el techo del santuario.

Koji Ogata: Editor de Takamine. Desapareció en la mansión Himuro cuando fue a investigar con Takamine e Hirasaki. Fue el primero de los tres en morir, mientras intentaba esconderse de Kirie en un armario. Tomoe y Junsei encontraron su cadaver con los miembros desencajados.
Tomoe Hirasaki: Asistente de Takamine, desapareció mientras investigaba con Takamine y Ogata. Ella presentía que la mansión estaba encantada gracias a su sexto sentido. Pero no quería perder la oportunidad de trabajar con Takamine. Murió estrangulada por Kirie.

Mikoto Munakata: Madre de Miyuki y abuela de Mafuyu y Miku. Fue a la mansión Himuro con sus padres Yae y Ryozo, y el fantasma de Kirie niña la salvó de Brazos largos, que atrapó y mató al resto de niños con quienes jugaba. Fue encontrada amnesica y con la cámara obscura a mucha distancia de la mansión pocos días después de que sus padres muriesen, y fue adoptada por la familia Hinasaki.

Ryozo Munaka: Experto folclorista esposo de Yae y padre de Mikoto. Tras huir del pueblo de All God donde su maestro Seiji fue asesinado en el ritual Kusabi (Project Zero II: Crimson Butterfly), encontró a Yae, que tambíen había huido, se enamoraron y se casaron años más tarde. Acudió a la mansión Himuro para investigar los rituales con su mujer y su hija, y todo fue bién hasta el día en que Mikoto desapareció y Yae se suicidó. Tras lograr abrir la puerta del infierno con la máscara cegadora, los espíritus que había al otro lado le mataron. Miku encuentra su cadaver con uno de los trozos del espejo.

Yae Munakata: Esposa de Ryozo y madre de Mikoto. Tras huir del pueblo de All God dejando atrás a su hermana gemela Sae (Project Zero II: Crimson Butterfly), se encontró con Ryozo, que también había logrado huir, se enamoraron y tuvieron una hija. Años más tarde ella acudió junto con su familia a la mansión Himuro para que su esposo investigara los rituales de la familia Himuro, allí descubrió una segunda cámara obscura como la que usaba Seiji, el maestro de su esposo. Un día, su hija y el resto de los niños desaparecieron mientras jugaban a Atrapa al demonio, al no encontrarla, creyó que la había perdido del mismo modo que perdió a su hermana Sae y se suicidó ahorcándose de un árbol del jardín.

Después de que Kirie cumpla su destino y selle la puerta del infierno, liberando al resto de fantasmas, toma su apariencia de niña y se introduce en el cuerpo de Miho Amakura sabiendo que ella y su hermana Mayu son atraidas al pueblo de All God para así reencontrarse con el espíritu de Sae (Project Zero II: Crimson Butterfly).

Nota: Esto último solo se ve en el final exclusivo para Xbox de Project Zero II.

Kirie: Fantasma de una mujer joven de pelo largo y vestida de sacerdotisa que ronda por la mansión. Ella es quién controla la casa y a los demás fantasmas, toda la historia gira en torno a ella. Debía estar aislada del mundo exterior para que el día del ritual de estrangulamiento no echase nada de menos, pero se enamoro de un visitante, un chico muy parecido a Mafuyu. Al negarse a cumplir con su deber de mantener la puerta maldita cerrada debido a su enamoramiento, las sogas utizadas para matarla y que debían mantener sellada la puerta se rompieron y la oscuridad que había al otro lado se adueñó de ella y la convirtió en un espíritu maligno. Desde entonces, ella y los demás fantasmas asesinan a todo el que entre en la mansión. Solo el espejo sagrado puede liberarla.

Kirie niña: El lado bueno de Kirie, que se manifiesta como un espíritu con la apariencia de Kirie cuando era niña, antes del ritual de estrangulamiento. Ayuda a Miku varias veces a lo largo de la historia, y también ayudó a Mikoto Munaka, la abuela de Mafuyu y Miku, cuando era niña, a escapar del espíritu Brazos largos y huir de la mansión.

En la mansión Himuro hay varios rituales, dos de ellos son:
El ritual del demonio ciego: Es el ritual en el que se colocaba una máscara con pinchos en los ojos a una mujer, dejándola ciega y convirtiéndola en el "demonio ciego". Después de ello, la mujer se veía obligada a participar en un juego en el que debía atrapar a unas niñas que se escondían por toda la casa, la 1ª en ser atrapada sería el próximo "demonio ciego", y la última en ser atrapada sería la escogida para ser sacrificada en el ritual de estrangulamiento. Luego, la máscara era colocada en la boca del infierno para cegar a los espíritus del otro lado.

El ritual de estrangulamiento: Es el ritual principal de la historia, se trata de ahorcar a una sacerdotisa de la cabeza y extremidades tanto superiores como inferiores que haya estado aislada del exterior durante 3660 días exactos. Después la soga empleada se ataba a la llamada puerta del infierno para que la oscuridad no pase de la puerta, pero Kirie se negó a cumplir con su deber y tenía demasiado apego a la vida, por lo que su soga no obtuvo el poder necesario y se partió abriéndo la puerta y rompiendo el espejo sagrado, haciendo que la oscuridad se apoderase de su alma y convirtiéndola en el ser maligno que es ahora.

La cámara Oscura la única arma con la que cuentas en el juego. La cámara obscura es capaz de fotografiar las cosas que no se ven a simple vista. Fue creada por el señor Asou al igual que el proyector y la radio de piedra o radio de cristal.

La segunda serie se basa en una leyenda real japonesa “Crimsom Buterfly”
La historia del juego cuenta la historia de dos hermanas gemelas japonesas, Mayu y Mio, que estaban en un parque jugando, cuando de repente una de ellas, Mayu, siente una extraña presencia, y parece ver lo que es una mariposa de color carmesí.

Ella decide seguirla, y su hermana al verla irse, decide seguirla por una senda en un espeso bosque hasta que llegan a lo que parece ser un pueblo abandonado, cubierto por una extraña oscuridad. Ellas deciden investigar en las casas, comenzando por la principal, siguiendo el instinto de estas extrañas mariposas. A través de notas e manuscritos van descubriendo que pasó allí. Encontrarás una cámara llamada la cámara oscura, esta te permitirá ver a los espíritus,que a través de carretes podrás fotografiar y hacerles daño. También cuentas con una radio, la radio de cristal, en la cual podrás oír mensajes de los espíritus a través de los cristales y minerales que dejan cuando los derrotas.

Cuenta la historia de un pueblo japones, All God, aislado del resto del mundo. En este pueblo se solía hacer una serie de sacrificios humanos para no enfadar al abismo sagrado, en el que, supuestamente, habitaba un gran poder maléfico. Uno de los sacrificios, el de los gemelos Itsuki y Mitsuki, salió mal, por lo que Ryokan Kurosawa, el patriarca de la aldea, decide que en el siguiente Ritual carmesí participaran sus dos hijas gemelas Yae y Sae, pero a Yae le horrorizaba la idea del ritual y tras convencer a su hermana Sae, deciden huir al mundo exterior. Logran salir del pueblo con la ayuda de Itsuki, pero mientras huyen por la senda que les llevará al exterior Sae tropieza y cae en un terraplen, y su hermana Yae no se da cuenta, por lo que sigue adelante dejando a Sae atrás, en manos de los fanáticos habitantes del pueblo.

Los aldeanos no saben que hacer, ya que solo tienen a Sae y necesitan a su hermana también para realizar el Ritual carmesí, pero al final, Ryokan decide hacer el sacrificio de todas formas; los sacerdotes ahorcan a Sae y arrojan su cadaver al abismo sagrado. Pero al realizar el ritual con solo una gemela, el poder maldito del abismo se desata, cubriendo el pueblo con una oscuridad eterna y poseyendo a Sae, que junto con el kusabi (guardián del abismo) acaban con todos los habitantes del pueblo y condenan a sus almas a permanecer allí por toda la eternidad, en el desastre conocido como "El Infortunio", igual que en Project Zero I.

Desde entonces, el pueblo quedó atrapado eternamente en la noche del ritual y el único sonido que se oye, de vez en cuando, es la risa diabólica de Sae. Todo aquel que se adentre en el bosque y cruce la puerta Sinto que marca la entrada del pueblo jamás podrá regresar.

Ritual carmesí: Consistía en que una pareja de gemelos hicieran un rito frente al abismo sagrado, en el que el gemelo mayor (que nació el primero) estrangulara al menor y arrojara su cadaver al abismo sagrado. Al hacerlo, el pelo del gemelo mayor se volvía blanco y en su cuello aparecía la marca de una mariposa, el gemelo menor se convertía en un espíritu con forma de mariposa carmesí y regresaba al pueblo.

Se suponía que así, ambos gemelos se hacían uno y adquirían el poder de una deidad para proteger al pueblo del poder maléfico del abismo. Los gemelos que seguían con vida eran llamados "los que quedan", y eran temidos y respetados, pero al parecer finalmente acababan muriendo de pena. Si los gemelos eran chicos, se llamaban "Gemelos del altar", y si eran chicas eran las "Doncellas gemelas".

Ritual kusabi: Este ritual se hacía como preparación para el ritual carmesí. En él, un "extranjero" de fuera del pueblo era suspendido en el aire mediante sogas en la antesala del abismo y después, los sacerdotes le herían brutalmente en el cuerpo con lanzas, dejándole al borde de la muerte. Después se le descolgaba y, si todavía estaba vivo, se le arrojaba al abismo para convertirlo en un kusabi. Si la persona ya había muerto cuando la descolgaban, se consideraba un kusabi fallido y su cuerpo era sepultado en las paredes del pasillo que conectaba la antesala con la sala del abismo.

"Project Zero 3: The Tormented" es la tercera entrega de la popular saga de videojuegos Project Zero de temática Survival Horror conocida también como "Fatal Frame" en EE.UU y "Zero" en Japón.
La secuencia introductoria del juego muestra como Rei Kurosawa sufre a manos del volante un trágico accidente de coche en el que su novio Yuu pierde la vida, quedando ella muy afectada psicológicamente. Tras dos meses todavía intenta superar la pérdida. Rei trabaja como fotógrafa. Durante su trabajo, en una casa en ruinas, toma una foto en la que aparece su difunto amante, lo cual sumerge a Rei en un peculiar sueño que la transporta a una mansión de aspecto clásico japonés en la que habitan numerosos fantasmas. Mientras explora la mansión, Rei descubre extrañas habitaciones y rituales olvidados del pasado, y en el centro de todo el asunto una mujer, Reika, la sacerdotisa tatuada, quien parece ser la artifice de todo lo que ocurre en la casa.

A medida que Rei se adentra cada vez más en la casa con cada sueño, descubre que un tatuaje idéntico al de Reika se extiende cada vez más por su cuerpo, como si fuera una infección. Si Rei no logra averiguar el misterio del pasado que se esconde tras Reika y la mansión del sueño, caerá víctima de la maldición del tatuaje, y se verá condenada a abandonar el mundo de los vivos y a vagar por la casa como espíritu por toda la eternidad, como otros muchos antes que ella...

A lo largo del juego Rei se sumergirá en una especie de dos mundos; el real y el de sueños. Pero no estará sola ya que a lo largo de la aventura la acompaña Miku, amiga de Rei y protagonista del primer "Project Zero", y Kei, un joven editor tio de Miho y Mayu, las gemelas protagonistas de "Project Zero II: Crimson Butterfly", que también son atraídos a la mansión del sueño.

Personajes
Rei Kurosawa: Es la heroina principal del juego. Tiene 23 años y es fotógrafa profesional. Tras la trágica muerte de su novio Yuu en un accidente de coche en el que ella conducía, le encargan hacer unas fotos de una vieja casa en ruinas supuestamente embrujada, para un reportaje. Pero mientras ella y Miku están en la casa, Rei toma una fotografía en la que aparece el fantasma de Yuu, y poco después es atraída a la Mansión del sueño en sus sueños, donde ve a Yuu adentrándose en ella. A medida que explora la siniestra casa, Rei es tocada por Reika, la sacerdotisa tatuada, y un tatuaje azul con forma de sepiente comienza a extenderse inexorablemente por su cuerpo. Después que una niña fantasma le entregue la cámara obscura, Rei descubre que muchos de los espíritus que hay en la mansión llevan el mismo tatuaje, por lo que deberá averiguar el misterio que se esconde tras Reika y la mansión, antes de que sea demasiado tarde...

Miku Hinasaki: Protagonista del primer Project Zero y coprotagonista de la historia. Tras haber perdido a su hermano Mafuyu tras los sucesos de la mansión Himuro, Miku ahora tiene 19 años y es la ayudante de Rei, compartiendo piso con ella. Ella se encarga de buscarle información a Rei acerca de los fantasmas de la mansión o de las extrañas salas y elementos de rituales olvidados que aparecen en ella. Sin embargo, Miku también es arrastrada a la mansión por el recuerdo de Mafuyu, y un tatuaje rojo comienza a extenderse por su cuerpo. Posee un amuleto sagrado, que le permite ralentizar los movimientos de los espíritus. Con la ayuda adicional del fantasma de Amane Kuze, que simpatiza con ella, Miku intenta averiguar el secreto de la mansión, pero ¿logrará librarse de la maldición, o el recuerdo de su hermano le arrastrará inebitablemente a un trágico final?

Kei Amakura: Coprotagonista de la historia. Es un joven editor y el tio de Miho y Mayu, protagonistas de Project Zero II. Kei se adentra en la mansión con intención de salvar a su sobrina Miho, a quien los remordimientos por la muerte de Mayu han hecho caer víctima de Reika y la mansión del sueño. Era un gran amigo de Yuu, el novio de Rei, y lamenta mucho su muerte. Kei posee la habilidad especial de esconderse, que le permite ocultarse de los fantasmas y que estos no sientan su presencia. A lo largo del juego, envía a Rei cintas de casete con testimonios de personas que también fueron víctimas de la mansión del sueño y la maldición.

Yuu Aso: Novio de Rei, que falleció en un accidente de coche en el que Rei conducía a la edad de 24 años. su imagen aparece misteriosamente en una de las fotos que Rei toma en la casa encantada, y vemos a su espíritu varias veces en el juego adentrándose en la mansión. Era un gran amigo de Kei Amakura y Mafuyu Hinasaki, el hermano de Miku. Le encargaron la custodia de Miku tras la desaparición de Mafuyu, y tras su muerte esta pasó a manos de Rei, quien se había hecho amiga de Miku. Antes de su muerte, investigaba acerca de la Cámara obscura y de la leyenda urbana de la "Mansión del sueño". Su habitación está llena de libros y documentos acerca del mundo espiritual y de folklore que proporcionan informaciones muy valiosas en el juego.

Yoshino Takigawa: Otra víctima de la maldición del tatuaje. Es una mujer joven que yace en el hopital Katsuragi en un profundo coma por culpa de Reika, y está atrapada en el mundo de los sueños. Ella fue la única superviviente de un horrible accidente de avión en el que murieron Naoya, su prometido, sus parientes y sus amigos, y la culpabilidad por haber sido la única superviviente la atrajo a la mansión. Las primeras veces que Rei visita la mansión, se encuentra con Yoshino, quien le suplica que encuentre un modo de despertarla de su sueño, pero cuando Rei averigua su identidad y acude a verla al hospital, es demasiado tarde y solo puede ver como el tatuaje cubre completamente a Yoshino y su cuerpo se convierte en cenizas, convirtiéndose en un espíritu más de la mansión. Tenía 26 años.

Ruri: Un gato negro, la mascota de Miku, al que siempre se ve por el piso de Rei. Es capaz de localizar fantasmas, ya que percibe cosas que Rei y Miku no pueden.

Reika Yakishiro/Kuze: Es la sacerdotisa tatuada, antagonista de la historia. Reika vivía en un aldea cercana al santuario Kuze con su familia, y allí conoció a Kaname Otosuki, del que se enamoró. Un tiempo después la aldea fue arrasada (no se sabe el motivo) y toda la familia de Reika, su padre, madre y hermano murieron. El dolor que sentía la chica por haber perdido a sus seres queridos hizo que Yashuu Kuze (Cabeza de familia Kuke) la escogiera para convertirse en la próxima sacerdotisa tatuada. Durante la preparación y el tatuado, Reika se hizo amiga de Amane Kuze, descubriendo que era la hermanastra pequeña de Kamane, su amado. Amane decidió ayudar a Reika y, rompiendo las normas de la familia Kuze, dejó entrar a Kaname en el santuario para que viera a Reika una vez más antes de que el ritual se completara.

Kaname entró en la cámara de las estacas, donde las niñas sacerdotisas habían empalado a Reika al suelo por sus extremidades, para despedirse, sin saber que los hombres tenían prohibido entrar, despertó a Reika de su sueño, pero apenas tuvo tiempo de formular unas pocas palabras antes de que Yashuu Kuke le golpeara por la espalda, matándole delante de Reika. Eso provocó la ira de la sacerdotisa, los tatuajes se extendieron por sus ojos y se convirtió en un espíritu maligno, causando una terrible maldición que destruyó el santuario Kuze, siendo Yashuu su primera víctima. Desde entonces Reika vaga sin descanso por la Mansión del sueño, atrayendo a aquellos que también sienten dolor como ella e infectándolos con la maldición al tocarlos.

La cuarta entrega aún se encuentra en desarrollo, pero promete ser tan aterrorizante como las anteriores. Si ustedes quieren asustarse un rato, créanme que este juego cumple con los objetivos. Es una recomendación.

¡Feliz Halloween y esperamos les gusten estos juegos de terror!

Documentales - Los Rodajes Malditos

2007-10-30T10:54:00.000-07:00

Estos son algunos documentales en video de los Rodajes Malditos que mencionamos en el post anterior, si tienen curiosidad, veanlos en you tube, ya que algunos tienen varias partes.

El Bebé de Rosemary

El exorcista, documental de la BBC (muy recomendable que lo vean completo en you tube)

The Poltergeist Curse The E! true Hollywood Story

¡Hasta el próximo post!

Curiosidades Fílmicas - Los Rodajes Malditos

2007-10-29T19:40:00.000-07:00

El tema que les tenemos preparado hoy está basado en hechos completamente reales, ocurridos durante los que denominaremos los Rodajes Malditos.

Históricamente, se repiten los casos en los cuales las películas que incursionan en mundos desconocidos, en temas diabólicos y en hechos fantasmales, terminan con desgracias, accidentes y hasta con la locura o muerte de sus participantes, ya sean actores, directores o personal del equipo de filmación.

A lo largo de la historia del cine hay películas que pueden considerarse “malditas”, ya que se han producido en la filmación casos de poltergeist, objetos que se rompen o caen inexplicablemente, decorados que cambian de lugar o aparecen alterados al momento de compaginar las escenas y otros hechos aún más graves, como las que afectan a las personas.

Uno de los casos más famosos es el del actor Bela Lugosi, quien fue el que más veces interpretó a Drácula y cuyo trabajo se recuerda por muchos como el mejor en la gran cantidad de representaciones que se han hecho de este personaje sanguinario, diabólico e inmortal creado por Brack Stoker. Lugosi fue tan influenciado por su personaje de vampiro humano que terminó siendo una ruina. Dormía en un ataúd y no salía nunca a la luz del día; incluso hay quienes afirman que pagaba fortunas a quienes le conseguían sangre humana para beber.

La película “El bebé de Rosemary” que tuvo como protagonista a Mia Farrow y fue dirigida por Roman Polanski en 1968, cuenta la historia de una mujer embarazada acosada por una secta diabólica de la que forma parte su propio esposo. La joven da a luz a un hijo del diablo.

Uno de los actores de esta película, Anton La Vey fundó lo que llamó “La iglesia de Satán” en la cual participaron con el tiempo muchas personas vinculadas con el mundo del cine. La actriz Jayne Mansfield murió después de ser maldecida por practicar incorrectamente un ritual dentro de una iglesia. Pero el hecho más notorio y sangriento relacionado con este film fue el que le ocurrió a la mismísima esposa del director Polansky.

La actriz Sharon Tate estaba embarazada cuando fue atacada en su residencia por el llamado “Clan Mason” y asesinada en un ritual, donde con la sangre de las víctimas se escribieron en las paredes consignas satánicas. Tanto Mason, como sus seguidores dijeron recibir órdenes de su dios diabólico, para ejecutar a la mujer del director que de allí en más declinó notoriamente.

Para completar la relación con lo diabólico, recordemos que algunas escenas del film “El bebé de Rosemary” se realizaron en el edifico Dakota, en el centro de Nueva York; donde años antes había vivido el genio del cine de terror, el actor Boris Karloff, de quien se dice que en su departamento del edificio Dakota hacía pactos con el diablo. Este edifico siempre fue considerado maldito y por eso fue recomendado a Polansky para lograr un clima satánico en su rodaje. Por último, recordemos que a las puertas del edificio Dakota fue asesinado uno de los grandes defensores de la paz, John Lennon, y que su asesino dijo haber recibido “órdenes mentales” del mismísimo demonio.

Menos de un año después del asesinato de su esposa, Roman Polanski comenzó la filmación de Macbeth, la obra más sangrienta de William Shakespeare, en la que de alguna manera exorcizó sus propios demonios al existir muchas similitudes entre el guión y el asesinato de su esposa cometido por los Manson. Las escenas en las que Lady McBeth se quita la sangre de sus víctimas, por ejemplo, hace referencia directa a las declaraciones de los Manson en las que dijeron que se trataron de lavar las manos y quitar la sangre de sus víctimas.

Otro de los films que incursionó en el tema satánico y que aún hoy es considerado un clásico del género es “El exorcista” dirigido por William Friedkin. Una parte de la película cuenta como en una excavación arqueológica en un desierto indeterminado de oriente, se desentierra una imagen del demonio Pazuzu, el que al ser llevado a occidente desencadena la tragedia. La escena se rodó en unos parajes desérticos de Oriente Medio y allí murieron inexplicablemente cuatro trabajadores contratados para la filmación, además de contratiempos y extrañas situaciones que obligaron a reducir el tiempo de filmación en el lugar y regresar antes de lo previsto.

Jack McGowen terminaba de envolver su parte de la cinta que acababa de filmar cuando murió súbitamente de un ataque cardiaco. Y también el actor que interpreta al hombre al que Regan dice que morirá en la cinta, murió tras un extraño accidente en el set.

El abuelo de la protagonista, la actriz Linda Blair, y el hermano del protagonista, Max Von Sydow, fallecieron al poco de comenzar a rodar, marcando trágicamente a los actores. Pasadas unas semanas Jason Miller, que interpreta al padre Carras, casi pierde a su hijo en un accidente de moto.

Hubo por otro lado una serie de extraños incidentes, como metros de película filmada que desaparecieron, una figura del demonio que de camino a Irak se perdió y apareció misteriosamente en Hong Kong, entre otros.

Un guardia nocturno del set, y un miembro del staff que refrigeraban el cuarto usado en las escenas del exorcismo, además del bebé recién nacido de un camarógrafo, son parte también de las muertes inexplicables ligadas a la cinta.

En 1977 a los 18 años, Linda Blair fue arrestada por posesión de drogas, desde entonces confesó que su experiencia en la cinta la marcó para siempre, haciendo que se volviera adicta a las drogas y resuelta a no tener hijos nunca.

Existieron también conductas raras y de pánico por parte del elenco y el equipo de filmación, durante el rodaje. Las entrevistas y detrás de cámaras de los que participaron en la cinta dijeron que el filmarla fue una experiencia bastante macabra. Otro suceso inexplicable es que un decorado se incendió una noche en la que nadie estaba ahí y el misterio aún continúa, pues no se encontró la causa del incendio.

Jack McGowran, quien interpretaba a Burke Dennings, falleció días después de filmar su muerte en la película. Pero los hechos siguieron ocurriendo a lo largo de toda la filmación y aún persistieron en las películas siguientes: “El exorcista II” y “El exorcista III”. Durante la filmación el director recibió amenazas de distintos grupos de adoradores de Satán y la protagonista Linda Blair sufrió un intento de asesinato que se trató de ocultar.

Tras el estreno de la adaptación teatral de la película en el Theatre Comedy de Londres en 1975, la actriz protagonista, Mary Ure, falleció en extrañas circunstancias aquella misma noche. Se especula con el suicidio, pues había consumido un cóctel de whisky y barbitúricos.

Vasiliki Maliaros, que hace de la madre del Padre Karras, falleció el 9 de febrero de 1973 en Nueva York a los 89 años por causas naturales, semanas antes del estreno de la cinta.

Existieron también sucesos extraños en las proyecciones de la cinta. Estaban llenos de gente vomitando, desmayándose y teniendo ataques de histeria, El Exorcista ha probado ser la cinta que ha tenido la reacción más extraña del público de todos los tiempos y por alguna extraña razón, las tasas de mortandad del área que rodea a Georgetown, pueblito donde se filmó la mayor parte de la misma, subieron después de que la cinta fue estrenada.

Numerosos ataques cardiacos ocurrieron en las premieres de la cinta por todo el mundo. Incluso un rayo destruyó una cruz de más de 400 años de antigüedad, justo durante la première Italiana en el Teatro Metropolitano en Roma.

Además de eso, hubieron casos de disturbios psicológicos entre los espectadores de la cinta, entre ellos el más “famoso” fan de las cintas del Exorcista, el asesino en serie gay Jeffrey Dahmer. Estaba obsesionado particularmente con la cinta The Exorcist III, viendola una y otra vez antes de matar a sus víctimas. De hecho estaba viéndola cuando la policía finalmente lo arrestó ¿Cómo ven? ¿Así o más loco?

Y terminando con el ciclo de muertes relacionadas a la cinta el actor Jason Miller (Padre Karras) falleció poco tiempo antes del re-estreno en el 2001 de un ataque al corazón y el director de Exorcist: The Beginning John Frankenheimer, quien falleció unos días antes de que comenzara el rodaje.

Otra cinta que se considera dentro de la categoría de los rodajes malditos: se trata de La profecía del año 1976, en la que nos narran la historia de un embajador norteamericano que descubre que su hijo es el mismísimo anticristo. El abordar este tema tan controversial trajo consigo “graves consecuencias y extrañas coincidencias” durante su rodaje y a su elenco. Por ejemplo Gregory Peck (Robert Thorn), viajaba en un vuelo directo a Los Ángeles cuando su avión fue alcanzado por un rayo; David Stelzer (escritor y guionista) tomó el mismo vuelo tres días después y también fue alcanzado por un rayo…. Ambos iban a unirse al inicio del rodaje.

Harvey Bernard (productor) llevaba en coche a Richard Donner a su casa, cuando aparcó y éste se bajó, otro coche "apareció de la nada", cerrando de golpe la puerta del auto del productor, Richard Donner casi pierde una pierna.

Un día todo el equipo se reunió para comer, terminada la comida se dirigían todos hacia la estación de metro de Green Park, cuando esta estalló debido a un atentado del IRA, el ejército de liberación irlandés. Otro suceso fue el de Fletaron un avión para rodar en tierra con él. Les pidieron que rodaran al día siguiente ya que lo necesitaban para un vuelo charter (si lo hacían el alquiler sería gratuito) y no pusieron objeción. Al despegar el avión, este chocó con una bandada de pájaros, se pararon lo motores, perdió velocidad, se estrelló al borde de la pista, siguió por la calle y golpeó a un coche. Murieron todos los ocupantes del avión y los viajeros del coche… casualmente eran la mujer y los 2 hijos del piloto.

En el rodaje en el zoológico, se filmaron escenas con leones que luego fueron eliminadas, porque Donner decidió no incluirlas. Esa misma noche, dos leones (quizás alguien dejó la jaula abierta por error) se escaparon y despedazaron al vigilante.

John Richardson (efectos especiales) viajaba con su novia en coche por Holanda y tuvieron un choque frontal en el que la chica murió decapitada. En el cartel contra el que se estrellaron se leía: "Ommen 66,6 Kilómetros", el título de la profecía en inglés es The Omen y Richardson fue el que ideó la escena de la decapitación del personaje del fotógrafo (David Warren)….

Una vez finalizado el rodaje de "La profecía" tuvieron que hacer un aterrizaje de emergencia en Terranova debido a la formación de un tifón; llevaban a bordo el negativo de la película…. Pensaron que nunca saldrían con vida de aquel avión.

Antes de comenzar a rodar un teólogo le dijo a Mace Neufel (productor), que si conseguían acabar el rodaje, al finalizar todos creerían en la existencia del demonio, muchos han reconocido que tenía razón (pese a no ser creyentes la mayoría del equipo) y todos han coincidido en que durante ese rodaje, se notaba un "aura de no ser bienvenido), como si alguien no quisiera que ese filme viera la luz…

Y por si no escarmentaron, se hizo un remake de este filme en 2006 dirigido por John Moore y estrenado el 6 de junio de ese mismo año, y que también sufrió su cuota de sucesos extraños, esta vez sin muertes que lamentar. Por ejemplo, el protagonista de la historia, Liev Schreiber, realizó varias de sus secuencias de acción, incluso la escena en que debe defenderse de una jauría de perros enloquecidos, donde el temor en el rostro del actor fue real. "La idea era que el perro me mordiera el brazo, el cual estaría protegido por unos cojines, y ver como se veía a cámara", relata Schreiber. Pero en la práctica, el perro continuó tirando del brazo del actor mucho mas allá de lo que se esperaba. La fuerza del cuerpo del perro contra Schreiber, quien estaba de espaldas a una reja de hierro, no solo le sacó el aire, sino que también le astilló una costilla.

Un día, el Supervisor de Efectos Especiales, Matt Johnson, estaba midiendo una toma especial, la cual llevaba a una parvada de cuervos. La medición de su aparato arrojó un número tétrico: el 666. Johnson volvió a examinar su aparato, ya que anteriormente no había tenido esa lectura.

Durante una escena de lucha, Schreiber pateó a Farrow en su rostro de manera accidental, mientras ella lo sujetaba por la pierna. A pesar del accidente (no fue herida Farrow) la cámara siguió tomando registro y gustó tanto a Moore, que decidió imprimir la toma. Desafortunadamente, no podremos ser testigos de esto por una falla técnica, cuyo origen se desconoce.

Durante la filmación de una escena donde Thron levanta el teléfono para hablar con otro personaje, una de las luces sobre el set explotó, mientras la cámara seguía grabando. De no haber sido por la pantalla de seda que difunde la luz y que estaba justo debajo de la lámpara, los cristales rotos hubiesen caído sobre el equipo técnico y el 6 de octubre casi la mitad del elenco y la producción estuvieron afectados con una leve pero misteriosa forma de envenenamiento por alimentos. La comida luego fue analizada, pero no se encontraron bacterias.

Se apunta como el momento más tenebroso del rodaje, cuando el fotógrafo de cámara fija, Vince Valiatutti, reveló una serie de fotografías de Pete Postlethwaite como el Padre Brennan, que salieron impresas con una imagen de movimiento borrosa que descendía como una especie de jabalina. Valitutti y el resto del equipo de filmación de inmediato trazaron paralelismos con la historia, ya que en la ficción se toman unas fotografías similares del padre Brennan, con los mismos movimientos borrosos, que adelantan un final terrible para el personaje.

La película española “El día de la bestia” cuenta la historia de un sacerdote, que acompañado por un conductor televisivo y un heavy metal; buscan al Anticristo que ha nacido en Madrid, abordando el tema con cierto humor y con escenas de terror. La dirección estuvo a cargo de Álex de la Iglesia.

En esta película, como en todas las que se sumergen en el mundo satánico, no han faltado los detalles escalofriantes: Los vidrios explotaban inexplicablemente, uno de los técnicos sufrió un accidente automovilístico durante el rodaje, uno de los encargados del doblaje quedó atrapado abajo de una enorme cruz ubicada en el interior de una iglesia, las máscaras africanas que servían de decorado en algunas tomas, se caían inexplicablemente y en algunas escenas aparecieron torcidas.

Una cama que se uso en el film fue adquirida por una las mujeres de la producción, quien se tuvo que deshacer de ella rápidamente, debido a las continuas y diabólicas pesadillas que sufría.

Pero el desafío más grande hacía el infra-mundo fue cuando se realizó en la película la invocación al demonio, utilizando paso a paso el ritual auténtico, utilizando el Pentáculo y los signos grabados con un cuchillo.El director, dice que casi esperaban que apareciera Satanás y agrega: ”Tal vez efectivamente apareció entre nosotros y no nos dimos cuenta”.

Otra cinta maldita fue Poltergeist, rodada por Tobe Hopper en 1982 y cuenta en su haber muchísimos hechos trágicos. El mismo año de su realización Dominique Dunne fue asesinada por su novio y en 1988 Heather O’Rourke murió de una larga enfermedad que los médicos no pudieron diagnosticar y que lo llevó a sufrimientos extremos y a afirmar en muchas ocasiones que “los del más allá” lo acosaban.

Además de esta muerte, muchos sucesos extraños se dieron durante la filmación como incendios, piezas del set que se perdían o un ambiente de nerviosismo que se contagiaba a toda la producción.

Brian Gibson, no obstante las advertencias de una supuesta maldición, filmó una segunda parte en 1986. Tras finalizarse las últimas tomas dos actores del elenco murieron repentinamente, Julian Beck (el maléfico sacerdote), de una desconocida afección estomacal y Will Sampson (curandero) de un cáncer muy agresivo.

Años más tarde al terminarse la tercera parte de Poltergeist, en 1988, Heather O’Rourke, la niña protagonista de todas la películas de la saga, se levanta un día aquejada de dolores en el estómago. Muere horas después en el hospital, el diagnóstico fue una estenosis intestinal. Tenía solo 12 años. Fue enterrada en el mismo cementerio que Dominique Dunne, muy cerca de su tumba. Poltergeist III está dedicada a ella.

Otra cinta que camina por los senderos de la muerte es el film dirigido por Wes Craven en 1987, “La serpiente y el arco iris” basado en el libro del mismo título de Wade Davis, un especialista en etnobotánica de la Universidad de Harvard, que viaja a Haití para investigar dos casos certificados de zombies que han sido enterrados vivos.

En su investigación y después de muchos peligros y situaciones límites vividas, regresa a Estados Unidos con la fórmula de la droga zombie para su experimentación en laboratorio.La película reproduce la experiencia de Wade Davis, agregando al documental algunos toques de ficción. Se trató de dar el mayor realismo posible a esta película, por lo que se realizó gran parte de ella en Haití, realizando incluso auténticas ceremonias de vudú.

Varios miembros del equipo de filmación se hicieron adeptos a la práctica del vudú y se quedaron en Haití radicados, mientras otros fundaron templos vuduistas a su regreso a Estados Unidos. Por su parte el director Wes Craven sufrió inexplicables apariciones y trastornos, hasta que regresó a Haití para someterse a una “limpieza” en manos de un bokor vudú.

Por último, recordemos el caso de Brandon Lee, la última (hasta ahora) de las víctimas de estas extrañas maldiciones que tienen como protagonistas a quienes en el cine se internan en otros mundos dimensionales.

Brandon Lee, era hijo del célebre y recordado Bruce Lee, el pionero de las películas de artes marciales, creador de un estilo propio de lucha y aceptable actor de la famosa serie “El avispón verde”, como también protagonista de éxitos como “Operación Dragón” y tantos más, que compartió incluso con figuras hoy conocidas como Chuck Norris, que en ese momento recién empezaban a recorrer el camino del cine.

Ya de por sí la muerte de Bruce Lee sigue teniendo aristas inexplicables y a eso se agrega ahora la muerte de su hijo.Brandon Lee se encontraba filmando “El cuervo”, una película que cuenta la historia de un justiciero que regresa de la muerte para vengarse de sus asesinos. En una de las escenas el joven actor es apuntado con una pistola y se le dispara.

La pistola que -por supuesto- debía estar cargada con balas de salva, inexplicablemente fue cargada con balas verdaderas, lo que llevó a Lee a una muerte casi instantánea.Las investigaciones no dieron ninguna pista que llevara a determinar quien cargó con balas de verdad la pistola y no faltan los que le atribuyen al mismísimo Satanás el hecho.

También están los que aseguran haber visto el espíritu de Brandon Lee rondando los lugares de filmación; tal vez, como en la ficción de la película “El cuervo”; a decidido volver de la muerte para vengarse de su asesino.

Se decia también que el set de "El Cuervo" estaba maldito, porque ocurrieron muchos accidentes. Un carpintero se quemó severamente después de que la grúa en la que estaba subido tocó cables de alta tensión; un escultor que trabajó en el set manejaba su auto y chocó en el taller de escenografía, causando daños severos y otro miembro del staff se resbaló y se encajó un destornillador por su mano, además e un extraño incendio de un camión lleno de equipo… ¿coincidencia?

Incluso la serie televisiva de El Cuervo, no se salvó, el coordinador de dobles, Marc Akerstream falleció en un accidente mientras trabajaba doblando una escena en la que usaban un bote explosivo. Todo trabajaba bien pero cuando hicieron la escena, un trozo delbote explotó, libró un árbol y le pegó a Akerstream en la cabeza. Fue llevado al hospital pero murió más tarde.

Todas estas cintas que analizamos comparten este historial de tragedia, desastre y muerte, evidentemente, a los seres del más allá, a los muertos, a los espíritus y a las criaturas satánicos no les agrada que el mundo del cine se interne en sus dominios, los invoquen y los perturben. Hacerlo es desencadenar fuerzas incontrolables, producir situaciones inmanejables y correr un riesgo que puede llevar, incluso a la muerte.

En el siguiente post, les presentamos los videos de los documentales sobre estos filmes malditos.

No dejen de sintonizarnos.

Especial de Terror con Influencia Musical

2007-10-23T15:00:00.000-07:00

¡A todos nuestros radio escuchas! Este viernes 26 de octubre, aprovechando que el otoño está a todo lo que da, las tardes lluviosas y medio tétricas y se vienen las fechas de Halloween y Día de Muertos, Karen y yo haremos un especial de Terror en Radio Creswin junto con el programa Influencia Musical.

Tendremos música tétrica, historias de fantasmas, relatos de terror y hasta invitados especiales.

Sintonízenos.... si se atreven... este viernes 26 a partir de las 8 de la noche en http://www.creswin.com.mx/radio/ o en http://radio.creswin.com:8000/listen.pls

Poema del Hombre Lobo

2007-10-22T11:57:00.001-07:00

Even a man who is pure in heart

and says his prayers by night

may become a wolf when the wolfbane blooms

and the autumn moon is bright.

Este poema, apareció por primera vez en la cinta The Wolf Man de 1941 y desde entonces, se utiliza en cada película en la que aparece el personaje.

Cortesía de La dimensión Alterna, aquí tienen la traducción (literal):

Aun cuando un hombre es puro de corazón

y dice sus oraciones noche tras noche

puede convertirse en un hombre lobo cuando el acónito florezca

y la luna de otoño esté brillante.

Así que cuando salgan en estas noches de otoño, y escuchen un lejano aullido, reciten este poema y estarán a salvo...

Sigan sintonizando la Dimensión Alterna, en el Mes de lo Paranormal, los lunes y miércoles de 1 a 2 por Radio Creswin.

Van Helsing - Los Bloopers

2007-10-22T08:59:00.000-07:00

En este mes de lo paranormal, también les tenemos material para reirnos. A continuación presentamos el video de los Bloopers de la cinta van Helsing, para que vean que también en las películas de terror y acción suceden cosas divertidas.

Sigan escuchando el Mes de lo Paranormal en La Dimensión Alterna, sólo por Radio Creswin.

Ghostbusters - El Video Original

2007-10-16T16:16:00.000-07:00

Cortesía de la Dimensión Alterna les presentamos el video original de la exitosísima canción ochentera de los Cazafantasmas con Ray Parker Jr. que lo disfruten :)

Fantasmas en el Cine - Trivias y algo más...

2007-10-14T18:01:00.000-07:00

En este mes de lo paranormal, cortesía de la Dimensión Alterna les presentamos unas cuantas trivias de fantasmas en el cine, para que prueben sus conocimientos en la materia:

Trivia 1 - Fantasmas en el Cine Nivel Básico
Trivia 2 - Fantasmas en el Cine Nivel Medio
Trivia 3 - Fantasmas en el Cine Nivel Avanzado

Y para que se asusten de verdad, les presentamos las mejores escenas de películas de fantasmas de la historia del cine:

¡Hasta el próximo post!

Survival Horror en los Videojuegos

2007-10-10T14:27:00.000-07:00

Imaginen que se encuentran solos en un pueblo, el cual parece estar abandonado, la neblina que los rodea es tan densa que apenas pueden ver a un metro de distancia, extraños sonidos se escuchan a tu alrededor, como quejidos o pasos los cuales comienzan aproximarse lentamente, pero no pueden identificar exactamente de que dirección provienen.

Saben que hay algo desconocido, no están armados y sólo cuentan con su agilidad e inteligencia para sobrevivir a lo que sea que esta acechándolos.

Caminan lentamente tratando de hallar su camino, repentinamente sienten la presencia de otro ente cerca de ustedes, por alguna razón saben que son su objetivo. La adrenalina comienza a liberarse, la mente les indica que es momento de escapar, defenderse o morir...

Esto es el Survival Horror, un género de los videojuegos géneroque fue inaugurado por las sagas de Alone in the Dark, Resident Evil y Silent Hill, caracterizados por ser aventuras de terror ideadas para "asustar" a quien las juegue, y donde el principal objetivo es justamente sobrevivir.

Generalmente, los survival horror utilizan distintos elementos para crear una atmósfera de terror psicológico en el jugador. Tales elementos pueden ser: escenarios altamente detallados; una iluminación tenue, opaca y descolorida que provoca una mezcla de terror y angustia; música por lo general instrumental con influencia clásica que logra en el jugador un efecto de concentración, pero que se ve alterado por los efectos de sonido repentinos y vehementes que pretenden asustar.

Normalmente, el protagonista cuenta con movimientos básicos que cualquier persona común puede realizar, “Hablamos de que no existen poderes especiales o nada como el estilo, lo que le da ese toque de realismo” (caminar, correr, apuntar y atacar) y es común contar con pocos recursos, es decir, pocas municiones, pocos elementos curativos, etc. De ahí el nombre survival ("supervivencia", en inglés).

Las historias de estos títulos tratan temas oscuros, sobrenaturales y violentos parecidos a los propios de una película de horror.

Otra característica bastante común es la presencia de "puzzles" o acertijos para resolver a lo largo de la historia, que generalmente requieren una capacidad de investigación y observación detallada por parte del jugador.

Algunos de los juegos más impactantes en la historia de este genéro además de las sagas mencionadas son:

Parasite Eve (1998)

Deep Fear (1998)

Eternal Darkness (2002)

The Thing (2002)

Project Zero(2002)

Clock Tower 3 (2003)
The Suffering (2004)

Obscure, (2004)

Forbbiden Siren, (2004)

Project zero 2, (2004)

Haunting Ground (2005)

Kuon (2005)

Dead Rising (2006)

Forbbiden Siren 2 (2006)

Rule of Rose (2006)

FEAR (2006)

Vampire Rain (2007)
Obscure 2 (2007)
PC - BioShock (2007)

Les vamos a mencionar en detalle dos sagas importantísimas para este género: Alone in the Dark y Silent Hill.

Alone in the Dark

Alone in the Dark es una serie de videojuegos del género survival horror creados por Infogrames (hoy, Atari). El principal personaje de la serie es el detective privado Edward Carnby que recibe encargos que incluyen investigar casas encantadas o un pueblo de zombies.

La historia está basada en los escritos de H. P. Lovecraft, uno de los escritores más famosos en el género, lo que le otorgo ese toque de misticismo que lo hace único. Ed o Edgar Carnby, como prefieran llamarlo es un detective encargado de investigar la desaparición del dueño de una vieja casona.

Imaginen una mansión sumamente elegante, pero al mismo tiempo tenebrosa, (Si como la de muchas películas), la cual esta llena de misterios que nadie puede explicar, la inteligencia, y velocidad para la resolución de acertijos es una clave fundamental, cada cosa puede dar una pista para continuar o retroceder, pero para no hacerles la historia tan larga solo les diré que esta se encuentra construida sobre una de las entradas al infierno, lo que atrae muchas cosas sobrenaturales a ese punto. Cosas inexplicables que deberás enfrentar.

La temática del Juego tuvo tal impacto que se desarrollaron un par de secuelas del mismo en PC. Las tres partes se convirtieron en todo un éxito, lo que marco a ese juego como un clásico para las PC´s y el inicio del Survival Horror como tal.

Pero no fue hasta el lanzamiento de Alone In the Dark the New Nightmire que el concepto se da a conocer a otras generaciones, desafortunadamente, para entonces, ya existen éxitos a la venta como Resident Evil o el famoso Silent Hill, incluso este juego muestra algunas influencias de estos títulos.

La historia del juego es un regreso a la atmósfera de terror del original. No obstante, mientras que el original hacía uso de la mitología de Cthulhu para explicar los hechos sobrenaturales que tienen lugar, The New Nightmare se inclina más por el terror biológico del estilo de H. R. Giger, con enemigos más bien de naturaleza alienígena antes que fantasmal.

El jugador puede elegir a su personaje entre Edward Carnby (un curtido investigador de lo paranormal) y Aline Cedrac (una animada chica de carácter más intelectual). Ambos se encuentran atrapados en Shadow Island, una isla encantada en la que, según se rumorea, la sombras cobran vida. El jugador se ve muy pronto atacado por "criaturas de la oscuridad", que surgen de la nada y parecen vivir entre las sombras. Más adelante, se descubre que estas "criaturas de la oscuridad" son formas de vida con una estructura mas bien parecida a la de un mineral que a la de un animal y basadas en el silicio que provienen del centro de la tierra, un vasto espacio de tenebrosas cavernas conocido como "el Mundo de la Oscuridad". Aparentemente, Shadow Island posee una de las muchas entradas a este universo subterráneo que existen en el mundo.

La luz desempeña un papel muy importante en el juego. Por ejemplo, los enemigos huyen de la luz, pues ésta los transforma en arena. Así, se puede emplear la linterna para repelar a ciertas criaturas, o usar munición luminosa como "balas de magnesio" y "proyectiles de fósforo" para matarlas. Además, el jugador debe usar la linterna para iluminar lugares oscuros y así descubrir objetos y detalles ocultos.

Silent Hill la otra saga

Silent Hill nos ubica en un pueblo donde nada es lo que parece, dominado por una atmósfera de niebla, y por todo tipo de criaturas. El juego, en vista de tercera persona, nos transporta por este pueblo fantasma a medida que vamos descubriendo detalles sobre su historia y sobre el pasado de los personajes que manejamos, que por alguna razón o por otra, están atrapados en Silent Hill.

Silent Hill (Colina Silenciosa) presenta una nueva panorámica para aquellos que les gusta el survival horror, pero quieren vivirlo, no solo disparando al azar (como en Resident Evil). Este juego intenta presentar los efectos psicológicos en los que se desenvuelven los personajes; toda una estructura que atenta contra la lógica, es lo que experimentas durante el juego.

En cada entrega de la serie se cuenta la historia de distintos personajes que, por alguna razón, deben ir a Silent Hill, para enfrentar sus destinos.

El estilo de juego es similar a otros del mismo género, vemos al personaje en tercera persona, podemos girar su cuerpo y hacerlo caminar o correr. Para utilizar un arma debemos primero apuntar y luego atacar, similar en estos aspectos a Resident Evil o Dino Crisis.

Una característica importante de este juego es el terror psicológico que busca generar, al crear un ambiente de miedo y tensión a través de la ambientación, tanto gráfica como musical y al diálogo que mantienen los personajes que componen la historia.

Otra característica que presenta esta serie de juegos es que todos presentan distintos finales dependiendo de las acciones que el jugador tome, existen desde los que se podrían definir como "felices", los que son "tristes" o "sangrientos" y los "extraños", de los programadores del juego. Cada vez que se consiga un final diferente se obtienen más armas, así como fragmentos de historia que completan la trama general del juego.

Cabe destacar también que la banda sonora de los juegos, nos presenta en las primeras entregas sonidos estridentes y melodías pensadas en irritar o asustar al jugador. El creador del apartado de efectos sonoros y música, Akira Yamaoka, consigue esto con la experimentación del sonido y la creación de ritmos asonantes, si bien conservando ciertas tonadas que se repiten a lo largo del juego. En las entregas mas recientes (Silent Hill 3 y Silent Hill 4 - The Room), tenemos canciones más orientadas al rock y al chill-out, donde se nos presentan canciones cantadas cuyas letras completan la experiencia del juego.

El juego uno nos presenta una historia interesante: Harry Mason es un escritor, accede a los ruegos de su pequeña hija Cheryl de ir a visitar el pueblo de Silent Hill. Durante el trayecto, Harry sufre un accidente al esquivar la figura de una chica, y se desmaya. Al despertar, Cheryl ha desaparecido, además todo está cubierto de niebla; acaba de llegar a Silent Hill.

Así comienza entonces la pesadilla de Harry por encontrar a su hija, descubriendo de igual manera qué ocurrió en aquel pueblo, y sin saber que su querida Cheryl es una de las principales involucradas en todo esto. Junto con Cybil, Harry debe encontrar a su hija, que cada vez màs se adentra al peligroso pueblo de Silent Hill. Aquí encotrará personajes que lo ayudarán a descubrir el secreto del pueblo. ¿Es el efecto de White Claudia? ¿Es producto de su imaginación? ¿De verdad está infestado por monstruos?

Silent Hill 2
En el 2001, Konami tambien lanzó la segunda parte tras el éxito del primer Silent Hill. En ella el personaje central es James Sunderland, que al recibir una carta de su difunta esposa diciendo que lo esperaba en Silent Hill, se dirige al pueblo en su búsqueda aún sabiendo que está muerta. Más adelante el jugador descubrirá que hay otros personajes en la ciudad de Silent Hill, que fueron "llamados", al parecer, por alguna razón de su pasado.

Silent Hill 2 no sólo es un juego si no una gran obra de arte, la historia es muy profunda, llena de simbolismos y contenido sobre la culpa, el amor y la soledad.

La música y el arte visual son de nivel elevado, y el terror, a diferencia de la primera entrega, es aun más psicológico y silencioso. Algunos criticaron de esta entrega la monotonía del combate y de los enemigos, que no son un gran desafío una vez que aprendes a derrotarlos, pero nadie duda de la capacidad que estos tienen para asustarte y para generarte una especie de asco y miedo, porque en verdad son seres grotescos diseñados con maestría. Además, la textura y gráfica dan un gran avance, generando una situación más aterradora.

Silent Hill 3

A diferencia de los capítulos del resto de la saga, ésta es la única entrega que se relaciona directamente con otra, ya que esta historia comienza 17 años después de los extraños hechos que ocurrieron en el primer Silent Hill. En esta tercera parte, una chica, Heather Mason (muchos se confunden con Heather Morris que fue la que dobla la voz en ingles), despierta de repente en el bar de un centro comercial después de haber tenido una extraña pesadilla. Tras hablar con su padre por teléfono, Heather se da cuenta de que alguien la está siguiendo, y con tal de huir de él, emplea los lavabos del centro comercial para escapar.

Ahí comienza la pesadilla de Heather, pues cuando regresa al centro comercial la gente ha desaparecido, todo parece sucio y abandonado, y extrañas cosas se mueven por las sombras.

Conforme avanza el juego, la historia narra la relación de la joven Heather no sólo con la ciudad, sino con Alessa Gillespie del primer Silent Hill.

Con gráficos espeluznantes y una ambientación que la hizo merecedora de diversas menciones, Silent Hill 3 retomó el hilo argumental principal de la saga con la aparición de nuevos personajes y nuevas criaturas.

Silent Hill 4 “The ROOM”
Henry Townshead se mudó al apartamento 302 en South Ashfield, un pueblo cercano a Silent Hill. Su vida marchaba tranquilamente hasta que empezó a tener una serie de extrañas pesadillas, y ademas no podía abandonar su apartamento; la puerta apareció un día cerrada con múltiples cadenas, y las ventanas estaban cerradas herméticamente.

Por mucho que gritara, nadie conseguía oírle. La historia comienza cuando Henry descubre un extraño agujero en su baño que le permite llevarlo hacia otros lugares. Éstos últimos pertenecían a su mundo pero están fuera de él... sin embargo, las cosas que acontecen en esa extraña dimensión, repercuten en el mundo real.

Poco a poco, Henry va descubriendo la relación de estos mundos con Silent Hill, y empieza a tener la certeza de que algo, o alguien, le está ayudando en esta extraña cruzada por su vida.Hay que hacer notar que los efectos sonoros son realmente bien cuidados y el nivel de realismo es muy alto, por lo que lo hace uno de los mejores rasgos del juego.

Además de Resident Evil, que revisamos en un post anterior éstos son los precursores del género y son juegos que mucha gente recuerda con cariño y gusta de jugar en oscuras noches de otoño.

Escuchen el Miércoles de Videojuegos en La Dimensión Alterna, de 1 a 2 por Radio Creswin.

¡Hasta el próximo post!

Test para medir habilidades Psíquicas

2007-10-10T09:13:00.000-07:00

Los tests para medir habilidades psíquicas,que les presentamos aquí, cortesía de La Dimensión Alterna en este Mes de lo Paranormal, ayudan a medir las habilidades psíquicas de quien los realiza mediante las Cartas Zener.

Las cartas Zener conforman un mazo de 25 naipes de 5 palos distintos. Fueron utilizadas por el parapsicólogo J. B. Rhine y el Dr. Karl Zener con el fin de estudiar casos de aparente percepción extrasensorial (principalmente clarividencia), utilizando el método científico.

Los distintos palos son cuadrado, círculo, estrella, cruz y líneas onduladas, fueron diseñados como figuras simples pero bastante distintas, desambiguas, de fácil medición estadística.

Cuando las cartas Zener fueron inventadas en los años 20, eran mezcladas a mano, pero Rhin prefirió más adelante tener una máquina para realizar esta labor.

Método para la telepatía

En general el método más utilizado para probar la telepatía es el siguiente: Se sitúa a los dos sujetos de experimento sin contacto visual, o mejor aún, en cuartos completamente separados.

El primer sujeto (el transmisor) deberá levantar una a una las cartas del mazo mezclado. Deberá mirar y concentrarse en la figura. Otra persona se encargará de anotar la secuencia de las distintas cartas en una planilla. Otra persona, golpeará la mesa con un lápiz o algo similar. El otro sujeto de experimento (el receptor), al escuhar el golpe del lápiz deberá anotar la figura que le aparezca en la mente en otra planilla.

Posteriormente se comparan las dos planillas. Estadísticamente se obtendrá (en promedio) 5 aciertos de 25. A veces pueden encontrarse valores superiores por azar, por lo que la repetición del experimento será necesaria a fin de encontrar un valor estadístico fidedigno.

Método para la clarividencia

En este caso se mezcla el mazo, y una sola persona deberá anotar primero la carta que se supone que vendrá, y luego levantarla y comprobarlo. Puede utilizarse la misma planilla que para el método anterior.

Para acceder al test, haz click aquí. y si quieres un test animado conducido por un monstruo, entra aquí.

Sigue escuchando el Mes de lo Paranormalen La Dimensión Alterna, todos los lunes y miércoles de 1 a 2 por Radio Creswin.

Especial Mes de lo Paranormal

2007-10-07T22:44:00.000-07:00

Todo el mes de octubre les presentaremos los mejores temas de cine y videojuegos relacionados con lo extraño, lo misterioso y lo paranormal.

Escuchen a Karen Ortiz y Ale Morando en La Dimensión Alterna todos los lunes y miércoles de 1 a 2 por Radio Creswin en http://www.creswin.com/radio/ o en http://radio.creswin.com:8000/listen.pls

Las mejores escenas del cine Western

2007-10-01T17:18:00.001-07:00

Para todos ustedes nos dimos a la tarea de buscar un video que contuviera algunas de las escenas más famosas del cine Western.. ¡y las tenemos aquí! Esperamos que lo disfruten y no dejen de escuchar el programa los lunes y miércoles de 1 a 2.

Curiosidades Fílmicas - El astro del Western cumple 100 años

2007-10-01T17:18:00.000-07:00

Este año se cumple el centésimo aniversario del natalicio de John Wayne, astro del cine Western e ícono de la historia del cine. Aquí les presentamos una breve semblanza de su vida para celebrar los 100 años de existencia del Duque, como era conocido en el medio.

John Wayne nació en 1907 en Winterset, Iowa y fue llamado Marion Robert Morrison, aunque sus padres cambiaron el nombre a Marion Michael Morrison cuando decidieron llamar a su siguiente hijo Robert. Su familia era presbiteriana. Su padre, Clyde Leonard Morrison era descendiente de escoceses e irlandeses e hijo de un veterano de la Guerra Civil Estadounidense, mientras que su madre, Mary Alberta Brown era descendiente de irlandeses. En 1911 toda la familia se mudó a Glendale, California. Fueron los vecinos de Glendale que comenzaron a llamar a Wayne Big Duke porque él siempre estaba con su perro Airedale Terrier que se llamaba Little Duke. Él prefería Duke a Marion, por lo cual este nombre le quedó por el resto de su vida.

Sus primeros años estuvieron marcados por la pobreza. Duke era un estudiante bueno y popular. Alto para su edad, fue un jugador estrella de fútbol para la escuela secundaria de Glendale y fue reclutado por la University of Southern California (USC).

Es esta universidad fue miembre de los Trojan Knights y se unió a la fraternidad Sigma Chi. Wayne también jugó en el equipo de fútbol americano de la universidad bajo las órdenes del legendario entrenador Howard Jones. Una lesión sufrida aparentemente mientras nadaba cortó su carrera deportiva, y también perdió su beca deportiva por lo que no pudo finalizar sus estudios en la USC.

Mientras estaba estudiando, Wayne comenzó a trabajar cerca de los estudios de filmación locales. La estrella de cine western Tom Mix le ofreció un trabajo temporario durante un verano a cambio de entradas para los partidos de fútbol y Wayne pronto comenzó a tener pequeños roles e hizo amistad con el director de cine John Ford. Durante este período Wayne apareció junto con sus compañeros de equipo de la USC como jugador de fútbol en la película Maker of Men de Columbia Pictures (filmada en 1930 y estrenada en 1931) protagonizada por Richard Cromwell y Jack Holt. En la película, Wayne aparece en los créditos como Marion Morrison.

Su primer protagónico fue después de dos años de trabajo en William Fox Studios en la película La gran jornada (The Big Trail) de 1930. El director de la película Raoul Walsh (quien descubrió a Wayne) le dio el nombre artístico de John Wayne por el general de la Guerra de la Independencia de los Estados Unidos Anthony Wayne. Actores de riesgo le enseñaron a cabalgar y otras habilidades utilizadas en las películas de western.

La gran jornada fue el primer western épico con sonido en el cual Wayne mostró sus habilidades en escena aunque fue un fracaso comercial. Nueve años después, su actuación en La diligencia (Stagecoach) lo convirtió en una estrella. Entre tanto, realizó westerns, los más destacados con Monogram Pictures y series para Mascot Studios, en donde hizo el rol de D'artagnan en la serie Los Tres Mosqueteros de l año 1933. Ese mismo año, Wayne tuvo un pequeño papel en la exitosa y escandalosa película de Alfred E. Green Baby Face.

A partir de 1928 y durante los 35 años siguientes, Wayne aparecería en más de 20 películas de John Ford, incluyendo La diligencia (1939), She wore a yellow ribbon (1949), The quiet man (1952), The searchers (1956) The wings of eagles (1957) y The man who shot Liberty Valance (1962).

Uno de los papeles más preciados de Wayne fue en The hight and the mighty (1954), dirigida por William Wellman y basada en la novela de Ernest K. Gann. Su papel de un heroico aviador ganó una amplia aclamación. Island in the sky (1953) está relacionada a esta película y ambas fueron hechas con un año de diferencia con los mismos productores, director, escritor, editor y distribuidor.

Wayne ganó un Oscar al mejor actor por su papel en la película True Grit (1969). Muchos piensan que el premio fue otorgado en reconocimiento a sus 40 años de carrera más que por su desempeño en este film en particular, ya que tuvo mejores actuaciones en Red River (1948) y The searchers. Wayne también estuvo nominado para mejor actor en Sands of Iwo Jima y la película The Alamo (1960) estuvo nominada para el Oscar a la mejor película, siendo Wayne productor de la misma. Él también dirigió el film The green Berets (1968), la única película hecha durante la Guerra de Vietnam en mostrar soldados norteamericanos a favor del conflicto.

En 1964 se le diagnosticó cáncer de pulmón, y fue sometido a una intervención quirúrgica para extraerle el pulmón izquierdo y dos costillas.

Tal vez debido a su gran popularidad, o a su posición como el republicano más famoso de Hollywood, el Partido Republicano le propuso presentarse como candidato a presidente en 1968. Wayne rechazó la propuesta porque no creía que el público pudiera tomar en serio a un actor en la Casa Blanca. Sin embargo, Wayne apoyó la candidatura de su amigo Ronald Reagan como gobernador de California en 1966 y en 1970.

Wayne falleció el 11 de junio de 1979 a causa de cáncer de estómago. Fue enterrado en el cementerio Pacific View Memorial Park de Corona del Mar, California. Wayne estuvo casado tres veces, sus esposas fueron Josephine Alicia Sanchez, Esperanza Baur y Pilar Palette. Con Josefina tuvo cuatro hijos y tres con Pilar, de los cuales los más conocidos son Patrick Wayne y Ayissa Wayne, quien escribió una memoria de su vida como hija de John Wayne.

Río Rojo con el inolvidable John Wayne

No dejen de escuchar las Curiosidades Fílmicas en la Dimensión Alterna, por Radio Creswin.

Resident Evil una Saga Completa y Exitosa parte 2

2007-09-28T18:45:00.000-07:00

En el post pasado les hablamos de los juegos de Resident Evil y en esta ocasión les platicaremos sobre las adaptaciones a otros medios como novelas, cómics y cine.

Novelas

Además de las adaptaciones cinematográficas, de las que les platicaremos más adelante, se hicieron algunas novelas y cómics basados en las historias de la serie. Las novelas fuero publicadas primero en Japón y luego se tradujeron al inglés. El primer libro de Resident Evil fue la novela titulada Biohazard: The Beginning por Hiroyuki Ariga. Fue publicada en 1997 como parte del libro The True Story of Biohazard, que fue entregada como un bono por pre ordenar la versión de Sega Saturn de Biohazard y no se vendía en tiendas. La historia sirve como preludio a los eventos del juego original de Resident Evil.

La escritora norteamericana S.D. Perry ha escrito novelizaciones de los primeros 5 juegos, así como dos novelas originales que ocurren entre los juegos. La serie incluye: The Umbrella Conspiracy; Caliban Cove; City of the Dead; Underworld; Nemesis; Code: Veronica y Zero Hour. Además en Japón es tal su popularidad, que se hicieron novelizaciones de los 3 primeros juegos, que salieron al mercado a la par. También se han hecho adaptaciones en novela de las 3 cintas por el autor Keith R.A. de Candido.

Cómics

En 1998 Wildstorm comenzó a publicar un cómic mensual basado en los primeros dos juegos, titulado Resident Evil: The Official Comic Magazine, que duró 5 ediciones. Cada una era una compilación de historias cortas que fueron adaptaciones de los eventos de los juegos, así como historias relacionadas vagamente.

También se publicó una miniserie titulada Resident Evil: Fire & Ice, con 4 ediciones que narra las aventuras del Equipo Charlie de S.T.A.R.S. que sólo aparece en el cómic.

Merchandising
Al paso de los años, muchas compañías jugueteras han comprado la licencia de Resident Evil y cada una ha producido su propia linea de figuras de acción. Estas incluyen pero no están limitadas a:Toy Biz, Palisade Toys y Moby Dick (solamente en Jápón). NECA actualmente tiene la licencia y originalmente la compañía produciría figuras basadad en Resident Evil 4,pero exetendieron la línea para incluir personajes de los otros juegos. Tokyo Marui también produjo réplicas de las armas usadas en la serie Resident Evil como armas de gas. Otras mercancías incluyen una bebida energética llamadal "T-Virus Cure" , playeras, discos y tazas del juego.

Resident Evil en el Cine

La primer cinta de la serie se pensó siguiendo la reciente fiebre de adaptar videojuegos al cine, por lo que dada la popularidad de Resident Evil, se hizo en el 2002 teniendo como protagonistas a Milla Jovovich, Michelle Rodriguez y James Purefoy

La cinta fue estrenada en 2002 y es una co-producción británica, estadounidense, francesa y alemana, aunque la película básicamente se rodó en Alemania, usando escenarios reales como una vieja mansión nazi para las tomas de la casa y una estación del metro de Berlín sin terminar para las escenas del complejo La Colmena.

Al inicio del rodaje el director Paul W.S. Anderson jugaba con a idea de que el filme fuera una alegoría de Alicia en el País de las Maravillas, cosa que no sucedió aunque en varias cosas, la cinta tiene referencias a esta historia:

El personaje principal se llama Alice o Alicia.
La computadora que tienen que vencer se llama la Reina Roja, y esta reina roja tiene que matar a quien está infectado, por lo que intentará que alguien le corte la cabeza como la Reina de Corazones Rojos del cuento
Si se fijan bien, hay un pisapapeles de Alicia en el País de las Maravillas en una de las escenas.
Un conejo blanco que se usa para probar el T-virus
Para entrar a La Colmena hay que pasar por una puerta con un espejo (del cuento Alicia a través del Espejo)

Referencias a los juegos y curiosidades

La trama de la cinta varia un poco de la de los juegos siendo la diferencia más grande que Alice es la protagonista y no Jill Valentine, aunque se respetan los demás personajes como Chris Redfield o Matt. En la cinta se hacen numerosos guiños a los videojuegos, como cuando Alice examina la mansión, sale y encuentra un grupo de cuervos. En el juego, los cuervos son enemigos menores que de repente aparecen en ciertas escenas y que hay que combatir.

Hay una toma al inicio de la cinta que muestra un acercamiento del ojo de Alice, esta es una referencia directa a los créditos iniciales del primer juego.

Uno de los periódicos que salen al final de la cinta hace referencia a S.T.A.R.S. el equipo del primer juego y como esta hay muchas otras más que si se las decimos no acabamos, así que sigamos con las curiosidades: La secuencia de los soldados atrapados en el corredor siendo asesinados por los rayos láser en movimiento está inspirada en una secuencia similar de la película canadiense "Cube" (1997).

En la escena del laboratorio cuando se libera el gas tóxico, se puede ver en parte izquierda de la pantalla de la cámara de seguridad, la palabra "Biohazard", éste es el nombre original del videojuego en Japón.

Si se fijan bien, en la película la palabra zombi no se menciona ni una sola vez, esto se debe a la cinta de 1969 Night of the Living Dead, cinta que introdujo el género de zombis y en la que nunca se dice la palabra.

Al final de la película vemos un periódico en el que hay un tituar "Los muertos andan" (The dead walk), igual que la película de George Romero "El día de los muertos" (Day of the dead).

El holograma con el que toma forma la computadora de la Colmena, tiene forma de niña ya que su creador le puso el cuerpo de su hija, niña que luego toma importancia en la trama de Resident Evil Apocalypse.

La película se iba a titular "Resident Evil: Ground zero" (Zona cero). Pero los atentados terroristas del 11 de septiembre acabaron, entre otras cosas, con el título.

Como en los juegos, después de que algo es apagado o encendido, algo pasa en otro lugar por ejemplo cuando la Reina Roja es desactivada por primera vez, las puertas en todos lados se abren.

Se quiso evitar el uso excesivo de la computadora para los efectos, por ejemplo para hacer los perros de la película, los cancerberos, se utilizaron perros doberman a los que se les vistió con un traje de látex para simular la carne Zombi, fue lo único que metieron por computadora y los efectos de los zombis humanos se lograron casi completamente con maquillaje.

Los presidentes de Capcom Japón y América hacen cameos de zombis. Capcom recuerden que es la compañía que creó la serie de Resident Evil y como en el juego, cuando uno regresa a una escena donde mataron a alguien los cuerpos misteriosamente desaparecen.

Resident Evil: Apocalypse, secuela que se estrenó en el 2004, combinó la trama de el tercer juego de la serie, Resident Evil Némesis y del Code Verónica, mostrando Raccoon City a punto de ser devastada por los habitantes infectados con el T-Virus.

El subtítulo de esta entrega, al igual que el del videojuego, iba a ser "Némesis", pero se cambió por el de "Apocalipsis" debido a que ya fue utilizado por "Star Trek: Némesis".

Referencias a los juegos y curiosidades

En este filme también se reproducen escenas de los juegos anteriores como el accidente de auto que deja a Angela Ashford atrapada en Raccoon City es igual a la intro del juego Resident Evil 2 , en que un accidente separa a Leon S. Kennedy y Claire Redfield en la ciudad o la escena en que Alice corre por el edificio mientras un helicóptero de Umbrella la persigue, tira su arma, cae, la vuelve a tomar y dispara, es idéntica a la escena de intro de Resident Evil Code: Veronica en la que Claire Redfield hace lo mismo.

Otra escena es en la que Raccoon City está infestada de zombis y la policía y los mercenarios de Umbrella los combaten hasta el punto en que un zombi se refleja en un casco caído de la policía, que es el mismo intro de Resident Evil 3: Nemesis.

Además el traje de Jill Valentine es idéntico al del juego Resident Evil 3 Némesis y la toma cuadro por cuadro del misil que destruirá la ciudad es idéntica a la que aparece en el juego.

Como su contraparte del videojuego, Némesis solo habla una sola línea en toda la película ("S.T.A.R.S."). En el juego Némesis dice constantemente esa palabra mientras que en la cinta sólo lo dice una vez.

Esta es la clásica cuadro por cuadro que siempre les tenemos en Curiosidades Fílmicas, así que véanla con cuidado: en la escena donde Alice hace explotar la motocicleta, la toma de las balas en cámara lenta revela que tienen grabado el logo de la Corporación Umbrella.

Una vez más la palabra Biohazard aparece en muchas partes de la cinta haciendo alusión directa al título japonés de la serie de juegos.

Cuando el personaje de J.L está manejando en la ciudad infestada de zombis, atropella a uno de ellos y después grita "GTA idiota! 10 puntos!" esto en referencia al sistema de puntos del primer juego Grand Theft Auto en el que el jugador después de cometer algunas ofensas criminales específicas gana puntos. Como coincidencia, Capcom, desarrollador de la serie Resident Evil distribuye en Japón los juegos de Grand Theft Auto.

El primer trailer hecho para esta cinta, dirigido por Marcus Nispel es un commercial de la Corporación Umbrella, anunciando un producto de reneración de piel con una fórmula llamada Células T. En los juegos y la cintas el virus es responsable por la mutación en zombis y es llamado el T-virus. El final del anuncio muestra la advertencia, “Pueden ocurrir efectos secundarios” y la mujer del comercial se convierte en un zombi.

La primera secuencia que muestra a Alice despertando en el hospital consiste en un montaje filmado para la primera cinta pero desechado.

La apariencia de Némesis fue lograda mediante un traje especial, maquillaje y un arma creada para la cinta. El traje pesa aproximadamente 30 libras y su ametralladora que sostenía con una mano pesaba como 65 libras. Lo único hecho a computadora en él es su ojo.

Ustedes se preguntarán ¿Por qué Jill y Alice usan poca ropa en la cinta y en los juegos? Milla Jovovich dijo en una entrevista que le propuso al director que la justificación ideal para ello sería que en la ciudad había una ola de calor.

Esta es otra para verla cuadro por cuadro, cuando lo agents de Umbrella llegan a la casa del primer científico que tienen que evacuar, vean la tele con cuidado. Está corriendo una escena del comercial del trailer de la cinta, mostrando el producto "Regenérate".

Resident Evil Extinction, la tercera y última cinta de la saga, que fue estrenada en nuestro país recientemente, iba a ser originalmente rodada en el desierto australiano, un lugar con el que Russell Mulcahy (director) está más que familiarizado. Razones de presupuesto convencieron a la producción de que era mejor hacerlo en México, en la zona fronteriza con Estados Unidos y el Distrito Federal.

En esta cinta la acción se desarrolla en el desierto, como el nuevo juego Resident Evil 5 y mantiene referencias a los juegos anteriores como la muerte del Captain Alexander es igual a la del personaje de Albert Wesker en el juego original.

Si quieren experimentar una aventura al estilo Resident Evil: Extinction hagan click aquí.

Referencias en otros medios
La saga de cintas ha sido tan popular que se han hecho referencias a ella en diferentes medios por ejemplo: El personaje 2D en la banda aniamda Gorillaz usa una playera del T-Virus en el video Clint Eastwood.

El programa de animación stop-motion Robot Chicken, famoso por sus parodias, hizo un sketch en el que Yoshi el dinosaurio de Nintendo debe decidir entre manejar por Vice City, de Grand Theft Auto o por Raccoon City. Yoshi decide visitar Raccoon City, y es atacado por un grupo de zombis. Aquí tienen el video completo donde haen una parodia de los juegos GTAy Mario Bros.

¡Hasta el próximo post! ¡Sigan escuchando el programa!

Resident Evil, una saga completa y exitosa - Parte 1

2007-09-24T14:18:00.000-07:00

Hoy en Curiosidades Fílmicas, les hablamos de Resident Evil, una saga de videojuego creada por la compañía japonesa Capcom que ha llegado recientemente al cine con su 3a película.
Esta saga es sumamente popular, y en este post les hablaremos de ella, sus orígenes y algunas curiosidades.

Los juegos y su origen

En 1996 el éxito del juego Alone in the Dark(PC) de manos de InfoGrames marcaba el paso para el comienzo de los juegos de terror en un nuevo género conocido como “survival horror” donde el nombre Resident Evil pasaría a marcar un cambio en el género y en una generación. Es una de las sagas que le dio el empujón necesario y que marcó la pauta para la aparición de juegos posteriores, como Silent Hill. Actualmente en esta serie se han basado tres películas, y una que no salio al publico en general solo en Japón.

La nueva serie de juegos que marcaría la revolución en el género se llamaría BioHazard en su país de origen Japón, desarrollado por Capcom. Este nombre no era lo suficientemente atractivo para captar la mirada de los jugadores en Europa y América por lo que lo cambiaron a Resident Evil en dichos continentes.

El juego que iniciaria todo sería Resident Evil 1. Los protagonistas de esta primera historia son: Chris Redfield, Jill Valentine y Albert Wesker. Todos reunidos en una mansión ubicada en las Montañas Arklay en las afueras de Raccoon City. Extrañas muertes han estado ocurriendo en las montañas cercanas a Raccoon City y el equipo Bravo de S.T.A.R.S. (Special Tactics And Rescue Scuadron) es enviado a investigar los sucesos. Después de perder el contacto con ellos se decide enviar al equipo Alpha para averiguar que había ocurrido con el equipo anterior. Al llegar al lugar, y descender de su helicóptero para revisar una extraña humareda, son atacados por una jauría de perros. Uno de sus compañeros (Joseph Frost) muere en el lugar. Dadas las circunstancias el piloto del helicóptero, Brad Vickers, huye en éste, mientras los otros (Albert Wesker, Jill Valentine, Chris Redfield y Barry Burton), corren a refugiarse a una mansión cercana, donde deberán averiguar que ha sucedido en ese macabro lugar.

Este videojuego fue lanzado para: PlayStation (marzo de 1996 y en septiembre de 1997, como Director's cut), PC (diciembre de 1996), Sega Saturn (julio de 1997) y un remake para GameCube (marzo de 2002). En 2006 fue lanzado otro remake de este título para la consola Nintendo DS bajo el nombre Resident Evil: Deadly Silence.

Dos años después, en 1998, Capcom continuaría la historia con el lanzamiento del juego Resident Evil 2. Los protagonistas, en esta oportunidad, son Claire Redfield (hermana de Chris Redfield RE 1) y Leon Scott Kennedy, un policía novato de Raccoon City.

La historia de Resident Evil 2 se ubica dos meses después de los eventos sucedidos en Resident Evil 1. Leon un policía novato asignado al R.P.D. y Claire en busca de su hermano Chris Redfield. Lo que no saben es que llegaron a Raccoon en un mal momento, no se ve nadie por las calles.

La característica más llamativa de este juego era la posibilidad jugar como Leon S. Kennedy ó como Claire Redfield obteniendo dos historias completamente diferentes, pero a la vez complementarias.

Lanzado para PlayStation (ene-1998), después para Tiger Game.com (nov-1998), Windows (feb-1999), Nintendo 64 (nov 1999), Dreamcast (dic 1999), GameCube (ene 2003). La versión Playstation de este juego ha sido el Resident Evil más vendido de la historia, con 7 millones de copias en todo el mundo.

En 1999 llegaría Resident Evil 3: Némesis. Tenía la dificil tarea de superar el éxito de su antecesor, el cual era considerado hasta entonces el mejor de la serie, pero lo logró, gracias a que esta tercera parte fue lanzada para PlayStation One, la consola que en ese entonces empezaba a dominar el mercado de las consolas.

La dinámica del juego es una mezcla perfecta entre puzzles y acción, con un monstruo dedicado simplemente a borrar del mapa a los miembros de S.T.A.R.S, llamado Némesis. Lo que más llamó la atención, en cuanto a la historia del juego, es que se ubica entre los hechos de Resident Evil 1 y Resident Evil 2.

La protagonista es Jill Valentine quien después de escapar de la mansión (RE1) intenta salir de la ciudad para unirse a Chris y a los otros miembros de S.T.A.R.S. que se han ido a Europa, pero al intentar hacerlo se enfrenta al infierno en que se encuentra sumida la ciudad y por si no fuera poco se enfrenta a una nueva arma de la Umbrella: Némesis. Jill conocerá a Carlos Oliveira, un mercenario de Umbrella, él cual la ayudara en momentos críticos.

Con la llegada del nuevo milenio con éxitos seguros para Capcom llegaba al mercado Resident Evil: Code Veronica. Code: Veronica era una especie de spin-off (producto derivado) de la serie. Raccoon City y Umbrella ya eran parte del pasado.

Capcom volvía a innovar, después de Resident Evil 2, debido a que este sería el primer juego en el que los gráficos dejaban de ser 2D y pasaban a la generación de 3D gracias a las prestaciones de GameCube y PlayStation 2, además del DreamCast.

Claire va a Europa (Francia) en busca de su hermano desaparecido (Chris Redfield) y termina secuestrada en una isla propiedad de Umbrella. Es el primer juego de Resident Evil en 3D reales y con cámara móvil. Fue uno de los más largos hasta la aparición de Resident Evil 4. Salió para Dreamcast. Las versiones PlayStation 2 y Gamecube (con el subtitulo «X») tenían una serie de mejoras añadidas, pero su tardía salida al mercado, sobre todo en Gamecube, le impidieron despuntar frente a otros títulos de la saga. En este juego regresaba Claire Redfield, también su hermano, Chris y el villano por excelencia de toda la serie: Albert Wesker.

En el 2002 fue lanzado Resident Evil 0, para la consola GameCube. El juego presentaba a Rebecca Chambers y a Billy Coen, es una precuela de la serie, es decir, eventos ocurridos antes del primer juego. Lanzado como protosecuela del original. Los protagonistas son Rebecca Chambers, una médico del equipo Bravo enviada a investigar unas extrañas muertes en las afueras de Raccoon City, y Billy Coen, un convicto prófugo. Este juego incorpora la nueva característica de llevar a los dos protagonistas a la vez pudiendo intercambiar el control con uno y otro y combinando sus diferentes habilidades. Lanzado para GameCube en Japón/América en noviembre de 2002 y en Europa en marzo de 2003.

Resident Evil intentaba resucitar proponiendo un juego en línea, lo mejor del juego era que podías jugar en línea o fuera de la red, terminar el juego solo o con tus amigos de la red. El juego se llamó Resident Evil: Outbreak y fue lanzado en el 2003.

Un grupo de supervivientes durante las primeras horas de la infección de Raccoon City, intentan escapar de esta. Este juego relata la trama que sucedió durante la transición del Resident Evil 2 y el Resident Evil 3. A través de diversos escenarios en los que hay que cooperar entre distintos jugadores (y admite el juego online). Este videojuego fue lanzado para PlayStation 2. En Europa fue lanzado sin el modo online

Tiempo después Capcom anunciaría la salida de Resident Evil 4 para Gamecube. Muchos gamers opinaban que Capcom deseaba matar la éxitosa saga, pero no fue así.

En Resident Evil 4 regresa Leon S. Kennedy y Ada Wong. Primero salió en GameCube, pero a finales del año los productores hicieron una fantástica adaptación a PlayStation 2, explotando esta consola hasta el máximo, cuando parecía que Gran Turismo 4 sacaba los mejores gráficos de PS2, Resident Evil 4 llegó para romper esquemas.

Leon Scott Kennedy (protagonista de RE2 con Claire), ya alejado de sus tiempos de policía, trabaja ahora para una agencia de investigaciones de los EE.UU. Él debe ir a rescatar a la hija del presidente, secuestrada por una extraña secta, «Los Iluminados», y llevada a un pueblo español llamado El pueblo. Una de las buenas caracteristicas es su nueva camara que le da un aspecto cinematografico. El desarrollo varía notablemente con respecto a sus antecesores, ahora se desarrolla en 3D y se maneja de igual manera. La historia del juego cambia a los zombis por personas vivas afectadas por un parásito que controla el cuerpo del portador llamado «Las Plagas» (un parásito nuevo en la saga, sin relación alguna con el Virus-T, cuyo efecto anula la voluntad del infectado).

El 28 de Junio del 2007 también salió una versión para Wii, llamada: Resident Evil 4 Wii Edition, esta versión cuenta con el apartado gráfico de la versión de Gamecube y los extras de las versiones de PS2 y PC, además de mejorar la jugabilidad respecto a las demás versiones gracias al Wiimote que permite utilizar el wiiremote como pistola y así hacer el juego mucho mas interesante envolviendote en la historia casi por completo.

Otros juegos de la saga incluyen:

Resident Evil: Survivor
(título original japonés Gun Survivor: BioHazard)

Es un spin-off, abarca otro género, el shooter primera persona, pero con total libertad de movimientos. El enemigo principal esta vez es otra B.O.W creada por Umbrella, Mr X, también enemigo principal de Resident evil 2. El protagonista es un hombre amnésico que despierta en medio de las calles de la isla Sheena, un misterioso lugar perteneciente a la Corporación Umbrella, la cual se convirtió en el segundo Raccoon. Salió sólo para la consola Playstation, y es compatible con la pistola de luz Guncon45 de Namco.

Resident Evil Survivor 2: CODE Veronica
(título original japonés Gun Survivor 2: BioHazard Code: Veronica)
Esta segunda entrega deja a un lado la exploración de la protosecuela y se centra más en la acción pura y dura, pero manteniendo la libertad de movimientos. La trama y elementos están basados en Resident Evil Code: Veronica. Los personajes jugables eran Steve Burnside y Claire Redfield, pero más adelante aparecían Chris Redfield y Rodrigo Juan Raval. Este título primero apareció en formato arcade, con la colaboración de Namco, y más tarde se trasformo a Playstation 2. Salió solo en Japón y en Europa. Compatible con las pistolas de Namco Guncon45 y Guncon2.

Resident Evil Dead Aim
(título original japonés Gun Survivor 4: BioHazard - Heroes Never Die)

Es similar al primer Resident Evil: Survivor, pero con mejor jugabilidad y nivel técnico. La trama se desarrolla en alta mar, dentro de un crucero de lujo llamado «Spencer Rain», propiedad de la Corporación Umbrella, infestado de zombis, hunters y demás monstruos. Los Protagonistas son Bruce McGivern (agente del gobierno de los EEUU) y una mujer llamada Fong Ling (agente del gobierno Chino). El grupo de música de hip-hop japonés Rize interpreta el tema principal del juego, titulado Gunshot. Salió sólo para PlayStation 2. Compatible con la pistola Guncon2 de Namco.

Resident Evil Gaiden
(título original japonés BioHazard Gaiden)
El juego también se desarrolla en un crucero, y es muy distinto a los demás Resident Evil por el limitado hardware de Game Boy Color, consola en donde fue lanzado. La historia ocurre en un futuro cercano a los otros juegos. Se crea una organización anti-Umbrella con el apoyo del Gobierno de los EE.UU., entre sus miembros se encuentran el ex-policía Leon S. Kennedy quien es el protagonista de esta historia, Barry Burton (ex-S.T.A.R.S) y ex-empleados de la corporación. Se caracteriza por que la acción es con vista por arriba con un modo de batalla en primera persona, además de que en esta versión desaparecen las cajas para guardar objetos, pues el inventario es ilimitado y es compartido.

Este año la saga cumple 10 años horrorizando al mundo entero, con12 juegos para 8 consolas diferentes, 3 películas basadas en el videojuego, 6 juegos de serie principal, 2 juegos en línea (Resident Evil: Outbreak File #1 y Resident Evil: Outbreak File #2), 1 juego en desarrollo para consolas Next-Gen (Xbox 360 y PlayStation 3), además de varias adaptaciones literarias, 1 novela gráfica compuesta de 4 libros (Resident Evil: Code Veronica), miles de balas disparadas, miles de infectados, miles de muertos, 2 ciudades destruidas (la aldea de RE4 y la propia Raccoon City) y sobre todo…Una generación que creció con Resident Evil.

En la siguiente entrega les hablaremos de las cintas, los cómics y las adaptaciones a novela de la serie.

No dejen de escuchar La Dimensión Alterna todos los lunes y miércoles por Radio Creswin.

Las mejores secuencias de acción del cine!!

2007-09-16T12:31:00.000-07:00

Les presentamos los videos con las mejores secuencias de acción en el cine.

Las mejores escenas de acción

Las mejores escenas de Pelea

Las mejoes escenas de persecuciones

Y aqui les mostramos el show de stunts de Indiana Jones Epic Stunt Spectacular, que se encuentra en los Disney MGM Studios,Orlando y donde muestran cómo se hacen las secuencias de acción en las cintas de Indy

¡Hasta el próximo post!

Los Dobles en el cine - Videos

2007-09-16T12:15:00.000-07:00

En el cine siempre podemos ver escenas de acción diversas en las que hay choques, persecuciones y hazañas imposibles, todo esto gracias a los stunts o dobles.

Les presentamos algunos videos que presentan sus trabajos mas representativos:

Choques y Persecuciones

Car Crash Mix - Funny bloopers are a click away

Choques y Persecuciones II

Car Crash Mix II - Funny video clips are a click away

Escenas de peleas

Stunt-Team - The most amazing videos are a click away

Uso de simuladores para crear escenas

Jet Li Motorcycle Stunts - The best free videos are right here

Si quieres ver un simulador como el que usan los profesionales para crear una escena de acción, haz click aqui.

Y por ultimo, como se realizó una secuencia de acción en una cinta de Vin Diesel

Vin Diesel - Bridge Stunt - The funniest movie is here. Find it

¡Hasta el próximo Post!

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